To The One - John McLaughlin 4th Dimension

Nelle note di copertina di To the One, il chitarrista John McLaughlin, scrive un breve saggio sulla profonda ispirazione che A Love Supreme di Coltrane ha avuto su di lui sia musicalmente che spiritualmente. Nella Mahavishnu Orchestra, quel debito era evidente; inoltre McLaughlin ha anche reso omaggio diretto al sassofonista sull'album After the Rain, che presentava non solo materiale di Coltrane, ma vedeva anche la partecipazione del batterista Elvin Jones.
Con il suo gruppo 4th Dimension, formato da Gary Husband alle tastiere; Mark Mondesir alla batteria e il bassista camerunense Etienne M'Bappé - McLaughlin esplora un jazz elettrico che è profondamente e direttamente in debito con la musica modale e di interazione lirica di Coltrane, come anche negli aspetti emotivi e spirituali delle espressioni del sassofonista.
Questo è davvero una delle migliori registrazioni di jazz-rock disponibili. La musicalità e l'energia del gruppo dovrebbe essere un modello per qualsiasi aspirante musicista professionista. Questo è un gruppo veramente eccezionale guidato da uno dei migliori chitarristi in circolazione. E sicuramente diventerà uno dei classici di tutti i tempi di questo genere.

Per acquistare l'album dal sito CdUniverse, potete visitare questo indirizzo.

Ed ecco il video di The Fine Line, tratto dall'album

Una brillante improvvisazione per tre decenni in divenire

Una notevole recensione del meraviglioso album Jasmine del duo Jarrett / Haden è stata pubblicata sul sito del The Globe and Mail
Two old friends get together one night. Long ago they had worked together, first in a trio, then a quartet, but they hadn’t made music together in over three decades. Still, the guest has his bass, and the host a home studio with a funky old Steinway, so they decide to play a few numbers and see what happened.
Jasmine is the result, an album pianist Keith Jarrett describes in the liner notes as having taken three days to record, and three years to sort out. And man oh man, was it worth the effort.
Even though it didn’t start out as a social get-together – Jarrett was being interviewed for Reto Caduff’s 2009 documentary on bassist Charlie Haden (Charlie Haden: Rambling Boy) – it quickly became not just convivial but, as the best of these performances attest, an act of communion that brought out the best in two very different musical minds. Between his bright, luminous tone and effortless facility, Jarrett’s playing seems almost to sparkle, a quality that lends a lightness and felicity to his improvisations no matter how melancholy the tune. Haden’s bass, by contrast, has a dark, woody timbre that underscores the spare, deliberate character of his line.
What they have in common is an almost innate lyricism, and that’s a dominant feature of Jasmine. Also in the liner notes, Jarrett describes the jasmine as “a night-blooming flower with a beautiful fragrance,” and offers that as a model of what he and Haden tried to evoke with the eight love songs assembled here. Although some, such as Body and Soul or For All We Know, will be familiar to most jazz fans, many feel like fresh discoveries.
But that’s less a matter of forgetting the originals than being wowed by how completely Jarrett and Haden have inserted themselves into the fabric of melody. Take, for instance, One Day I’ll Fly Away, a lovelorn ballad originally recorded by Randy Crawford (and later covered by Nicole Kidman in Moulin Rouge). As the harmonies undulate from major to minor, Haden and Jarrett gradually work their way into the chord structure, developing secondary lines that so perfectly capture the sweetness of the vocal line it’s easy to forget that what they’re playing is improvised.
Even when their approach is more straight-ahead, as on Body and Soul, the playing is so vibrantly original that it’s almost a disservice to think of the songs as standards. Think instead of them as special, and hope that we don’t have to wait another 30 years for the next convergence of this wonderful duo.

Mosaic Records pubblicherà un box set di registrazioni private di Sam Rivers

Mosaic Records, etichetta celebre per aver pubblicato numerosi box-set storicamente significativi nel corso degli ultimi 27 anni, pubblicherà il prossimo novembre una raccolta di Sam Rivers. La musica è tratta da registrazioni private che Rivers effettuò nel Rivbea Studio in un loft di New York durante gli anni '70.
Rivers ha annunciato la nuova release durante un concerto e la notizia fu confermata dal produttore della Mosaic, Michael Cuscuna. E' particolarmente adatto per Cuscuna e Mosaic essere coinvolti in questo progetto, in quanto lo stesso Cuscuna produsse la sessions che ci ha lasciato uno dei migliori documenti della scena dei jazz-loft newyorkesi degli anni '70, Wildflowers, che fu pure registrato presso il Rivbea Studio.

