Il vocalist Elling in sintonia con i maestri

Sul sito del quotidiano San Francisco Chronicle è stato pubblicato uno splendido articolo con intervista del grandissimo vocalist Kurt Elling, in occasione del concerto che terrà domenica prossima nella città californiana insieme alla Count Basie Orchestra, dove proporrà una rivisitazione della straordinaria musica nata dall'incontro negli anni '60 tra Frank Sinatra e la originale Basie Orchestra.
Ecco un estratto dell'intervista:
"That music is fully ingrained in my consciousness," says Elling, the Grammy-winning vocalist who counts Sinatra among the many musicians and poets who've fed his expansive art. "To sing these charts with the Basie band is a thrill of a lifetime, and that's not hyperbole or exaggeration. I've worked with a number of big bands, but there's nothing in life like the Basie band."
Sinatra was equally jazzed about merging his voice with the band's bracing sound. "I've waited 20 years for this moment," Sinatra said when he began recording the "Sinatra-Basie" album in 1962. It was the first of three collaborations with the minimalist piano master and his orchestra, which epitomized the relaxed propulsion of swing. Basie died in 1984, but the band continues under the leadership of trombonist Bill Hughes.
Elling, a literary-minded musician who was studying at the University Chicago Divinity School in the early '90s when he heard the siren call of jazz, will sing a number of tunes from the live 1966 Basie-Sinatra summit, "Sinatra at the Sands." He may do "Street of Dreams" or "You Make Me Feel So Young," "I've Got You Under My Skin" or perhaps "One for My Baby." SFJazz, which is producing the show, got the original charts from the Quincy Jones Archives in Los Angeles.
A largely self-taught singer with a rich, fluid baritone voice, Elling is equally adept interpreting ballads, scatting on standards and setting his original lyrics to improvised jazz solos, in the tradition of vocalese masters like Jon Hendricks. But unlike Hendricks - a prime inspiration, as is former San Francisco singer Mark Murphy - Elling draws on and refers to poets as diverse as Rumi, Rilke and Rexroth in his work.
"I've tried to educate myself in the world and what's beautiful and what has meaning and is lasting. Then I just follow my intuition and see how it fits," says Elling, who has created multidisciplinary works for Chicago's Steppenwolf Theatre.
He's on the phone from the Los Angeles recording studio where he and famed pop producer Don Was are working on Elling's new disc, "The Gate." Like his cinematic 2007 album, "Nightmoves," which encompassed everything from a bopping Betty Carter tune to Elling's musical setting of the Theodore Roethke poem "The Waking," the new record bridges a range of material and arrangements. The mix includes the Miles Davis-Bill Evans classic "Blue in Green" and King Crimson's "Matte Kudasai."
"We're trying to get a sound that is a signature event, in terms of the material and the way the arrangements play themselves out," says Elling, 42, who won this year's Grammy for best jazz vocal album for "Dedicated to You: Kurt Elling Sings Coltrane and Hartman." He aims for an album that "has a heft, a kind of ethos, not just a record with a bunch of tunes."
Elling loves the signature sound of those evergreen Basie-Sinatra records. Some records define a certain kind of music, "the way certain things in life sound," he says, and those albums do that.
"These were artistically mature men, emotionally and intellectually in their creative prime," Elling says. This music, he adds, expresses the experiences of men who are "broken-hearted but strong, bloodied but unbowed." As for Sinatra, "he sings with this incredible sense of swing, completely relaxed in every setting. He only chooses material he can get 100 percent behind."
A questo link è possibile leggere l'articolo integrale.

Ecco un video di Kurt Elling, che presenta una splendida versione di My Foolish Heart, registrata al Montreal Jazz Festival il 4 luglio 2007.

La musica improvvisata non è uguale al jazz

Sul sito The News Record è apparso un interessante articolo che cerca di spiegare il rapporto tra improvvisazione e jazz. Ecco un estratto dell'articolo.
Despite my indifference for Wynton Marsalis’ music, I have to say I subscribe to a mindset attributed to the famed trumpeter: jazz is free-form music. I can hear jazz in everything, but everything is not jazz.
Marsalis, and myself consequently, can be considered as barriers to the growth and exploratory nature of jazz.
But still.
Just because there are electric guitars in a song doesn’t make it rock and roll. Violins don’t make something classical (Dave Matthews Band is not classical, classy or good.).
Similarly, just because there is improvisation in something, it isn’t jazz. I cringe every time I hear the saxophone in “Careless Whisper,” which makes me want to crash my car into a black hole while lighting myself on fire. Hopefully the afterlife has nothing to do with synthesizers, either. Then, if there is such a thing as an afterlife, I hope I can meet Adolphe Sax and tell him all the havoc his invention has caused.
Then have a cocktail with Dex.
Music changes; that’s just the nature, I suppose. I have to even be happy that jazz exists and how the blues birthed it. However, I really can’t deal with some of the stuff being labeled as jazz nowadays.
Jazz changes, I can deal with that. I can cope with avant-garde styles and seemingly random phrases and dissonance. I’ve had a moment of clarity while listening to Albert Ayler tunes.
For instance, listen to a song like “Giant Steps” by John Coltrane. Then, listen to “Spiritual.” Then listen to “Ascension.” It’s the same guy, but you can hear an evolution in the way he plays. “Ascension” can sound like noise, I admit, but that’s just how it turned out. That was Trane’s expression, which is beautiful.
Pharaoh Sanders is virtuosic, too, in the song. It’ll take me a while to fully understand what’s being said — if it’s anything at all — but I’m confident I’ll be able to someday.
On the other hand, even if something sounds good, it isn’t necessarily jazz. The Jazz Messengers played jazz. You can hear some bluesy parts of songs, but there’s nothing holier than Art Blakey, Wayne Shorter, Lee Morgan, Bobby Timmons and the bass lines of Jymie Merritt.
It doesn’t get better than that. Really.
Forget all the fog machines and playing to sold-out crowds in auditoriums and huge venues. Jazz is meant to be played in an intimate place for an intimate experience, even if it reminds of you going on a bender and sinning in bulk.
Think about it. I’ll leave with a quote, not even mine, but one of the great Duke Ellington.
“By and large, jazz has always been like the kind of a man you wouldn’t want your daughter to associate with.”

Per leggere l'articolo integrale visita questo indirizzo.

Al Di Meola al Blue Note di Milano

Notizia tratta dall'edizione milanese del sito del Corriere della Sera:

Dall'Argentina alla Spagna passando per il Marocco e, naturalmente, l'Italia. È un giro del mondo sulle sei corde quello che Al Di Meola regala con i suoi concerti. Un viaggio che da mercoledì 26 a venerdì 28 maggio si ripeterà due volte per sera al Blue Note. Un rapporto particolare lega il musicista italoamericano a Milano. Al Di Meola torna spesso a suonare in città e uno dei due dischi della serie «World Sinfonia», uscito nel 2008, si intitola proprio «La Melodia: live in Milano». Sul palco l'artista sarà accompagnato da Fausto Beccalossi alla fisarmonica, Peo Alfonsi alla chitarra, Gumbi Ortiz alle percussioni, Peter Kaszas alla batteria e Victor Miranda al basso.
In una performance che mette in luce l'anima più acustica di Al Di Meola. Fatta eccezione per un ritorno di fiamma di quattro anni fa, immortalato dal dvd del concerto di Leverkusen, il chitarrista imbraccia sempre meno la chitarra elettrica. Una scelta obbligata anche dai disturbi all'udito causati da anni di volumi troppo alti. Dei suoi 55 anni, infatti, Di Meola ne ha trascorsi più di 30 sul palco e in sala di registrazione. Nel 1974, non ancora ventenne, si è unito a Chick Corea nella band dei Return to Forever. In breve tempo si è fatto strada a suon di assoli velocissimi e di una tecnica innovativa. Caratteristiche racchiuse già nel suo primo album solista, «Land of the Midnight Sun», datato 1976.
Tante le collaborazioni prestigiose nel corso della sua carriera: dall'esperienza con Paco De Lucia fino a quella tutta italiana con Pino Daniele. Album dopo album il nome di Al Di Meola è diventato sinonimo di «fusion». Per avere un'idea del suo stile basta ascoltare il suo secondo lavoro, «Elegant Gypsy», in cui le sperimentazioni jazz incontrano le influenze latine. Il risultato è uno stile che per ben 14 volte gli vale il titolo di «miglior chitarrista» assegnato dalla rivista Guitar Magazine.