Ecco un video del quartetto di Sam Rivers che presenta Beatrice

Nikki Yanofsky conquista New York

Il sito del New York Magazine ha pubblicato recentemente un articolo sulla nuova, giovanissima e sensazionale cantante canadese Nikki Yanofsky, una ragazzina sedicenne che ha conquistato i difficili critici newyorkesi grazie ad una strepitosa recente performance al Dizzy's Club Coca-Cola al Lincoln Center.
Il suo primo album in studio, intitolato Nikki, pubblicato dalla Decca Records, ha già scalato tutte le più importanti classifiche discografiche americane e canadesi e per lei già si sprecano i paragoni illustri; in particolare grazie al suo modo di cantare in scat mostra profonde affinità con la leggendaria Ella Fitzgerald.
Prodotto da Phil Ramone l'album presenta nuovi arrangiamenti di classiche canzoni jazz ed alcuni pezzi originali della Yanofsky.
As soon as Nikki Yanofsky sits down at the table in Dizzy’s Club Coca-Cola, Jazz at Lincoln Center’s imperial spot overlooking Central Park, she takes the menu, says she’s starving, warns that she doesn’t have good table manners (“You’ll see: I can make crumbs out of apples”), announces that she’ll want dessert, and otherwise yaks away. “I know, I talk very fast,” she declares. “I call it ‘Nikkanese.’ That’s how I do my scatting.”
Scatting—singing nonsense syllables to jazz music—doesn’t usually appear in the lexicon of a girl who just turned 16. But Yanofsky sounds less like a teenager than like, well, Ella Fitzgerald. That’s no exaggeration. Listen to Yanofsky’s rendition of Fitzgerald’s famous scat “Airmail Special” (when it was recorded for a 2007 Verve Records tribute album, Yanofsky became the youngest artist ever to appear on the label) or to her first full-length album, Ella … Of Thee I Swing: The tracks sound as if they were recorded by an artist 30 years older—60 years ago.
Anyone watching the opening ceremonies of the Vancouver Olympics got a sense of this when Yanofsky belted out a jazzed-up version of “O Canada.” That was the only time since she began performing in 2006, she claims, that she has ever really been nervous. “I was shaking,” she says. “I said to the guys who were with me, ‘In five seconds, the whole world will know who I am.’ Afterward, I cried for twenty minutes, I was so overwhelmed. My whole life changed.” Now she is preparing for her Stateside launch. Yanofsky’s first U.S. album—Nikki, a mix of standards like “I Got Rhythm,” as well as new numbers she co-wrote—will be launched here at Dizzy’s on May 4. It will be followed, in June, by a PBS special called Nikki Yanofsky: Live in Montreal, her hometown.
A perky, astonishingly talented Quebecois import with a voice like a velvet clarion: We have been here before. Like Céline Dion, Yanofsky can belt, croon, and purr, flawlessly. But there is something immediately disarming, almost puppyish, about Yanofsky, even as her musical taste is more sophisticated (or less Vegas) than Dion’s. In any case, she steers away from any direct comparisons. “I don’t know her,” Yanofsky says of Dion, “but we have met, and she’s the nicest girl.”
Although Yanofsky’s father plays the piano and has a band, and her mother calls herself a “closet singer,” they owned just one jazz record, Ella and Louis, the 1956 album pairing Fitzgerald and Armstrong, as Yanofsky was growing up. Yanofsky picked up jazz at 11, when one Friday her vocal coach gave her a recording of “Airmail Special” to try. By Monday, she’d not only nailed it but also found her musical métier. She quickly became a phenom in Canada, and has attracted fans like Tony Bennett and Marvin Hamlisch. It was Hamlisch, the legendary composer-conductor-pianist, who, in 2008, brought her to U.S. stages. She sang at Carnegie Hall on her 14th birthday. (The audience sang “Happy Birthday” back. “That was a good birthday present,” she says.)
Over the last two years, Yanofsky (accompanied by her parents) has kept up a heavy tour schedule—Japan, South Korea, Turkey—all while trying to stay on top of school from afar. “I’m in grade ten at St. George’s School, and I go when I’m not on tour,” she says, which is about once a week. So far she hasn’t needed a tutor and has been able to maintain an 86 average. “My parents don’t push me; it’s because I want it so badly,” Yanofsky explains. “Music makes me feel so much, music makes me feel so good.”
Soon after the waiter clears her onion soup and macaroni and cheese, she’s bopping to the brassy sounds of the Manhattan School of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra. Dressed in a black net top over a gray tee and white jeans, Yanofsky alternately claps, plays the table like a drum, and sits up straight to watch, occasionally twirling her curly brown hair. When the bandleader calls for audience participation, her voice rings out clearly.
Yanofsky’s new album contains strains of R&B, soul, and rock, as well as some surprise vocalese: Her version of “Take the A Train” includes a bit Yanofsky wrote about the theater and shopping, her other favorite activity (since arriving in town this morning, she’s already bought two headbands, a T-shirt, and a fancier top on a whirlwind trip through Soho). She is quick to point out that she’s not a jazz evangelist—“I’m not a jazz singer, I’m just a singer”—but when the 89-year-old Candido Camero unexpectedly joins the stage at Dizzy’s, Yanofsky is beside herself. Camero introduced the conga drum to jazz and played with Dizzy Gillespie himself. He’s now slowed by arthritis, but when his bandaged fingers start to hit the congas, his face breaks into a smile of delight.
Yanofsky pulls out her BlackBerry to take Camero’s picture. Moments later, she leans over, points to her phone, and says, “I’m letting my friends listen. They love it.”
It’s 9 p.m., and the crowd for the 9:30 set is waiting to get in. Yanofsky has one more thing in mind. Hurrying across the room, she introduces herself to the band’s drummer, Jake Goldbas, and they exchange contact information with a promise to talk about collaborating. She is only in New York for three days, and isn’t wasting any time.
Per conoscere meglio la giovane cantante potete visitare il suo sito ufficiale all'indirizzo www.nikkionline.ca

Ecco il video di Nikki Yanofsky che canta l'inno delle scorse Olimpiadi di Vancouver, intitolato I Believe

Recensione di Push - Jacky Terrasson

Push è il titolo del nuovissimo album del pianista Jacky Terrasson, una godibile produzione principalmente in trio, ma costellata qui e là di ospiti che rendono più speziato il sapore di un album che, seppur piacevole e con un buon livello medio, manca, come purtroppo spesso accade agli album del pianista, di quella scintilla capace di renderli dei capolavori.
Una scintilla che invece Terrasson mette in mostra nei suoi concerti live, dove riesce a coniugare la sua tecnica strabiliante ad una grinta e ad una spettacolare capacità improvvisativa, che invece mi sembra manchi nei suoi lavori discografici, che risultano spesso un pò calligrafici.
Nell'album Terrasson mostra anche una discreta vena compositiva capace anche di svariare tra i generi; i migliori pezzi dell'album risultano le proprie composizioni originali, quali il souleggiante pezzo di apertura Gaux Girl, il frenetico Beat Bop, nel quale Terrasson mette in mostra la sua straordinaria maestria, sostenuto in maniera superlativa dalla ritmica costituita da Ben Williams al basso acustico ed elettrico e Jamire Williams alla batteria, e My Church, una delicata ballad che ricorda Moon River.