Ecco un video di Di Meola live a Burghausen (Germania) il 19 marzo 2009

Le polifonie vitali di Charles Mingus

Il sito Il Recensore.com ha pubblicato una bella recensione del libro di Stefano Zenni, Charles Mingus. Polifonie dell’universo musicale afroamericano, pubblicato da Stampa Alternativa nel 2007.
Ecco un estratto dell'articolo:
Il libro è incentrato principalmente sull’opera del grande compositore e contrabbassista jazz soffermandosi anche sulla sua vita e su un periodo storico americano difficile ma pieno di fermento culturale.
Stefano Zenni analizza i brani storici di Charles Mingus seguendo un filo concettuale più che cronologico addentrandosi nei meandri della sua musica e spiegando ogni singolo dettaglio con la precisione di un giornalista e la passione di un fan.
“Charles Mingus” è un’opera fondamentale sia perché per la prima volta in Italia viene analizzata l’opera mingusiana alla luce di un quadro culturale e antropologico americano ma soprattutto perché è un libro che appassiona e incuriosisce il lettore nonostante le diverse ostilità e parti tecniche che si incontrano durante il percorso di lettura. Ma la difficoltà di comprensione di alcuni passaggi oggettivamente difficili non deve scoraggiare il lettore che, sicuramente, rimarrà estasiato dalla bravura di Zenni nell’affrontare un autore raffinato ma complesso e dalla grandezza di un personaggio che ci ha lasciato alcune pietre miliari come “The Black Saint and the Sinner Lady” e che ha anticipato diverse tendenze grazie alla sua intelligenza musicale e ad un’energia creativa mai esaurita nel corso della sua carriera.
Il saggio di Stefano Zenni, quindi, non è una biografia patinata ma un punto di riflessione, un’opera didattica che strizza l’occhio al musicista e ai fan di Mingus ma che non trascura affatto i neofiti ponendo, infatti, a corollario del testo una bibliografia introduttiva all’artista, una bibliografia, una discografia selezionata e una videografia.
La collana “New Jazz People” della casa editrice Stampa Alternativa riesce ancora una volta ad offrire un saggio importante che supera sicuramente le aspettative del lettore introducendolo in un universo sospeso tra composizione e scrittura, musica contemporanea e jazz, dove la musica si fa portatrice di valori sociali condivisibili che lega al suo percorso comunicativo.
Qui si può ascoltare una intervista all'autore del libro.

Renzi, D’Amato, De Federicis: domenica 30 maggio tre abruzzesi suoneranno alla Carnegie Hall di New York

Notizia tratta dal sito www.lopinionista.it
Domenica prossima, 30 maggio, presso la prestigiosa Carnegie Hall di New York, saranno presentati in concerto tre musicisti abruzzesi, ben noti per la loro attività concertistica a livello internazionale, Marco Renzi (compositore, arrangiatore, direttore d’orchestra), Bepi D’Amato (clarinetto) e Mauro De Federicis (chitarra).
Marco Renzi è il fondatore e direttore stabile della Italian Big Band, della quale Bepi D’Amato e Mauro De Federicis sono sempre stati i solisti principali. Marco Renzi e Bepi D’Amato (quest’ultimo considerato uno dei più grandi clarinettisti di Jazz viventi da alcuni musicisti di fama internazionale come Buddy De Franco, Jon Faddis, Dee Dee Bridgewater, Gary Smulyan), negli ultimi anni hanno portato nel mondo le più belle melodie italiane di ogni tempo, arrangiate da Renzi in stile americano per l’organico della big band.
I due musicisti hanno performato numerosi concerti (Renzi come direttore, D’Amato come solista) in Germania, Emirati Arabi Uniti, Romania, Grecia, Brasile, Taiwan, Stati Uniti, spesso con ospiti del calibro di Dee Dee Bridgewater o Jon Faddis, e tenuto masterclasses in varie università statali e private in Germania (University of Mannheim) e Stati Uniti: De Paul University e Columbia College a Chicago, Western Illinois University a Macomb, IL, Georgia State University ad Atlanta, University of Colorado a Boulder, University of Utah a Salt Lake City etc.
Proprio con la Western Illinois University Orchestra, Marco Renzi e Bepi D’Amato si esibiranno domenica prossima 30 Maggio 2010 a New York, in una delle sale da concerto più importanti ed ambite (dai musicisti!) del mondo, accompagnati per la grande occasione anche da Mauro De Federicis, chitarrista di grande esperienza internazionale (solista con la Italian Big Band sin dalla sua fondazione nel 1993), ben noto per la sua grande sensibilità e versatilità, che gli consentono di spaziare dal Jazz alla musica leggera, dal pop al tango in tutta facilità.
Significativa per De Federicis la sua collaborazione, negli ultimi anni, con Milva, con la quale ha lavorato nei più importanti teatri del mondo. Come è noto, pochi grandissimi musicisti classici italiani hanno avuto il privilegio di dirigere o suonare alla Carnegie Hall, ma nessun musicista italiano era ancora riuscito a dire (suonare) la sua in Jazz nella mitica sala da concerti di New York; ebbene, i primi italiani a suonare Jazz alla Carnegie Hall saranno Marco Renzi, Bepi D’Amato e Mauro De Federicis, naturalmente con l’approvazione del Direttore Artistico (del settore Jazz), un certo signor Wynton Marsalis.

Una brillante improvvisazione per tre decenni in divenire

Una notevole recensione del meraviglioso album Jasmine del duo Jarrett / Haden è stata pubblicata sul sito del The Globe and Mail
Two old friends get together one night. Long ago they had worked together, first in a trio, then a quartet, but they hadn’t made music together in over three decades. Still, the guest has his bass, and the host a home studio with a funky old Steinway, so they decide to play a few numbers and see what happened.
Jasmine is the result, an album pianist Keith Jarrett describes in the liner notes as having taken three days to record, and three years to sort out. And man oh man, was it worth the effort.
Even though it didn’t start out as a social get-together – Jarrett was being interviewed for Reto Caduff’s 2009 documentary on bassist Charlie Haden (Charlie Haden: Rambling Boy) – it quickly became not just convivial but, as the best of these performances attest, an act of communion that brought out the best in two very different musical minds. Between his bright, luminous tone and effortless facility, Jarrett’s playing seems almost to sparkle, a quality that lends a lightness and felicity to his improvisations no matter how melancholy the tune. Haden’s bass, by contrast, has a dark, woody timbre that underscores the spare, deliberate character of his line.
What they have in common is an almost innate lyricism, and that’s a dominant feature of Jasmine. Also in the liner notes, Jarrett describes the jasmine as “a night-blooming flower with a beautiful fragrance,” and offers that as a model of what he and Haden tried to evoke with the eight love songs assembled here. Although some, such as Body and Soul or For All We Know, will be familiar to most jazz fans, many feel like fresh discoveries.
But that’s less a matter of forgetting the originals than being wowed by how completely Jarrett and Haden have inserted themselves into the fabric of melody. Take, for instance, One Day I’ll Fly Away, a lovelorn ballad originally recorded by Randy Crawford (and later covered by Nicole Kidman in Moulin Rouge). As the harmonies undulate from major to minor, Haden and Jarrett gradually work their way into the chord structure, developing secondary lines that so perfectly capture the sweetness of the vocal line it’s easy to forget that what they’re playing is improvised.
Even when their approach is more straight-ahead, as on Body and Soul, the playing is so vibrantly original that it’s almost a disservice to think of the songs as standards. Think instead of them as special, and hope that we don’t have to wait another 30 years for the next convergence of this wonderful duo.

George Benson

Il noto giornalista musicale Ernesto Assante ha pubblicato sul suo blog Media-Trek un bel post dedicato al chitarrista George Benson:
C’è una bellissima definizione di George Benson, coniata da Ken Burns, uno dei grandi storici del jazz americano: “Se nel jazz esiste qualcuno che ha fatto quello che hanno fatto i Beatles nel pop, questo è George Benson”. E Burns ha sicuramente ragione, perché George Benson, da Pittsburg, Pensylvania, non è soltanto uno dei più grandi chitarristi della storia del jazz, ma un musicista fondamentale nel divulgare il linguaggio della musica afroamericana, fondendolo con classe e maestria inarrivabili, con il pop, il rock e la grande canzone, creando un inconfondibile “Benson Style”, che in molti hanno cercato di imitare. E’ sbagliato, come fanno in molti, definire lo stile di Benson “smooth jazz”, jazz morbido e vellutato, perché l’aggettivo tende a sminuirne l’efficacia e la forza, che invece nella musica del chitarrista americano sono determinanti.
L’esordio di Benson è tutto nel jazz, nel 1964 con Lonnie Liston Smith e Ronnie Cuber, ma già tre anni dopo, nel 1967, il chitarrista è convocato alla corte di Miles Davis:«E’ stata una scuola fondamentale, esperienza indimenticabile e formativa. Suonare con Miles è come andare all’università…», dice ridendo. Di certo Benson si “laurea” e da Davis apprende soprattutto la lezione della libertà espressiva, «la capacità di pensare alla musica e non ai generi, di muoversi liberamente all’interno di strutture sonore differenti», dice ancora, «una lezione che non ho mai dimenticato».
Benson non è un chitarrista di genere, dunque, e lo ha dimostrato in ogni parte della sua carriera, negli anni Sessanta quando prese l’intero “Abbey Road” dei Beatles e lo rilesse alla sua maniera in “The other side of Abbey Road”, solo tre settimane dopo l’uscita del disco originale, o quando, sempre nel 1969, decise di interpretare addirittura “White Rabbitt” dei Jefferson Airplane. Ma ancor più quando nel 1976 pubblicò “Breezin’”, il disco che segnò l’evoluzione definitiva del “Benson style”, stabilendo un punto di svolta essenziale per tutta la musica afroamericana.
«Quel disco è stato per me come un’illuminazione», ricorda Benson, «ho capito che quello che mi interessava era comunicare. Questo è lo scopo finale, la sfida, comunicare qualcosa, far passare sentimenti e sensazioni, ogni sera, davanti a un pubblico. E’ questo che mi tiene vivo, che non mi fa annoiare mai, che mi porta a suonare ancora oggi con lo stesso entusiasmo di venti, trenta o quaranta anni fa. Il desiderio di comunicare mi mantiene vivo e mi fa scoprire cose nuove».
Successi Benson ne ha avuti moltissimi, variando lo schema di base infinite volte, scalando le classifiche con brani come “Turn your love around” o “Gimme the night”, o scrivendo un brano, “The greatest love of all”, portato poi al successo dalla «più brava cantante del mondo», come lui stesso la definisce, Withney Houston, o ancora, come è accaduto recentemente, realizzando un album di meravigliosa classe con Al Jarreau. «Qual è il mio segreto? Amare la musica, avere una magnifica famiglia, non essere invidioso. Credo che questo mi abbia permesso di passare attraverso alti e bassi, e di poter suonare sempre quello che voglio».

Ecco un video di una bellissima versione di Take Five di Brubeck, registrata al Montreaux Jazz Festival del 1986.

Ancora su Hank Jones

I più importanti giornali americano hanno dato ampio risalto alla notizia della scomparsa di Hank Jones.

Il sito del New York Times ha pubblicato un bel necrologio del pianista.
Ecco un estratto:
Hank Jones, whose self-effacing nature belied his stature as one of the most respected jazz pianists of the postwar era, died on Sunday in the Bronx. He was 91.
His death, at Calvary Hospital Hospice, was announced by his longtime manager, Jean-Pierre Leduc. Mr. Jones lived on the Upper West Side of Manhattan and also had a home in Hartwick, N.Y.
Mr. Jones spent much of his career in the background. For three and a half decades he was primarily a sideman, most notably with Ella Fitzgerald; for much of that time he also worked as a studio musician on radio and television.
His fellow musicians admired his imagination, his versatility and his distinctive style, which blended the urbanity and rhythmic drive of the Harlem stride pianists, the dexterity of Art Tatum and the harmonic daring of bebop. (The pianist, composer and conductor André Previn once called Mr. Jones his favorite pianist, “regardless of idiom.”)
But unlike his younger brothers Thad, who played trumpet with Count Basie and was later a co-leader of a celebrated big band, and Elvin, an influential drummer who formed a successful combo after six years with John Coltrane’s innovative quartet, Hank Jones seemed content for many years to keep a low profile.
That started changing around the time he turned 60. Riding a wave of renewed interest in jazz piano that also transformed his close friend and occasional duet partner Tommy Flanagan from a perpetual sideman to a popular nightclub headliner, Mr. Jones began working and recording regularly under his own name.
Reviewing a nightclub appearance in 1989, Peter Watrous of The New York Times praised Mr. Jones as “an extraordinary musician” whose playing “resonates with jazz history” and who “embodies the idea of grace under pressure, where assurance and relaxation mask nearly impossible improvisations.”
Mr. Jones further enhanced his reputation in the 1990s with a striking series of recordings that placed his piano in a range of contexts — including an album with a string quartet, a collaboration with a group of West African musicians and a duet recital with the bassist Charlie Haden devoted to spirituals and hymns...
A questo indirizzo di può leggere il resto dell'articolo.

Anche il sito del Los Angeles Times ha pubblicato un articolo in memoria del pianista.
Praised for the feather-soft precision of his touch, Jones was equally adept at unleashing the piano's full, orchestral gamut of sounds. Rhythmic lift and propulsive swing were inherent to his playing, whether performing as an accompanist or in a solo setting. And his deep understanding of harmony was the foundation for a skilled mastery of the diverse material in the Great American Songbook.
"His style is as profound and defined as any of the major masters," jazz pianist Bill Charlap told the Detroit Free Press in 2006. "It's equal to Teddy Wilson, equal to Bill Evans, equal to Thelonious Monk, equal to Tommy Flanagan. It's as much a unique musical utterance and just as balanced in terms of intellectualism and feeling. With Hank Jones you hear the past, present and the future of jazz piano."
Jones' own evaluation of his playing was far more modest. Invited to become a member of alto saxophonist Charlie "Bird" Parker's group in the '40s and trumpeter Miles Davis' band in the '50s, he declined the offers.
"Both times I said, 'I'm not good enough to do that,' " Jones recalled in 2006. "Isn't that something? I probably missed the chance of a lifetime."
Nevertheless, he played and recorded with Parker and Davis, as well as other leading jazz artists including Artie Shaw, Benny Goodman, Billy Eckstine, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Lester Young, Milt Jackson, Julian "Cannonball" Adderley, Roy Eldridge, Coleman Hawkins and numerous others.
Emerging on the jazz scene during the Swing Era years of the 1930s, Jones was soon engulfed in the new wave of bebop arriving in the '40s. As new stylistic patterns arrived, decade after decade, he continued to find a way to transform his own playing, without losing his creative essence as a jazz artist. In more recent years, he partnered with younger players — saxophonist Joe Lovano, bassist Charlie Haden and pianist Brad Mehldau among them. But his self-effacing view of his own skills never changed.
In a conversation with Lovano for DownBeat magazine in 2005, he discussed his desire to reach the musical "stream of consciousness" achieved by players such as saxophonists Young and Hawkins. "It's not the easiest thing in the world," Jones said. "I'm still trying to get there myself. Just give me a little more time. Maybe another 100 years."
As recently as 2008, Los Angeles jazz audiences heard Jones in a pair of Southland performances — in a trio concert at UCLA and a 90th birthday celebration at the Hollywood Bowl — clearly illustrating that he had long ago ascended to the lofty level he described.
The extraordinary accomplishments of Jones and two younger brothers established them as one of the jazz world's most honored musical families. Thad Jones, five years younger, was a trumpeter, bandleader and highly regarded arranger/composer. Elvin Jones, nine years younger, was an innovative drummer best known for his ground-breaking work with John Coltrane. Both died earlier — Thad in 1986; Elvin in 2004; "I just wish they could have lived longer," said Jones, "because they both still had so much to say."
Despite the high level of fraternal talent and familial closeness, however, the three rarely performed or recorded together...
Il resto dell'articolo è leggibile qui.