Gli standard presenti nell'album risultano meno efficaci, eccezion fatta per la versione della monkiana Ruby My Dear, impreziosita dalla presenza dell'ottimo armonicista Gregoire Maret, che la rende in maniera nostalgica e coinvolgente.
Più convenzionali risultano le versioni di ‘Round Midnight e di You’d Be So Nice to Come Home To, che non aggiungono niente di nuovo allo sterminato numero di volte che sono state registrate.
Infine una citazione a parte merita l'improbabile medley tra Beat It di Michael Jackson e il celebre standard Body and Soul, per il quale, pur apprezzando lo sforzo di Terrasson di legare insieme questi pezzi così diversi, non sono molto convinto del risultato.

Ed ecco un video del medley Beat It/Body and Soul tratto da un concerto registrato a Marciac nell'agosto del 2009.

Jasmine - Keith Jarrett / Charlie Haden

Keith Jarrett e Charlie Haden di nuovo insieme!
Trentatre anni dopo lo scioglimento del grande Quartetto Americano, il pianista e il bassista si riuniscono per un notevole album di standard, suonato con profondo sentimento. Il programma di Jasmine comprende noti standard come Body And Soul, For All We Know, Where Can I Go Without You, Don't Ever Leave Me ed altri ancora.
Intimo, spontaneo e caldo, con questo album, prodotto dalla ECM, Jarrett e Haden riprendono a fare musica e nient'altro che musica - come solo loro riescono a fare. Come Keith Jarrett dice nel sue note di copertina: "Questa è musica spontanea eseguita sul posto, senza alcuna preparazione tranne la nostra dedizione che abbiamo posto in tutta la nostra vita, tanto che non riusciremmo ad accettare un sostituto ... Queste sono canzoni d'amore interpretata da grandi musicisti che cercano, principalmente, di mantenere intatto il messaggio. "

Ecco il video di presentazione dell'album:

Al via il tour sardo di Gegè Telesforo

Notizia tratta dal sito www.informazione.it
Si accendono i riflettori dei palcoscenici sardi sul So Cool Groove Master Quintet.
La jazz band capitanata dal vocalist Gegé Telesforo dà il via al breve tour di tre date in Sardegna, martedì 18 maggio alle ore 21,30 al Teatro Club FBI in Via Brigata Sassari 38, a Quartu Sant’Elena.
Cantante, polistrumentista, producer, conduttore radiotelevisivo, entertainer, ma soprattutto maestro dello scat, quella forma di canto jazz basato sull'improvvisazione vocale, Gegè Telesforo (voce e percussioni) scoperto parecchi anni fa da Renzo Arbore, ritorna ancora una volta nell’isola accompagnato sul palcoscenico da Dario Deidda ( basso), Alfonso Deidda (piano, flauto, sax alto e baritono), Max Ionata (sax tenore e soprano) e Amedeo Ariano (batteria) per presentare in tre serate che si preannunciano sold out, il suo nuovo cd So Cool.
Come tutti i precedenti lavori nati dalle incredibili doti vocali del musicista foggiano e dalla sua capacità di seguire un proprio progetto di ricerca musicale anche So Cool, scritto per il suo quintetto con la collaborazione di Ben Sidran, autore dei testi e di Peppe Sannino alle percussioni, è la sintesi di una sorta di laboratorio sonoro dove il concetto di groove si ripropone nella sua essenza più pura.
In distribuzione internazionale da gennaio 2010 il nuovo album, è il risultato di una live session di due soli giorni registrata allo Zork Studio di Buccino (SA) e in seguito masterizzato presso il prestigioso Sterling Sound di New York.
Le dieci tracce raccolte in So Cool - prodotto da GeGè Telesforo e Roberto Ramberti per l’etichetta indipendente Groove Master Edition e distribuito in Italia da EGEA Music – sono un'ideale escursione di suoni inconfondibili creati dall’impasto di voce e sassofoni che spaziano ritmicamente dal funk allo swing, dal be-bop allo storico blue note, dal latin-jazz al groove.
Dopo la serata al FBI, il Gegè Telesforo Groove Master Quintet si trasferisce nel nord della Sardegna per riproporre le originali composizioni e il contagioso groove di “So Cool” mercoledì 19 maggio alle ore 21,30 al Teatro Civico di Corso Vittorio Emanuele II a Sassari e il giorno successivo, giovedì 20, sempre alle ore 21,30 al Teatro Civico di Piazza del Teatro di Alghero.
Nato a Foggia nel 1961 e cresciuto artisticamente sotto l’ala protettrice di Renzo Arbore, che ne ha scoperto le incredibili doti vocali, Gegè Telesforo nel corso degli anni, sono oramai più di 30 a cui dedica ogni sforzo, ha saputo individuare un proprio progetto di ricerca, che ha il suo nodo centrale nello scat, ovvero l’improvvisazione vocale. Rispolverando un'arte quasi dimenticata all'estero e mai sbocciata in Italia, il vocalist foggiano ha saputo, raccogliere attorno a se il meglio della scena jazz-fusion romana: indimenticabili i suoi concerti, a metà degli anni Ottanta, in cui si divertiva a rinnovare vecchi standard del jazz.
Nelle sue numerose band (Gegè Telesforo & Co.; D.O.C. Quartet; Pure Funk Live; Groovinators) hanno militato alcuni fra i più quotati musicisti italiani: Roberto Gatto, Danilo Rea, Antonio Faraò, Marco Rinalduzzi, Enzo Pietropaoli, Rita Marcotulli, Marco Tamburini, i Deidda Brothers, Rossana Casale, Marcello Surace, Alex Gwiss, Max Bottini solo per citarne alcuni e debuttato giovani talenti come Giorgia, Stefano Di Battista, Rocco Zifarelli, Julian Oliver Mazzariello.
Nei primi anni ‘90, in seguito alla collaborazione con il pianista, cantante e raffinatissimo critico musicale Ben Sidran, Telesforo sbarca negli Stati Uniti. Qui collabora con i musicisti più in vista e inizia ad incidere i suoi dischi per l’etichetta Go Jazz, lavora in studi di registrazione prestigiosi come il Paisley Park di Prince, Sterling Sound e lo Skyline di New York.
In seguito Ben Sidran lo vuole come Lead Vocalist nella sua Go Jazz All Stars e Gegè partecipa ad un lungo tour internazionale che lo vede al fianco di artisti del calibro di Phil Woods, Bob Malach, Georgie Fame, Clyde Stubblefield, Mike Mainieri, Bob Rockwell, Richard Davis, Phil Upchurch, Ricky Peterson. In queste ripetute apparizioni trova il modo per esportare il suo indiscutibile talento vocale, non solo colleziona una serie impressionante di sold out, ma restano memorabili duetti vocali e le collaborazioni con Dizzy Gillespie, Tony Scott, Bob Berg, Jon Hendricks, Clark Terry e DeeDee Bridgewater.
Dalla seconda metà degli anni ‘90, dopo il periodo di lavoro svolto in studio a Minneapolis con i musicisti della New Power Generation di Prince, la sua ricerca musicale si indirizza sul versante di un funk aggressivo in cui gli elementi jazzistici e improvvisativi si saldano a una rigorosa ed infallibile concezione ritmica dominata dal "groove". Dal ’97 è special guest dell’Orchestra Italiana di Renzo Arbore.
Gegè Telesforo è oggi riconosciuto nel mondo come uno degli ultimi artefici ed innovatori dello scat, “l’unico artista/performer italiano che si possa fregiare del titolo di Groove Master”.
Gli appuntamenti rientrano nel calendario della IV Edizione del Festival “La Musica che Gira Intorno 2010”, ed è organizzato dall’Associazione Culturale “La via del Collegio” di Cagliari con il patrocinio degli Assessorati alla Cultura dei Comuni di Quartu Sant’Elena, Sassari e Alghero, e degli Assessorati alla Pubblica Istruzione, Spettacolo e Turismo della Regione Autonoma Sardegna.