Nikki Yanofsky conquista New York

Il sito del New York Magazine ha pubblicato recentemente un articolo sulla nuova, giovanissima e sensazionale cantante canadese Nikki Yanofsky, una ragazzina sedicenne che ha conquistato i difficili critici newyorkesi grazie ad una strepitosa recente performance al Dizzy's Club Coca-Cola al Lincoln Center.
Il suo primo album in studio, intitolato Nikki, pubblicato dalla Decca Records, ha già scalato tutte le più importanti classifiche discografiche americane e canadesi e per lei già si sprecano i paragoni illustri; in particolare grazie al suo modo di cantare in scat mostra profonde affinità con la leggendaria Ella Fitzgerald.
Prodotto da Phil Ramone l'album presenta nuovi arrangiamenti di classiche canzoni jazz ed alcuni pezzi originali della Yanofsky.
As soon as Nikki Yanofsky sits down at the table in Dizzy’s Club Coca-Cola, Jazz at Lincoln Center’s imperial spot overlooking Central Park, she takes the menu, says she’s starving, warns that she doesn’t have good table manners (“You’ll see: I can make crumbs out of apples”), announces that she’ll want dessert, and otherwise yaks away. “I know, I talk very fast,” she declares. “I call it ‘Nikkanese.’ That’s how I do my scatting.”
Scatting—singing nonsense syllables to jazz music—doesn’t usually appear in the lexicon of a girl who just turned 16. But Yanofsky sounds less like a teenager than like, well, Ella Fitzgerald. That’s no exaggeration. Listen to Yanofsky’s rendition of Fitzgerald’s famous scat “Airmail Special” (when it was recorded for a 2007 Verve Records tribute album, Yanofsky became the youngest artist ever to appear on the label) or to her first full-length album, Ella … Of Thee I Swing: The tracks sound as if they were recorded by an artist 30 years older—60 years ago.
Anyone watching the opening ceremonies of the Vancouver Olympics got a sense of this when Yanofsky belted out a jazzed-up version of “O Canada.” That was the only time since she began performing in 2006, she claims, that she has ever really been nervous. “I was shaking,” she says. “I said to the guys who were with me, ‘In five seconds, the whole world will know who I am.’ Afterward, I cried for twenty minutes, I was so overwhelmed. My whole life changed.” Now she is preparing for her Stateside launch. Yanofsky’s first U.S. album—Nikki, a mix of standards like “I Got Rhythm,” as well as new numbers she co-wrote—will be launched here at Dizzy’s on May 4. It will be followed, in June, by a PBS special called Nikki Yanofsky: Live in Montreal, her hometown.
A perky, astonishingly talented Quebecois import with a voice like a velvet clarion: We have been here before. Like Céline Dion, Yanofsky can belt, croon, and purr, flawlessly. But there is something immediately disarming, almost puppyish, about Yanofsky, even as her musical taste is more sophisticated (or less Vegas) than Dion’s. In any case, she steers away from any direct comparisons. “I don’t know her,” Yanofsky says of Dion, “but we have met, and she’s the nicest girl.”
Although Yanofsky’s father plays the piano and has a band, and her mother calls herself a “closet singer,” they owned just one jazz record, Ella and Louis, the 1956 album pairing Fitzgerald and Armstrong, as Yanofsky was growing up. Yanofsky picked up jazz at 11, when one Friday her vocal coach gave her a recording of “Airmail Special” to try. By Monday, she’d not only nailed it but also found her musical métier. She quickly became a phenom in Canada, and has attracted fans like Tony Bennett and Marvin Hamlisch. It was Hamlisch, the legendary composer-conductor-pianist, who, in 2008, brought her to U.S. stages. She sang at Carnegie Hall on her 14th birthday. (The audience sang “Happy Birthday” back. “That was a good birthday present,” she says.)
Over the last two years, Yanofsky (accompanied by her parents) has kept up a heavy tour schedule—Japan, South Korea, Turkey—all while trying to stay on top of school from afar. “I’m in grade ten at St. George’s School, and I go when I’m not on tour,” she says, which is about once a week. So far she hasn’t needed a tutor and has been able to maintain an 86 average. “My parents don’t push me; it’s because I want it so badly,” Yanofsky explains. “Music makes me feel so much, music makes me feel so good.”
Soon after the waiter clears her onion soup and macaroni and cheese, she’s bopping to the brassy sounds of the Manhattan School of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra. Dressed in a black net top over a gray tee and white jeans, Yanofsky alternately claps, plays the table like a drum, and sits up straight to watch, occasionally twirling her curly brown hair. When the bandleader calls for audience participation, her voice rings out clearly.
Yanofsky’s new album contains strains of R&B, soul, and rock, as well as some surprise vocalese: Her version of “Take the A Train” includes a bit Yanofsky wrote about the theater and shopping, her other favorite activity (since arriving in town this morning, she’s already bought two headbands, a T-shirt, and a fancier top on a whirlwind trip through Soho). She is quick to point out that she’s not a jazz evangelist—“I’m not a jazz singer, I’m just a singer”—but when the 89-year-old Candido Camero unexpectedly joins the stage at Dizzy’s, Yanofsky is beside herself. Camero introduced the conga drum to jazz and played with Dizzy Gillespie himself. He’s now slowed by arthritis, but when his bandaged fingers start to hit the congas, his face breaks into a smile of delight.
Yanofsky pulls out her BlackBerry to take Camero’s picture. Moments later, she leans over, points to her phone, and says, “I’m letting my friends listen. They love it.”
It’s 9 p.m., and the crowd for the 9:30 set is waiting to get in. Yanofsky has one more thing in mind. Hurrying across the room, she introduces herself to the band’s drummer, Jake Goldbas, and they exchange contact information with a promise to talk about collaborating. She is only in New York for three days, and isn’t wasting any time.
Per conoscere meglio la giovane cantante potete visitare il suo sito ufficiale all'indirizzo www.nikkionline.ca

Ecco il video di Nikki Yanofsky che canta l'inno delle scorse Olimpiadi di Vancouver, intitolato I Believe

Intervista a Bobby McFerrin

Il sito del quotidiano Il Giornale ha pubblicato un bel articolo dedicato a Bobby McFerrin, in occasione del concerto tenuto ieri sera a Milano, prima tappa della breve tourneè italiana del vocalist, che toccherà nei prossimi giorni Roma (il 20/5), Bologna (il 22/5) e Torino (il 23/5).
Ecco un estratto dell'articolo:
«La mia è un’anima jazz, ma sono nato con la classica. Mio padre è stato il primo afroamericano ad avere ruoli importanti al Metropolitan di New York; ho studiato clarinetto, flauto, pianoforte prima di capire che il canto è arte senza frontiere».
Comunque non è facile passare dal jazz alla classica.
«Vivo d’improvvisazione quindi il jazz è il mio pane quotidiano. La classica è prevedibile, sali sul podio e sai già ciò che succede, anche per questo sfido orchestra e pubblico, incitando tutti a partecipare, col corpo e con la voce».
I puristi non saranno felici di ciò, e neppure della bacchetta che lei s’infila tra le trecce.
«Quello è un gioco, per fortuna ho i capelli lunghi! Se non si scuote, la classica rimane chiusa in una torre d’avorio. Io prendo brani che mischiano nobiltà e tradizione popolare come la Pavane di Fauré o il Bolero di Ravel. Non sono né il primo né l’unico ad abbattere gli schemi, faccio Somewhere di Bernstein che nasconde un tema tratto dal Concerto per piano e orchestra n.5 di Beethoven, opera nota come L’imperatore. Comunque dopo questo tour non dirigerò più, torno alla mia musica».
C’è il nuovo cd.
«Ci ho lavorato otto anni, è il disco più strano che abbia mai fatto. Per la prima volta ho messo a disposizione di un compositore, Roger Treece, tutto il mio materiale inedito e lui ha trasformato le cose più interessanti in partiture. Così ora sono brani miei e allo stesso tempo non miei, vecchi e nuovi. È un omaggio alla musica totale, alla musica libera».
Lei fa cose sempre più complesse ma il suo più grande hit è «Don’t Worry Be Happy».
«Quel brano mi ha dato la grande popolarità e la possibilità di dedicarmi alla sperimentazione. È nato per caso in pochi minuti; un giorno camminavo per le strade di New York fischiettando ed è nata la melodia, poi siccome sono ottimista è arrivato il testo».
Lei ha cantato con tante star: con chi s’è trovato meglio?
«Con Chick Corea ci capiamo al volo, ricordo grandi sfide con la voce di Al Jarreau, mi piace la fantasia di Laurie Anderson. Ma chi mi ha più influenzato è Keith Jarrett; non ci siamo mai esibiti insieme, ma il suo pianoforte ha cambiato la mia vita».
E ora ha nuovi progetti?
«Una nuova sfida, voglio organizzare un duetto con Eric Clapton. Il blues non fa parte delle mie radici e quindi provo ad affrontarlo».
L'articolo integrale è qui.