Enrico Pieranunzi all'Ischia jazz festival

Wandering è il titolo del nuovo album piano solo di Enrico Pieranunzi che verrà presentato sabato 15 maggio alle 22:30 allo ‘O Spasso di Calise ad Ischia. Il grande pianista romano esplora e propone gli aspetti più affascinanti e personali della sua originalissima dimensione musicale. Audaci escursioni pianistiche improvvisate si alternano a temi melodici e a brani di più stretta ascendenza jazzistica in un “girovagare” che fa di questo cd un vero e proprio viaggio, pieno di infinite sfumature e di atmosfere le più diverse e cangianti. Nato a Roma il 5 dicembre 1949 Enrico Pieranunzi inizia lo studio del pianoforte a poco più di cinque anni, pur studiando pianoforte classico viene fortemente influenzato dal jazz grazie al padre chitarrista e appassionato di Django Reinhardt. La fusione dei due generi darà luogo a quello che poi sarà il suo personalissimo stile,un linguaggio che lo colloca in una posizione di grande rilievo nel panorama jazzistico mondiale.Tra le sue ultime opere va ricordato anche, in piano solo, Enrico Pieranunzi plays Domenico Scarlatti, che ha avuto in tutto il mondo responsi entusiastici di pubblico e di critica. In Wandering, prodotto dalla storica etichetta CamJazz, scrive Paul Benkimoun nelle liner notes del cd, Pieranunzi “fonde come non mai intelligenza musicale, dominio assoluto dello strumento e capacità di esprimere le proprie emozioni; e fa correre la fantasia dell’ascoltatore”. L’appuntamento è sabato 15 maggio allo ‘O Spasso di Calise ad Ischia per una serata magica a suon di pianoforte, il tutto nell’ambito della rassegna Ischia Jazz Spring che continuerà fino al 18 giugno.

Black Christ Of The Andes - Mary Lou Williams

Black Christ Of The Andes è uno dei più importanti lavori discografici di Mary Lou Williams.
Black Christ Of The Andes si può considerare un album stilisticamente eclettico. Condito spiritualmente con pezzi corali a cappella, l'album viaggia attraverso la storia della musica moderna. Sofisticate interpretazioni di brani noti (tra cui un fumoso It Ain't Necessarily So) si alternano agli originali della Williams. Il fratturato, "avant-classical" A Fungus A Mungus, per esempio, lascia il posto al divertimento di Koolbonga, prima della chiusura con il meraviglioso Praise the Lord.
L'abilità al pianoforte dell'artista è pienamente mostrata qui, ed i suoi assolo mostrano le sue radici come pianista stride, ma viene anche mostrata la sua dimestichezza con il post-bop ed il suono modale. Per la sua gamma musicale e l'ampiezza di vedute, Black Christ Of The Andes è un risultato sorprendente e singolare.
L'album è stato ristampato nel 2004 dall'etichetta Smithsonian Folkways aggiungendo quattro inediti bonus tracks ed un bellissimo booklet annotato con note su tutti i pezzi e fotografie di accompagnamento.
Per acquistare l'album dal sito CdUniverse, visita questo indirizzo

Si può vedere il video di Praise the Lord, tratto dall'album.