Intervista a Rita Marcotulli

Il sito www.womenews.net pubblica una intervista alla pianista e compositrice Rita Marcotulli, l'intervista è stata fatta a Catania lo scorso 13 maggio dove la pianista ha presentato il suo ultimo progetto The woman next door - Omaggio a Truffaut.
Ecco un estratto dell'intervista:
Rita, dal 1999 porti in giro per l’Europa questa turnèe intitolata "The Woman next door - Omaggio a Truffaut" che è anche il titolo del tuo lavoro discografico del 1998 appena ristampato, le tue note incontrano le immagini di uno tra i più raffinati rappresentanti del cinema mondiale, grazie anche alla collaborazione della regista Maria Teresa de Vito. Come è nata l’idea di realizzare questo progetto?
The Woman next Door è il primo disco che ho inciso nel ‘98 per l’Harmonia Mundi e nasce dall’amore che porto per il cinema di Truffaut, rimasi molto colpita quando per la prima volta vidi un suo film, era : Il ragazzo selvaggio, mi incuriosìi così tanto che in seguito non ho resistito alla voglia di vedere tutti gli altri. In modo particolare mi colpì la prima parte della sua produzione, quella con Antoine Doinel, personaggio che ricorre spesso in diversi suoi film. Ovviamente non ho tentato una sonorizzazione dei suoi lavori in quanto sarebbe risultato banale e indelicato nei riguardi dei grandissimi musicisti di cui Truffaut si avvaleva, ho solo preso spunto ispirandomi a certe immagini. Faccio un esempio per tutti: la scena in cui Antoine Doinel in Baci Rubati ripete incessantemente allo specchio : Antoine Doinel- Christine Darbon- Fabienne Tabard, quello era assolutamente ritmo. In concerto mi è venuto in mente di utilizzare quella fase del film intervallata da un vero e proprio codice Morse con aggiunta di note
A quale personaggio dei film di Truffaut ti sei sentita emotivamente più legata?
Non saprei scegliere, in modo diverso mi sento legata un po’ a tutti i suoi lavori, perché tutti contengono in modi e in tempi diversi i temi che mi sono cari: l’amore, la fuga, la musica, l’infanzia, la malinconia e la poesia, Truffaut sa come toccare certe corde, un po’ come noi musicisti sul palco.
Rita, un’artista di caratura internazionale per esigenze di lavoro si trova molto spesso in turnèe in posti molto distanti, volevo sapere com’è che riesci a coniugare la tua vita di artista a tutto tondo con quello di mamma dall’arrivo di tua figlia Elettra in poi?
Elettra è stata la più bella musica che io abbia mai scritto e suonato. All’inizio è stata davvero dura lasciarla per le mie turnèe, ma ho avuto anche la fortuna di avere un marito meraviglioso accanto a me, anche lui è un musicista oltre che produttore (Pasquale Minieri), così abbiamo deciso di costruirci uno studio di registrazione a casa nostra, in modo che lui potesse stare più vicino a nostra figlia lavorando a casa e io di conseguenza potessi continuare a lavorare. Adesso ha dieci anni, viene spesso ai concerti,ama la musica, studia batteria e fa danza. Sono sicura che in certi frangenti avrà sofferto molto la mia mancanza, ma credo che avrà capito senz’altro il motivo delle mie partenze. Oggi è molto contenta e molto orgogliosa della mamma.
I tuoi studi musicali iniziali appartengono all’ambito della musica classica. Quando è che ti sei accorta che esisteva un’altra via da percorrere e a quale artista devi tutto questo?
Diciamo che gli artisti di riferimento sono davvero tanti, però devo anche dire che il mio è stato un lento e progressivo avvicinamento alla musica improvvisata. Cominciai a suonare il pianoforte che avevo cinque anni, poi andai al conservatorio, ma scoprii presto che non mi piaceva molto leggere la musica, col pianoforte ci giocavo, ci tengo sempre a dire che l’arte è un gioco nel senso che si crea partendo da zero o da pochi elementi, è tutto un progressivo divenire un po’come i bambini nel loro approccio al giocare, li vediamo attenti e divertiti nel farlo, io altrettanto, non ho perso quell’istinto, e per me la musica è rimasta un divertimento e non un lavoro.
Tra le tue varie attività ed impegni oggi insegni Composizione presso il Conservatorio di Santa Cecilia a Roma, proprio da dove sei partita anni fa. Che insegnante è Rita Marcotulli?
Devo dire che mi piace molto insegnare, al Santa Cecilia quest’anno ho tenuto dei corsi di Pianoforte, gli altri anni ho insegnato musica di insieme. L’improvvisazione è una sorta di composizione istantanea, il modo di improvvisare è comporre istantaneamente, quindi è chiaro che dentro ci sono tutti gli ingredienti del compositore: l’armonia, la melodia, lo sviluppo di come si improvvisa su certi accordi o su certe armonie, è un esperienza molto bella e molto interessante. Ci sono tantissimi pianisti nei miei corsi, anche donne e anche molto brave e questo mi fa molto piacere, finalmente un po’ di donne che suonano.
30 anni di carriera trascorsi sui palcoscenici più importanti d’Italia, d’europa e del mondo: dopo tanto girare “senza posa e senza requie” esistono altre frontiere da conquistare seduta al tuo pianoforte?
Assolutamente sì. Se uno pensa di essere arrivato vuol dire che molto probabilmente sta già percorrendo il suo personale viale del tramonto. Io ad esempio continuo a suonare e continuo a comporre, questo è un momento di attività intensa e quindi non ho avuto molto tempo da dedicare allo studio. In ogni caso sento sempre l’esigenza di dover andare avanti e di dover continuare a studiare e comporre, altrimenti mi sento finita....
L'intervista integrale è a questo indirizzo.

Marcus Miller in tour rivisita Tutu

Il celebre album di Miles Davis Tutu, pubblicato nel 1986, che prende il nome dall'Arcivescovo sudafricano Desmond Tutu, fu un punto di svolta nella carriera del trombettista. Il materiale riccamente arrangiato di questo album e del suo seguito Amandla servirono a ridefinire il sound di Davis per l'atto finale di una lunga carriera di crescita e di trasformazione. Prodotto dal bassista Marcus Miller, che era stato un membro della band di Miles quando questi venne fuori dal ritiro degli anni '80, Tutu fu ampiamente riconosciuto come uno dei grandi dischi jazz contemporanei degli anni '80 con un suono potente e una musica che sfida le categorizzazioni.
Lo stesso Miller sta per avviare un tour con il quale rivisiterà la musica di questo strardinario album. Il tour toccherà anche l'Italia nel mese di luglio, con tre tappe rispettivamente a Perugia (per Umbria Jazz) l'11, a Fano il 25 ed a Teano il 27. Miller sarà accompagnato da una formazione composta da Christian Scott - tromba, Alex Han - sassofono, Federico Gonzalez Pena - tastiere e Louis Cato - batteria.
Il sito della rivista JazzTimes ha recentemente pubblicato una bella intervista al grande bassista.
Ecco un estratto dell'intervista:
On Tutu, I hear your sound as much as I hear Miles, but the record was a collaboration and it involved lots of other people. Can you separate out what you did or is that impossible?
I can actually hear my thing because I really had started to come into my own, composition-wise especially. I remember Miles telling me, “Hey, you’re in that period, recognize it and write as much as you can, because they come and go.” He said the same thing to Wayne [Shorter] way back. I definitely hear the things I discovered harmonically that seemed to work well for Miles, for his vibe and spirit. That’s what I’m trying to do when I’m producing or writing for somebody—to find where their spirit is at and do something appropriate for them.
The record certainly has had legs and gets used for all sorts of things. Several years ago, I heard it in a play in San Francisco, where it was used as a motif to introduce a dramatic confrontation between Asian-American actors from two different generations.
I really like that it was in a story about intergenerational relationships because for me that’s what Tutu was. It was me and Miles and all his history, how was he functioning in the modern world, which was the ’80s at that time. To me, it was about Miles carrying his history forward to the ‘80s and to the streets of New York in that environment. So it’s nice that somebody maybe subconsciously picked up on that.
As big a record as it was, I’m not sure I’ve heard its influence directly on other albums. It’s as if it’s just too singular to even emulate. Have you heard any things out there that make you go, “Hey, I recognize that sound…”?
Yes, I heard a million of them, but more in contemporary jazz where you’d hear muted trumpet and ethereal chords. I heard that a lot. Most of the time it wasn’t quite it. Then in smooth jazz, they did their version of it too.
You didn’t mind though, right?
No, to me, that’s a compliment. It was beautiful. Now the hard part was when people would send me their demos, saying, “Can you help me get a record deal?” But the music [on the demo] was a version of that. I was like, dude, this exists already. You’ve got to find something new to say, which is really hard.
Is it the one record that you’re most proud of?
Yes, it definitely feels special. It was my first time sitting shoulder to shoulder with Miles and working on music that I had written for him. I had been in his band for a couple years, but this was a completely different kind of relationship and a lot of responsibility. When it was released, it was the first time for a lot of people hearing that sound, which is very familiar now, but it was a different thing at the time. You can’t recreate your first time, so, yes, this one does stand out for me.
Did you have any hesitation in doing a tribute or a revisited project? You know more than anyone that Miles wasn’t much for that sort of thing, looking backward.
They were having this huge Miles Davis exhibit in Paris in a museum. It was gorgeous. It was very well done. And they asked me at the end of the exhibit run, if I would be interested in performing Tutu in its entirety. I thought, “I’m not sure I’m excited about that and I don’t think Miles would be excited about that.” But initially when Miles passed, I didn’t feel that the attention paid to his passing was great enough. Me, being in France a lot, I saw how he was treated so much bigger over there. But America’s different. Over time, that changed some, but I wanted to do something myself for Miles. And I was thinking, “What can I do?” I thought, “You know what would be nice is if I got all these young musicians who were barely even born when Tutu came out and have them attack this sucker and change it and create something new with it.” That would be a way that Miles would be into it and would get me excited as well....
Per leggere il resto dell'intervista clicca qui.

Ecco il video di Full Nelson, ripreso Live at Billboard in Giappone il 15.9.2009

E' morto Hank Jones

Un altro grande del jazz se ne è andato, il grande pianista Hank Jones è deceduto ieri a New York all'età di 91 anni.
Jones era conosciuto per il suo tocco delicato e per la straordinaria abilità sia nel suonare delicate ballad che nel sostenere ritmi più veloci.
Jones fece il suo debutto nel 1944 a New York come accompagnatore del trombettista Oran "Hot Lips" Page all'Onyx Club sulla 52nd Street, e da allora ha pubblicato centinaia di registrazioni suonando con leggende quali Charlie Parker, Ella Fitzgerald, Artie Shaw, Benny Goodman, Coleman Hawkins, Ben Webster e Billie Holiday e suonando dal vivo nei contesti più differenti, dai locali e jazz club fino ai teatri di Broadway.
Tra gli innumerevoli premi vinti da Jones nel corso della sua carriera va segnalato il Premio Grammy alla carriera vinto lo scorso anno, oltre alla National Medal of Arts e the National Endowment of the Arts' Jazz Masters Award.
Il critico ed autore Howard Mandel ha pubblicato uno straordinario ricordo di Hank Jones sul suo splendido blog Jazz Beyond Jazz riprendendo un articolo con intervista del 2009:
Pianist Hank Jones is a courtly gentleman of the old school, who wears a coat and tie for an interview conducted in his own lodgings and is forthright about his approach to music in the 21st century.
"I try to play evenly," Jones says with genuine humility about his style, which is widely regarded as maintaining the highest standard for keyboard playing in the contemporary vernacular. "I don't take too many excursions, I don't go too far away from the melody, I don't go out in the deep water. I want the listener to understand what I'm doing. I try to stay pretty much right down the middle and yet keep it interesting."
In these efforts he has succeed magnificently, though he understates the depths he's mastered -- as well as the progressive broadening as well as continuity of what's "right down the middle" of jazz that he has established and documented in more than 450 recordings under his own leadership and with the greatest vocal and instrumental stars from the '40s through today. At age 91, Hank Jones is universally acknowledged to be what his frequent collaborator Joe Lovano calls "a treasure": a man of experience who embodies the wit, warmth, elegance, swing, sagacity, ongoing productivity and open-minded creativity we hope for from all artists and too rarely find. Besides the respect -- no, awe -- of his colleagues and international audiences, Jones has been the recipient of numerous honors, being designated a Jazz Master by the National Endowment for the Arts, given a Grammy Lifetime Achievement Award and now inducted into Down Beat's Hall of Fame.
The pianist takes this all in stride (pun intended) as befits a man who began professional life at age 13 under the esthetic sway of Fats Waller, Art Tatum, Earl "Fatha" Hines and Teddy Wilson. "I'm just trying to keep up with the other guys," he insists, those "guys" being the pianists he's known and admired. His conversation is laced with references to the late Oscar Peterson, Erroll Garner, Bill Evans Tommy Flanagan and John Lewis, as well as George Shearing, Barry Harris, Marian McPartland and diverse next-generation players. But one wonders: Who can keep up with Mr. Jones?
His schedule of bookings is the envy and would be a challenge for much younger musicians. When he sat down to talk for an hour in the comfortable but unfussy apartment he sublets in Manhattan while his home in Cooperstown, New York undergoes long-term renovations, he was in preparation for a concert in The Hague with the Metropole Orchestra. He was scheduled to perform in July in Donostia-San Sebastian, Spain, fronting his trio with bassist George Mraz and drummer Willie Jones III, as well as at the San Sebastian Jazz Festival in duet with Lovano (they issued Kids: Duets Live at Dizzy's Club Coca-Cola in 2007).
He and Lovano are performing at George Wein's reconstituted Newport Jazz Festival, and in Monterey with a co-led quartet completed by bassist John Patitucci and drummer Brian Blade. Jones is also the guest of honor at the 30th Detroit International Jazz Festival, which has built its Labor Day weekend programming around the theme "Keepin' Up with the Joneses: A nod to Thad, Elvin and Hank, and a celebration of other family dynasties."
While it's accurate to describe Hank Jones as a titan of a dynasty, and he grew up with musical parents and siblings, his status does not rest on the achievements of a family band. Rather, he is a "patriarch of the Detroit piano legacy," as the pianist Geri Allen, a fellow Detroit-area native and one of Jones' most ardent followers, puts it. Hank worked only occasionally with his younger brothers Thad and Elvin, innovators of big band composing and traps drumming, respectively, over the course of their parallel careers. They're deceased -- Thad since '86, Elvin since 2004 -- and Hank misses them, of course, speaking enthusiastically about their unique sounds. "I'd rather listen to what they do than play myself," he mentions. But Hank Jones doesn't live in the past so much as the present and foreseeable future. He knows who he is, where he's come from, what he's done and how to continue.
"You've got to live your age," he says -- wisdom that has many possible interpretations, but seems to mean to him mostly that time travels on and if we're lucky, we go with it. He's been lucky and isn't about to stop.
"It takes a lot of concentration," Jones continues, in response to a comment that he seems to be capable of every opportunity, collaboration and repertoire directed his way. "If there's any secret -- and I don't think there is -- it's certainly that: Whatever you're doing, give it 100 per cent concentration. Really focus on that thing. That's what I believe, that's what I have to do.
"I took that idea, I think, from my father, one of the most upright men I've ever known. He used to play a little guitar around the house, not professionally, but he served as a great role model. He was a clean living person. He didn't drink or smoke, and he was a Christian. I've followed his way of doing things, and it's worked out pretty well for me.
"You see, there is no magic involved in playing the piano. It takes hard work, continuous hard work. Whatever skills are involved, it's a matter of practice. You can never say reach a point where you don't think it's necessary to practice anymore. It's always necessary to practice everyday. If you can do that, then you can maintain whatever skills you have, and perhaps even increase your skills. To me, that's the only way to do it.
"That's something I learned over time. At first I hated to practice. My mother had to threaten me, saying 'Either you practice or you don't have dinner.' At that time, I practiced because I had to. I practice now because I want to. And it's been that way for many years -- a minimum of two hours a day. If I have more time I'll spend more time. If I'm working on something specific, like songs I'm going to be playing, I'll spend a lot more time. I work on technical things like scales and exercises, then combine them with the tunes I'm going to be playing that I may be learning. I can spend eight hours at the piano easily, and not even know where the time went.
"A performance depends on how much I practice. It works that way. If you want to be able to do the things you want to do, you have to practice. Then the performance comes easy. I think if you're really going to play to your best, in any style, you have to be aware of what your fingers are doing. Your fingers have to be in shape or you can't play anything. That's why it's necessary for me to practice. I feel that in order to do anything -- certainly to play my own ideas -- I have to practice. Otherwise I can't execute properly."
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Ecco un video dell'Hank Jones Trio at the Brecon Jazz Festival in 1993, dove presenta una strepitosa versione di Recordame

Le sagge vedove investono sulle eredità delle leggende del jazz

Un bel articolo pubblicato sul sito del Wall Street Journal, racconta come le signore Laurie Pepper, Sue Mingus, Maxine Gordon, Francine Bellson, mogli di quattro leggendari jazzisti deceduti, lottino e cerchino di investire per mantenere viva l'eredità ed il valore commerciale delle opere dei loro mariti, a differenza di tante altre mogli che non possiedono l'energia, le competenze o le capacità imprenditoriali per intraprendere una simile attività.
Ecco un estratto dell'articolo:
High on alcohol and drugs in 1981, alto saxophonist Art Pepper flew through a red light in Van Nuys, Calif., slamming his car into the one in front of him and sending his head through the windshield. Months later, as Pepper recovered from his injuries, his shaken wife, Laurie, insisted they have a talk.
Fearful that her husband's erratic behavior could expose the couple to a ruinous negligence suit, she shared with the musician their accountant's advice: By transferring ownership of the saxophonist's works and contracts into Arthur Pepper Music Inc., they could shield those intellectual assets from any third-party claims. Her husband agreed.
In the years since Art Pepper's death in 1982, Laurie Pepper has kept her husband's name and music alive world-wide while earning income from his works. She took music-business and music-law courses at UCLA, copyrighted Pepper's compositions, networked by email with global fans, and licensed his recordings.
In 2006, she started Widow's Taste, a record label that just released its fifth album of Art Pepper's music—"The Stuttgart Concert"—a double-CD set of the saxophonist's 1981 live performance in Germany.
In the jazz world, Mrs. Pepper's efforts are the exception rather than the rule. Aside from Sue Mingus, Maxine Gordon, Francine Bellson and a handful of other enterprising widows, most spouses of deceased jazz greats fail to leverage their husbands' legacies.
"Without an advocate in the marketplace, the commercial value of a jazz artist's name slips away," says Peter Shukat, an entertainment lawyer with Shukat Arrow Hafer Weber & Herbsman in New York. The firm represents the estates of eight deceased entertainers, including John Coltrane, Charles Mingus and Nina Simone.
To be fair, many older jazz widows do not have the energy, expertise or entrepreneurial skills to take on such a venture. "Others don't have the financial means or help from family members," says Mrs. Mingus. "Or they may have better things to do with their time."
After her bassist husband's death in 1979, Mrs. Mingus founded three different repertory ensembles that routinely perform his music. She also produces their concerts and recordings on her Sue Mingus Music label, which just released "The Mingus Big Band: Live at the Jazz Standard." There are music publishing ventures and even a national high-school competition. "To support all of this, our nonprofit foundation constantly applies for grants," says Mrs. Mingus.
Maxine Gordon started planning years before husband Dexter's death in 1990. She had been the tenor saxophonist's personal manager since the mid-1970s. "After Dexter's appearance in the film 'Round Midnight' in 1986 and his Oscar nomination, I knew he was in a different royalty league," she said.
So did Dexter. He wrote Mrs. Gordon a 10-page checklist of suggestions to capitalize on his works and preserve his name and reputation. "Playing a helpless, destitute musician in 'Round Midnight' had a profound effect on him," she said. "Dexter said to me, 'I don't want my music ripped off or my life forgotten.'"
Years before the couple began living together in 1983, Dexter had founded Dex Music Co., which owned his music publishing rights. After the couple married in 1988, they held formal meetings every Friday at 9 a.m. over breakfast. "While Dexter had his two 3-minute eggs and black coffee, we talked only about business," Mrs. Gordon said. "Then I'd bring in our lawyer for implementation."
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Young Jazz Festival