Intervista a Charlie Hunter

Sul sito del quotidiano Santa Barbara Indipendent è apparsa una intervista con il chitarrista Charlie Hunter, in occasione della pubblicazione del suo ultimo album dal curioso titolo Gentlemen, I Neglected to Inform You You Will Not Be Getting Paid che si avvale di una particolare formazione con il batterista Eric Kalb, ed una brass ensamble composta da due trombonisti (Alan Ferber e Curtis Fowlkes) ed un trombettista Eric Biondo, che riprende le sonorità della celebre Lester Bowie's Brass Fantasy.
Ecco un estratto dell'intervista:
This record differs a lot from the stripped-down style you’ve been exploring. What were your thoughts going into this project?
I just wanted to make a really, really good record for very little money. [Laughs.] And I did that by recording live, which I always do anyway; I never do any overdubs. So we recorded live to half-inch tape mono, which means no mixing, and I had a great engineer—Dave McNair—who hooked all the mixing up on the fly, and we had great musicians to play, so we just went in their and knocked it out in a couple days.
Other than the cost, what do you get out of recording to analog?
Well, mixing costs a lot of money because it takes a lot of time, and we know how to play, so… [laughs]. Most nights a year, we’re playing, so for us to go into a studio and just play means we don’t have to worry about having a net. It became all about recording to tape and just how good that sounds, and all the analog gear and how much better, generally, that sounds than digital. For just recording a band straight up that knows what they’re doing, there’s just no substitute for tape and tubes, you know?
Can you tell me a bit about the album title, Gentlemen, I Neglected to Inform You You Will Not Be Getting Paid?
[Laughs.] It’s a quote from an old musician. I can’t say his name or I’ll get into a lot of trouble. … But I can relate to it. If you’re a musician, you’re at the bottom of the pile in this industry. You’re the very last person to get paid, and if there’s anything left, you’ll get that.
How do you approach playing some of these bigger-band pieces live with a trio?
Well, we’ve been doing the trio for so long that we just kind of do it however we can. But it’s great. Every one of those songs has its own, different vibe, and a trio is great because you can get a big sound, but you’re still able to maneuver. Having three individuals communicating onstage is much quicker. The problem with the five-piece is that it sounds great, but it’s just too expensive.
You’re getting close to having 20 albums under your belt. Do you have a preference between recording and playing live?
Oh always with an audience, because that’s what we do. We’re improvisers, and we play live. The studio is fun, and great, and it’s a necessary thing—when I practice, I always tape myself practicing and listen to it back because it’s great to have that instantaneous feedback—but playing in front of an audience, that’s the fun part of it
L'intervista integrale a questo indirizzo.

Ecco il video di un pezzo dell'album, tratto da un concerto dal vivo registrato lo scorso 27 febbraio, al Blue Room di Kansas City

Wallace Roney – If Only for One Night

L'approccio creativo ed avventuroso di Wallace Roney dei suoi precedenti album con la HighNote, è mantenuto stabilmente su If Only For One Night. Qui Roney è riuscito a raccogliere tutte le sue influenze e forgiarle in un insieme coerente, che in qualche modo è più della somma delle sue parti. Ci sono barlumi di bebop, postbop, Trane, Herbie Hancock, Weather Report funk-ish & fusion, hip-hop e, naturalmente, Miles Davis, ma ancora la musica suona sempre fresca e senza mai dare l'impressione di deja-vu. Registrato dal vivo a New York, nel famoso jazz club Iridium, Wallace è sostenuto ad ogni passo dalla sua solita band che l'accompagna sin dall'album Prototype. Con il fratello Antoine Roney ai fiati, il bassista Rashaan Carter, e la nuova stella della tastiera Aruán Ortiz ed il batterista Abadey Kush, la band crea un paesaggio sonoro carico di groove e funk moderno e fatto di poderosi assoli. If Only For One Night è un album pieno di provocazioni. Roney e soci non rappresentano necessariamente un ideale per il jazz di oggi, ma piuttosto una rappresentazione delle ricche possibilità del genere. Questa musica è impegnativa, vivace e, soprattutto, piena di sentimento.
Ecco una recensione dell'album presentata dal sito Audiophile Audition
Trumpeter Wallace Roney presents all aspects of his musicianship on If Only for One Night, his first live album. During the hour long, eight track outing recorded over four days in summer 2009 at New York City’s famed jazz venue, The Iridium Jazz Club, Roney and his quartet successfully move from bop territory to contemporary pop-slanted compositions, providing fans with a set that showcases Roney’s multi-hued personality. Much, too much in fact, has been said about Roney’s association with and influence by Miles Davis. Suffice to say, Roney does share many Davis inclinations, but what of it? There’s plenty of Miles Davis in many of today’s jazz artists. Yet, listeners can find Roney echoing his old friend and mentor throughout these proceedings. Opener “Quadrant” is a good example. The tune has a funky jazz fusion arrangement that brings to mind Davis’ post-1970 work, most noticeable via Aruán Ortiz’s bubbly synth and the steady groove by bassist Rashaan Carter and drummer Kush Abadey. Unlike Davis’ post-Bitches Brew material, though, the groove never gets squeezed in, particularly when Ortiz switches to piano and rolls out a post-bop solo. Davis’ inspiration is stronger on another party-popping piece “I Love What We Make Together,” a number Davis recorded only as a demo, initially dubbed “Al Jarreau,” and meant for that iconic jazz singer. The song commences with Roney on muted trumpet (another nod to Davis) and as the tempo builds Roney’s younger brother Antoine takes over on saxophone and really works the room over with high-flying flourishes. Roney also shows homage to a fellow Davis alum, the late Tony Williams – whom Roney performed with during the 1980s – during an aggressive hard bop cut of Williams’ “Only with You,” featuring piercing trumpet lines and boastful sax. While Roney and his band do not match the fire of Williams’ original, which included Roney, it gets darn close. Roney has linked up with pop-shaded singers such as Cassandra Reed, Mary Stallings and Tricia Tahara and has not shied away from pop-affected styles. This contemporary side of Roney’s disposition shines during the title track, formerly a radio hit for vocalist Luther Vandross. Roney’s trumpet replicates Vandross’ glossy vocal while the arrangement maintains a balmy stride. The inclusion of a processed, digital voice, however, mars the otherwise warm mood. The other pop piece is an attractive ballad treatment of Janet Jackson’s “Let’s Wait Awhile.” Roney does for Janet what Miles Davis did for Michael (Jackson’s “Human Nature” was a Davis tour highlight in the 1980s). Roney ends with an intimate solo song, “FMS (For My Son)” where he illustrates his higher-register tone and brisk textures. It’s a fitting finale for an album that exhibits Roney’s full range as performer, arranger, leader and interpreter. The engineering job is well done. The live sound is closely recorded and mixed effectively. Drums do not overpower the quiet bass pulses, for instance, and subdued keyboard nuances glide smoothly underneath the horn section. The Iridium’s space affords a slight echo that suits the material and the nightclub ambiance furnishes a natural resonance that keeps anything from sounding sterile or cool.
Per acquistare l'album sul sito di CdUniverse, visita questo indirizzo.