Dal sito www.tuttoggi.info
"Young Jazz" conferma ancora una volta di essere un festival dinamico, fresco e giovane, soprattutto perché dedicato ai nuovi talenti della musica jazz e non solo. La manifestazione, che si svolgerà dal 28 maggio al 2 giugno prossimi come sempre a Foligno e quest'anno anche a Bevagna, Gualdo Cattaneo, Montefalco, Spello e Trevi, con l'edizione 2010 raggiunge l'importante obiettivo dei sei anni di attività. Un periodo sufficiente a decretare un notevole successo di pubblico e di critica, che gli ha permesso di raccogliere ottimi consensi per carattere e qualità, e grazie al quale il Festival si è affermato come una realtà importante nel panorama jazzistico nazionale e internazionale. Salutata sin dall'esordio come un'iniziativa originale e dalla forte spinta propulsiva, in questi anni di attività il Festival, organizzato dall'Associazione Culturale Young Jazz, è divenuto palcoscenico privilegiato per tutto quel filone di ricerca musicale che sempre più, in Italia come nel resto d'Europa, sta sfornando artisti e progetti quanto mai interessanti. Il presidente dell'Associazione Young Jazz, Mario Gammarota, questa mattina presso la Sala della Partecipazione della Provincia di Perugia, ha presentato il Festival e le sue importanti novità. Alla conferenza sono intervenuti anche l'assessore al turismo della Provincia di Perugia Roberto Bertini, la responsabile del settore musei della Regione Umbria Antonella Pinna e la vicepresidente della società Sistema Museo Simona Menci. Con un filmato video è intervenuto anche Gianluca Petrella, direttore artistico per l'edizione 2010. Da quest'anno, infatti, "Young Jazz" ha deciso di affidare la direzione artistica di ogni edizione del Festival ad un musicista differente. "È un onore - ha affermato Petrella - essere il primo direttore artistico esterno di questa rassegna giovane e dedicata ai giovani, in cui ho cercato di portare quegli artisti che ultimamente mi stanno entusiasmando di più. La mia scelta si è basata su un jazz che si fonda sul passato, ma che guarda al futuro". "Young Jazz" ha deciso di iniziare con Gianluca Petrella soprattutto perchè è un giovane artista, ormai di fama internazionale, con una visione della musica e della ricerca sonora totalmente in sintonia con quelle che, fino ad ora, sono state le direttive artistiche principali del "Young Jazz Festival". "Un Festival - ha ricordato Gammarota - nato e cresciuto a Foligno, con il sostegno dell'Amministrazione comunale e di altre realtà associative della città, il quale può registrare uno sviluppo costante che ha anche portato lo scorso inverno all'organizzazione della prima rassegna invernale "Young Jazz Countdown", pure questa archiviata già con un incoraggiante ottimo bilancio di partenza. Riconoscendone la validità, lo spirito d'innovazione e la continua tensione verso la sperimentazione, alcune istituzioni umbre da subito hanno sposato il progetto di "Young Jazz" ed anche altre che si sono aggiunte successivamente lo sostengono nei suoi obiettivi". L'evento è oggi organizzato in collaborazione con la Regione Umbria, la Provincia di Perugia, i Comuni di Bevagna, Foligno, Gualdo Cattaneo, Montefalco, Spello e Trevi, la società Sistema Museo e con l'importante patrocinio di Umbria Jazz che lo ha concesso a "Young Jazz" per il secondo anno consecutivo. "Il Festival - ha detto l'assessore provinciale Bertini - con la sua vivacità e intraprendenza aiuta a promuovere il territorio, perché è un'iniziativa di qualità che coinvolge molti comuni e borghi di qualità". La rassegna, di straordinaria originalità, anche quest'anno si identifica pienamente nel progetto "young jazz": jazz delle nuove generazioni e jazz di nuova generazione. L'edizione 2010, la sesta, propone inoltre importanti novità. La prima, più evidente, è la nascita di "Young Jazz Museum" (29 maggio - 2 giugno). Questa sezione si presenta come l'evento nell'evento, un connubio tra arte, musica e cultura, nato dalla collaborazione tra l'Associazione Young Jazz e la società Sistema Museo per promuovere e valorizzare lo straordinario patrimonio museale dell'Umbria e che permette al Festival di diventare itinerante. L'arte incontra la musica in cinque prestigiose località che ospitano presso i loro musei altrettanti concerti pomeridiani dalle ore 17.30 (29 maggio, Museo Emilio Greco di Spello, Daniele Tittarelli - Enrico Bracco duo; 30 maggio, Rocca Sonora di Gualdo Cattaneo, Joe Rehmer "Tazer Room"; 31 maggio, Complesso museale San Francesco di Montefalco, Antonello Salis "piano solo"; 1° giugno, Sala delle Logge del Mercato Coperto di Bevagna, Alfonso Santimone "Thrill"; 2 giugno, Complesso Museale San Francesco a Trevi, Federico Scettri - Beppe Scardino duo "Pospaghemme"). "Questo connubio tra jazz e musei - ha detto Simona Menci, vicepresidente di Sistema Museo - è nato da una riflessione generale sul ruolo che devono avere i musei locali all'interno del loro territorio. Al di là della sua funzione di conservazione di beni culturali, il museo va sfruttato anche come spazio di animazione culturale, per rendere vivo il luogo e incrementare le presenze". "Young Jazz Museum", inoltre, si caratterizza anche con gli "Incontri Con Lo Strumento". In un contesto informale ed aperto, i cinque musei umbri accoglieranno la mattina dalle ore 11.00 i musicisti di "Young Jazz" per delle conversazioni con il pubblico intorno alla musica jazz. Un'occasione per scoprire risvolti inediti ed insoliti dei musicisti e della loro arte (29 maggio, Benozzo Cafè - Complesso museale San Francesco di Montefalco, la tromba e Paolo Fresu che presenterà anche il libro "Musica dentro"; 30 maggio, Auditorium Adolfo Broegg di Spello, il sassofono e Gaetano Partipilo; 31 maggio, Raccolta d'Arte San Francesco di Trevi, la tromba e Fabrizio Bosso; 1° giugno, Rocca Sonora di Gualdo Cattaneo, il pianoforte e Alfonso Santimone; 2 giungo, Museo Civico di Bevagna, la batteria e Federico Scettri). Tutti gli appuntamenti targati "Young Jazz Museum" saranno gratuiti. Anche Antonella Pinna della Regione Umbria ha sottolineato l'importanza dei Musei che sempre più "devono diventare, come in questo caso, cornici dove si possano intrecciare scambi culturali e occasioni di ispirazione, ovvero luoghi di creazione oltre che di conservazione". Oltre alle esibizioni nei musei ci saranno, come da tradizione per "Young Jazz Festival", anche i concerti serali (ore 21.30) nel grande palco dell'Auditorium San Domenico di Foligno e pensati per la sua vasta platea. Non mancheranno musicisti eccezionali e abbinamenti originali, a volte unici. Si inizia subito alla grande venerdì 28 maggio con il duo Gianluca Petrella (trombone) e Paolo Fresu (tromba). Dopo l'intervallo proseguirà la serata il progetto "Rollerball" guidato da Beppe Scardino (sassofono). Sabato 29 maggio il "Lunaria Quartet" di Luca Aquino (tromba) aprirà la serata che prevede anche l'esibizione del sassofonista Gaetano Partipilo e la sua "Urban Society". Il 30 maggio toccherà alla Ray Anderson's Pocket Brass Band e a seguire al trombettista Fabrizio Bosso con il suo "Dynamic Trio". Martedì 1° giugno sarà la volta della straordinaria voce di John De Leo alla guida del progetto "Vago Svanendo". Visto poi il successo ottenuto anche nella passata e prima edizione invernale di "Young Jazz Countdown", torna anche la marching band Magicaboola Brass Band per ricoprire di note le strade e le piazze del centro storico di Foligno (sabato 29 maggio dalle 16.30 alle 19.30). Inoltre, la collaborazione con la Strada del Sagrantino, in concomitanza con "Cantine Aperte", permetterà, attraverso la sezione "Young Jazz & Sagrantino", di abbinare al percorso musicale e artistico le degustazioni presso le cantine Scacciadiavoli e Novelli di Montefalco o durante l'intervallo di alcuni concerti. A Foligno, le "Jam Session" notturne presso la Taverna del Rione Ammanniti, il "Jazz Lunch" e il "Jazz Dinner" sempre in Taverna e con la collaborazione del Ristorante "Alla via di mezzo", ed infine "L'aperitivo Classic Jazz" al Wine Bar "Lu Cuccugnau" (discussioni sui grandi musicisti jazz del passato a cura di Fabio Ciminiera), completano un programma ricco e variegato. Altra novità dal punto di vista strettamente artistico è che, da quest'anno, ogni vincitore del referendum della rivista Musica Jazz, per la sezione "Miglior Nuovo Talento", presenterà il suo nuovo progetto nella cornice del Festival, ribadendo in questo modo come l'evento dedichi interesse e spazio ai giovani musicisti e alle nuove realtà della scena jazzistica e non. Protagonista del concerto di sabato 29 maggio, alle 21.30 presso l'Auditorium San Domenico di Foligno, sarà quindi Luca Aquino (tromba), Top Jazz 2009, che porterà sul palco il suo "Lunaria Quartet". Ad accompagnare gli eventi musicali ci sarà pure la proposta del pacchetto turistico "In Umbria. Sulle Note Del Jazz", una formula "freedom" studiata in collaborazione con la Provincia di Perugia che permette la massima libertà di movimento a chiunque sia interessato a visitare il territorio, approfittando dei concerti di "Young Jazz Festival". Attraverso il sito www.youngjazz.it e grazie alla collaborazione della Grato Viaggi di Foligno, ognuno potrà costruirsi il proprio week-end all'insegna dell'arte, della cultura, dell'enogastronomia e, naturalmente, della buona musica. Infine, grazie al workshop fotografico "Musica Da Guardare - Fotografare Il Jazz" tenuto dal giovane ma esperto fotografo Andrea Boccalini, il Festival si allinea con gli altri eventi del settore, dando la possibilità di approfondire una tecnica ed un'arte sempre più di maggior interesse e al tempo stesso legata al mondo del jazz.