Intervista a Matthew Shipp

Il sito At Lenght ha pubblicato una intervista al pianista Matthew Shipp, in occasione della pubblicazione del suo ultimo album intitolato 4D.
At the age of 49, pianist Matthew Shipp – who has recorded more than thirty records as a leader or soloist – is one of the most influential figures in modern jazz. As a musician, his occasionally forceful style of play, his dynamic use of the lower octaves, and his keen sense of negative space give him an instantly recognizable sound. His compositional style is deeply rooted in his extensive experience as a free jazz improviser and the idiosyncratic blues of Thelonious Monk, and it has more recently begun to incorporate elements of modern classical music, electronica, and hip-hop.
By the end of the millenium, based solely on the strength of his studio recordings and live performances, Shipp had already become a major figure in the jazz world. But in 2000, Thirsty Ear Recordings invited Shipp to curate their new Blue Series, where he proceeded to not only highlight some of the best and most interesting jazz artists working today, but also to tear down the boundaries within the genre. Artists like hip-hop sound collagist DJ Spooky, rappers Antipop Consortium, rock guitarist Vernon Reid, and electronica duo Spring Heel Jack were brought in to produce adventurous works, both on their own and in collaboration with jazz musicians, to create a daringly open blueprint for the future of jazz. This approach drew rave reviews and generated some much-needed excitement in a genre that suffers from a stuffy and forbidding reputation. But Shipp’s iconoclasm sometimes draws controversy instead of praise, as it did this winter when his remarks questioning the pre-eminence of elder statesmen like Herbie Hancock in the jazz world drew fire in the press.....

The first thing I read about this record from Thirsty Ear’s web site was that this new record would be a “synthesis and culmination” of all your work with the label.
Right.
And 4D, the title of the record, sounds like it refers to the fourth dimension, which to a physicist is the dimension of time. But there’s also a strong mystical tradition concerned with the fourth dimension, which had an impact on the Cubists. Jazz has a strong tradition of science fiction and mysticism. Were you trying to tap into that with this title?
Yeah, that’s definitely a component and a product of a way of looking at the jazz universe. I mean, if you look at mysticism within jazz, there are a few known approaches. First, there’s the Coltrane approach, which is kind of a circular universe with a resonance not unlike Indian classical music, taking jazz and making it a very ecclesiastic music, not in a Christian way, but kind of in a universal consciousness way. And in Sun Ra a persona is created. He was taking aspects of Egyptian mythology, and Greek thought like Pythagoras and things like that to create a figure. And the generation of the musical universe comes about because of that mystery religion world view in sound. So I’m definitely coming out of that tradition – a mixture of both the Sun Ra and the Coltrane ways of using mysticism within the jazz universe. And the other thing about jazz, I mean actually when I play, I’m talking about the actual linear content of my playing. I mean, I sit down on the piano and I create lines in the same way Bud Powell or Bill Evans would, but I am actually always trying to get a universal equation when I do that. And I can’t define that, but I’m always aiming for the line that has some sort of elegance and for it to actually say something that is an equation of being of sorts. Mysticism is a huge aspect of my whole thing within jazz.
In John Szwed’s biography of Sun Ra, he talked about how he came out of a pre-jazz tradition in African American culture based on African Zionism and Egyptian mythology, and how that adapted itself very well to sort of a science fiction.
Right. You can take something like the Emerald Tablet and the idea of aliens coming to earth and get the idea that a lot of our so-called religions might be kind of mistranslations of some other text, which really does lend itself to science fiction very much even though it’s a mystical concept. If you deal with infinity, and if you deal with the fact that a mind is within the pool of infinity, and anything finite is connected to infinity, then if we have human beings, there can therefore be levels of mind infinitely above that. So what maybe religion calls angels were actually aliens? I’m not trying to get like… I’m not into flying saucers and stuff per se, but I’m just saying there is a mythology that goes with the music that Sun Ra did really tap into definitely and informs the whole idea of when you sit at the instrument. It’s almost like you are a mathematician from another planet. And you have the system of math in your head and that system of math allows you to generate an elegant language of sorts, and that’s the whole thought form that feeds the mythology of the music....
Potete leggere il resto dell'intervista a questo link.

Ecco un video per piano solo di Shipp, registrato a Budapest nel settembre del 2008.

Dee Dee Plays Billie

Uno straordinario articolo su Dee Dee Bridgewater è stato pubblicato dallo scrittore e giornalista Larry Blumenfeld, sul Wall Street Journal di qualche giorno fa e ripreso sul blog dello stesso scrittore. L'articolo si concentra sul prossimo album della cantante intitolato To Billie With Love From Dee Dee, e prova in maniera estremamente brillante a tracciare un paragone tra le due grandi interpreti.
Ms. Bridgewater has considerable experience with daring to be a Billie Holiday, much of it literal. She earned critical acclaim in Paris in 1986 and a Laurence Olivier Award nomination the following year in London for her portrayal of Holiday in Stephen Stahl's play "Lady Day." "I was possessed," she said. "I would take my first step onto the stage and could feel her take over." Ms. Bridgewater can do a dead-on impersonation of Holiday--she briefly eased in and out of Holiday's drawn-out phrasing and playful intonation over the phone for me--but that was never the point.
Holiday's story, not her singing, first captivated Ms. Bridgewater. "When I was a teenager, I believed that to be a jazz singer you had to scat and sing like Ella Fitzgerald or Betty Carter," she said, "and you needed to have range. We all know that Billie did not have an extensive vocal range."
But Ms. Bridgewater had read "Lady Sings the Blues," Holiday's 1956 autobiography, co-written with William Dufty, on which Mr. Stahl's play was based. "I was struck by a lot of things that I could relate to or had experienced, including abuse," she said. "And I began to understand how she ended up growing into the person she grew into, what her singing meant."
By the time she was cast as Holiday, Ms. Bridgewater had developed a deepened appreciation of Holiday's rhythmic and expressive gifts as a singer. And she sought something beyond the tragic storyline. She had easy access to good sources: She'd debuted in 1970 with the Thad Jones/Mel Lewis band, which included her then-husband Cecil Bridgewater, and performed throughout that decade with jazz standard-bearers including Max Roach and Sonny Rollins. Through musicians such as trumpeter Harry "Sweets" Edison, she heard firsthand recollections. She acquired cassettes documenting private moments. "I learned that Billie was a very funny woman, with a dry sense of humor," she recalled, "who loved to talk dirty and would cook for her fellow musicians."
Now, at 59, the prospect of a Broadway revival of Mr. Stahl's play prompted Ms. Bridgewater to envision a two-disc set: one evoking the play's era, the late 1950s; the other a celebratory tribute in the here-and-now. When the recession put the play on hold, she scaled down to the latter idea. The result sounds bold, varied, modern and complete. Ms. Bridgewater's performance style is often wildly extroverted, spanning a broad emotional and musical range; it is in many ways the polar opposite of Holiday's finely focused presence and introverted demeanor. On the new CD, though Ms. Bridgewater flecks a lyric or two with Holiday's timbre or phrasing, her singing is never imitative, often reflective of musical liberties Holiday never took.
"I wanted to capture Billie's spirit," she said, "as channeled through the woman and the musician I am today." She turned first to pianist Edsel Gomez, with whom she has worked for seven years, and then enlisted bassist Christian McBride, drummer Lewis Nash, and James Carter, who excels equally on a variety of reed instruments. She asked Mr. Gomez to create musical contexts for 12 songs strongly associated with Holiday, more loose-limbed musical frameworks than tight arrangements......
Sul blog dello scrittore è possibile leggere l'articolo in versione integrale.

Ecco il video di Dee Dee Bridgewater che presenta Polkadots and Moonbeams, con The Italian Big Band.

Clarinetwork Live at the Village Vanguard - Anat Cohen

L'etichetta Anzic ha appena pubblicato il nuovo album della clarinettista Anat Cohen, intitolato Clarinetwork, registrato dal vivo al Village Vanguard di New York il 7 maggio 2009.
Ispirato da Benny Goodman nella celebrazione del suo centenario, Clarinetwork Live at the Village Vanguard è un tour-de-force musicale. Vincitrice di tre consecutivi della Jazz Journalists Association come “Clarinet Player of the Year” e come "Rising Star Clarinet” per il DownBeat critic’s polls, la magnifica clarinettista israeliana conduce una sezione ritmica di all-stars (Benny Green, Peter Washington, Lewis Nash) su questa squisita registrazione live che restituisce al clarinetto il suo legittimo ruolo in prima linea del jazz.
Per acquistare l'album su CdUniverse puoi visitare questo indirizzo.

Si può vedere un video di Anat Cohen, in Cry Me A River, Live al Jazz Standard

Push - Jacky Terrasson

La Concord Jazz sta per pubblicare il nuovo album del pianista Jacky Terrasson dal titolo Push. Nell'album il pianista è accompagnato dal suo nuovo trio che comprende il recente vincitore della prestigiosa Thelonious Monk Competition, Ben Williams al basso, Jamire Williams alla batteria e numerosi ospiti speciali come come l'armonicista Gregoire Maret, il sassofonista Jacques Schwarz-Bart, il chitarrista Matthew Stevens ed il percussionista Cyro Baptista.
Push, album di debutto di Terrasson con la Concord Jazz, presenta sette nuove composizioni di Terrasson, nonchè fresche riproposizioni di standard, tra cui due brani Monk ed una splendida versione della melodia senza tempo Body and Soul di Porter ed una improbabile versione di Beat It di Michael Jackson.
"E' sicuramente un punto di svolta per me", dice il nativo di Berlino, ma parigino di crescita e newyorkese di adozione Terrasson. "Sono con una nuova etichetta, ciò ha reso importante che facessi le cose in modo diverso. Volevo una sonorità diversa, e ho voluto esplorare quello che ho attraversato personalmente negli ultimi anni. Ci sono groove, battiti e vibrazioni differenti."
E come suggerisce il titolo dell'album, la musica è guidata da una inerente spinta in avanti. Terrasson, spiega, "Push significa far accadere le cose, spingersi verso nuove direzioni. Questo è ciò che l'album racconta."
Parte di questa spinta include il debutto vocale del pianista su due canzoni. "Io so di non essere un cantante," dice. "Ma l'ho sentito nella mia testa per anni, così ho pensato, perché no?" Lui ride e aggiunge: "Ho spinto per questo."
Per preordinare l'album sul sito CdUniverse, si può visitare questo indirizzo.

E' possibile vedere un video di Terrasson che, al piano solo, presenta una magica versione di Just a Gigolo

Christian Scott - Yesterday You Said Tomorrow

La Concord Jazz presenta l'attesissimo quarto album con l'etichetta del giovane e sensazionale trombettista Christian Scott dal titolo Yesterday You Said Tomorrow. L'album è stato registrato presso il rinomato Van Gelder Studio a Englewood Cliffs, New Jersey con la collaborazione del leggendario ingegnere Rudy Van Gelder. Van Gelder, che è conosciuto come uno dei più grandi tecnici di registrazione nella storia del jazz per il suo lavoro con John Coltrane, Miles Davis e Herbie Hancock, tra gli altri, dice a proposito del nuovo album, "Questa è una delle migliori cose che ho fatto da molto tempo a questa parte."
Yesterday You Said Tomorrow riprende un modo di dire che il nonno di Scott avrebbe utilizzato per sottolineare l'importanza di riconoscere il lavoro fatto a mano e di utilizzare la maggior parte del tempo a disposizione per completarlo. Coadiuvato dal chitarrista Matthew Stevens, dal pianista Milton Fletcher, Jr., dal bassista Kristopher Keith Funn e dal batterista Jamire Williams, Scott riesce a produrre un lavoro potente ed a volte viscerale, con uno scintillante lavoro della tromba, con un uso della sordina che spesso riecheggia Davis, ed una musica sorprendentemente originale.
Per acquistare l'album nel sito di CdUniverse, visitate questo indirizzo.

Per conoscere meglio Christian Scott ecco un video live della celebre Eye of the Hurricane, tratto da un concerto a Berlino dello scorso 18 febbraio.

Whirl nuovo album per il pianista Fred Hersch

Il prossimo 22 giugno, il pianista Fred Hersch pubblicherà il suo nuovo album dal titolo Whirl per l'etichetta Palmetto Records.
L'album presenterà il Fred Hersch Trio, con Jon Hébert al basso e Eric McPherson alla batteria e sarà composto da 10 pezzi di cui molti originali di Hersch ed alcune rivisitazioni di standards quali When Your Lover Has Gone e You're My Everything oltre a pezzi di Paul Motian e Jaki Byard.
Whirl è una registrazione molto attesa dai fans del pianista in quanto la prima dopo una fase di intensia terapia fisica ed il raggiungimento del pieno recupero dopo il coma ed i danni devastanti derivanti dall'Aids.

Regina Carter: Tiny Desk Concert

Sul sito della Npr, all'interno della serie Tiny Desk Concert è possibile ammirare un breve concerto della splendida Regina Carter.
Per l'occasione la violinista ha presentato in anticipo due pezzi del suo prossimo album, in uscita in Maggio, dal titolo Reverse Thread, una collezione di melodie africane reinterpretate dalla Carter.
Un gustoso preview dal quale è possibile pregustare un album molto interessante.
Per guardare il video concerto bisogna visitare questo indirizzo.

Aggiornamento:
E' ora anche possibile scaricare il video del concerto in formato Mp4 cliccando questo link.

I 70 anni di Herbie Hancock

Ieri Herbie Hancock ha festeggiato i suoi 70 anni. Per celebrare questo importante anniversario, il pianista ha concesso la possibilità, attraverso il suo sito ufficiale, di scaricare liberamente un brano dal suo ultimo album The Imagine Project, che sarà pubblicato il prossimo 21 giugno dalla etichetta Hancock Records/RED.
Il pianista festeggierà il suo compleanno il prossimo 24 giugno con una serata evento alla Carnegie Hall con l'attore Bill Cosby, il sassofonista Joe Lovano, il trombettista Terence Blanchard ed il sassofonista Wayne Shorter.
The Imagine Project è una album a carattere internazionale che vanta collaborazioni tra Herbie Hancock e più di un dozzina di superstar da ogni regione del pianeta. Utilizzando il linguaggio universale della musica per esprimere i suoi temi centrali di pace e di responsabilità globale, l'album combina la visione musicale di Hancock con le identità locali delle culture musicali provenienti da tutto il mondo.
Tra le tante collaborazioni troviamo Anoushka Shankar, Seal, Pink, Jeff Beck, Konono No. l, Lionel Louke, Ceu, Dave Matthews, Lisa Hannigan, Derek Trucks, Susan Tedeschi, Chaka Khan, Tinariwen, The Chieftains, Marcus Miller, Wayne Shorter, Oumou Sangare, Juanes.
"La musica è veramente un linguaggio universale", dice Hancock, "The Imagine Project cercherà di portare questo concetto in tutto il mondo, unendo una miriade di culture attraverso il canto e positive espressioni creative. La mia speranza è che la musica serva come una metafora per le azioni intraprese dagli abitanti di questo meraviglioso pianeta, come un invito per l'armonia del mondo a tutti i livelli".

L'album sarà accompagnato anche da un documentario di cui mostriamo un estratto:

Recensione di Highway River di Brad Mehldau

Highway River è lo splendido ultimo album di Brad Mehldau, un doppio Cd nel quale il pianista americano si avvale, oltre che del suo solito trio, con l'eccellente Jeff Ballard alla batteria ed alle percussioni, e Larry Granadier al basso, anche di ospiti eccellenti come il batterista Matt Chamberlain e soprattutto dell'eccezionale apporto di Joshua Redman al sax tenore e soprano e di una orchestra da camera diretta dal maestro Dan Coleman.
Il risultato di questa collaborazione è un sensazionale album di pezzi originali di Mehldau, che si conferma uno straordinario compositore in grado di realizzare composizioni accattivanti e con grandi qualità melodiche. Ma questa volta il plus dell'album è certamente il sax di Redman che riesce a dare agli strepitosi pezzi di Mehldau, una luce nuova e più brillante rendendo l'album molto più godibile rispetto a precedenti lavori del pianista, che ho trovato un pò pesanti ad un lungo ascolto. Invece questo Highway River scivola via velocemente grazie ad una serie impressionante di pezzi notevoli, con atmosfere fascinose e nostalgiche che rimandano alle più belle colonne sonore da film. Anche l'orchestra riesce spesso a dare un suo contributo, riuscendo ad impreziosire i gioielli sparsi nell'album, tranne in alcuni casi, in pezzi più evidentemente d'impronta classica, dove secondo me l'album si appesantisce un pò e perde di quella freschezza che è l'impronta che ne caratterizza l'andamento.
Non è un caso che i più bei pezzi dell'album sono quelli dove l'interplay tra il pianista ed il sassofonista è più accentuato. Tra i tanti pezzi degni di nota sparsi nell'album vorrei citare innanzitutto il meraviglioso Don't Be Sad, una delicata ballad dalle atmosfere rarefatte e malinconiche, interpretato degnamente dal tenore di Redman, un vero gioiello. Più brioso, ma altrettanto splendido The Falcon Will Fly Again, nel quale il magnifico sound del soprano di Redman e del piano di Mehldau, che qui rimanda a Jarrett, viene sostenuto in maniera poderosa dalle percussioni di un superlativo Jeff Ballard. Ed ancora Walking The Peak, con un lussureggiante arrangiamento per orchestra d'archi, il delizioso Capriccio, un vero capolavoro di scrittura, nel quale il brillante playing di Mehldau si intreccia ancora una volta in maniera sopraffina con il soprano di Redman che per l'occasione omaggia il sound di Steve Lacy. Quindi Old West, una intensa e malinconica composizione interpretata in maniera intimistica dal duo piano/soprano ed infine l'intricata Come With Me, una composizione con chiari echi shorteriani.
Un album veramente notevole che, a mio modo di vedere, merita gli elogi che si è conquistato da gran parte della critica e dal pubblico, che lo hanno reso il vero evento jazzistico di questo inizio di 2010.
Un grande album che consiglio vivamente di procurarsi.