Al via il tour sardo di Gegè Telesforo

Notizia tratta dal sito www.informazione.it
Si accendono i riflettori dei palcoscenici sardi sul So Cool Groove Master Quintet.
La jazz band capitanata dal vocalist Gegé Telesforo dà il via al breve tour di tre date in Sardegna, martedì 18 maggio alle ore 21,30 al Teatro Club FBI in Via Brigata Sassari 38, a Quartu Sant’Elena.
Cantante, polistrumentista, producer, conduttore radiotelevisivo, entertainer, ma soprattutto maestro dello scat, quella forma di canto jazz basato sull'improvvisazione vocale, Gegè Telesforo (voce e percussioni) scoperto parecchi anni fa da Renzo Arbore, ritorna ancora una volta nell’isola accompagnato sul palcoscenico da Dario Deidda ( basso), Alfonso Deidda (piano, flauto, sax alto e baritono), Max Ionata (sax tenore e soprano) e Amedeo Ariano (batteria) per presentare in tre serate che si preannunciano sold out, il suo nuovo cd So Cool.
Come tutti i precedenti lavori nati dalle incredibili doti vocali del musicista foggiano e dalla sua capacità di seguire un proprio progetto di ricerca musicale anche So Cool, scritto per il suo quintetto con la collaborazione di Ben Sidran, autore dei testi e di Peppe Sannino alle percussioni, è la sintesi di una sorta di laboratorio sonoro dove il concetto di groove si ripropone nella sua essenza più pura.
In distribuzione internazionale da gennaio 2010 il nuovo album, è il risultato di una live session di due soli giorni registrata allo Zork Studio di Buccino (SA) e in seguito masterizzato presso il prestigioso Sterling Sound di New York.
Le dieci tracce raccolte in So Cool - prodotto da GeGè Telesforo e Roberto Ramberti per l’etichetta indipendente Groove Master Edition e distribuito in Italia da EGEA Music – sono un'ideale escursione di suoni inconfondibili creati dall’impasto di voce e sassofoni che spaziano ritmicamente dal funk allo swing, dal be-bop allo storico blue note, dal latin-jazz al groove.
Dopo la serata al FBI, il Gegè Telesforo Groove Master Quintet si trasferisce nel nord della Sardegna per riproporre le originali composizioni e il contagioso groove di “So Cool” mercoledì 19 maggio alle ore 21,30 al Teatro Civico di Corso Vittorio Emanuele II a Sassari e il giorno successivo, giovedì 20, sempre alle ore 21,30 al Teatro Civico di Piazza del Teatro di Alghero.
Nato a Foggia nel 1961 e cresciuto artisticamente sotto l’ala protettrice di Renzo Arbore, che ne ha scoperto le incredibili doti vocali, Gegè Telesforo nel corso degli anni, sono oramai più di 30 a cui dedica ogni sforzo, ha saputo individuare un proprio progetto di ricerca, che ha il suo nodo centrale nello scat, ovvero l’improvvisazione vocale. Rispolverando un'arte quasi dimenticata all'estero e mai sbocciata in Italia, il vocalist foggiano ha saputo, raccogliere attorno a se il meglio della scena jazz-fusion romana: indimenticabili i suoi concerti, a metà degli anni Ottanta, in cui si divertiva a rinnovare vecchi standard del jazz.
Nelle sue numerose band (Gegè Telesforo & Co.; D.O.C. Quartet; Pure Funk Live; Groovinators) hanno militato alcuni fra i più quotati musicisti italiani: Roberto Gatto, Danilo Rea, Antonio Faraò, Marco Rinalduzzi, Enzo Pietropaoli, Rita Marcotulli, Marco Tamburini, i Deidda Brothers, Rossana Casale, Marcello Surace, Alex Gwiss, Max Bottini solo per citarne alcuni e debuttato giovani talenti come Giorgia, Stefano Di Battista, Rocco Zifarelli, Julian Oliver Mazzariello.
Nei primi anni ‘90, in seguito alla collaborazione con il pianista, cantante e raffinatissimo critico musicale Ben Sidran, Telesforo sbarca negli Stati Uniti. Qui collabora con i musicisti più in vista e inizia ad incidere i suoi dischi per l’etichetta Go Jazz, lavora in studi di registrazione prestigiosi come il Paisley Park di Prince, Sterling Sound e lo Skyline di New York.
In seguito Ben Sidran lo vuole come Lead Vocalist nella sua Go Jazz All Stars e Gegè partecipa ad un lungo tour internazionale che lo vede al fianco di artisti del calibro di Phil Woods, Bob Malach, Georgie Fame, Clyde Stubblefield, Mike Mainieri, Bob Rockwell, Richard Davis, Phil Upchurch, Ricky Peterson. In queste ripetute apparizioni trova il modo per esportare il suo indiscutibile talento vocale, non solo colleziona una serie impressionante di sold out, ma restano memorabili duetti vocali e le collaborazioni con Dizzy Gillespie, Tony Scott, Bob Berg, Jon Hendricks, Clark Terry e DeeDee Bridgewater.
Dalla seconda metà degli anni ‘90, dopo il periodo di lavoro svolto in studio a Minneapolis con i musicisti della New Power Generation di Prince, la sua ricerca musicale si indirizza sul versante di un funk aggressivo in cui gli elementi jazzistici e improvvisativi si saldano a una rigorosa ed infallibile concezione ritmica dominata dal "groove". Dal ’97 è special guest dell’Orchestra Italiana di Renzo Arbore.
Gegè Telesforo è oggi riconosciuto nel mondo come uno degli ultimi artefici ed innovatori dello scat, “l’unico artista/performer italiano che si possa fregiare del titolo di Groove Master”.
Gli appuntamenti rientrano nel calendario della IV Edizione del Festival “La Musica che Gira Intorno 2010”, ed è organizzato dall’Associazione Culturale “La via del Collegio” di Cagliari con il patrocinio degli Assessorati alla Cultura dei Comuni di Quartu Sant’Elena, Sassari e Alghero, e degli Assessorati alla Pubblica Istruzione, Spettacolo e Turismo della Regione Autonoma Sardegna.

Antirazzismo e Arte. Ritratti di Nina Simone di Chiara Cinelli

Venerdì 30 aprile alle ore 18.30 presso le Scuderie Granducali di Palazzo Mediceo a Seravezza (Lc), si inaugura la Mostra Antirazzismo e Arte. Ritratti di Nina Simone di Chiara Cinelli. L'iniziativa è realizzata con il patrocinio e contributo del Comune di Seravezza, della Fondazione Terre Medicee, della Provincia di Lucca, con la collaborazione dell'Auser Seravezza. Il progetto è dedicato a Nina Simone, musicista impegnata nella lotta per la difesa dei diritti per l' uguaglianza dei neri, amica e sostenitrice di Martin Luther King, autrice del celebre brano Mississipi Goddam, inno contro i soprusi razzisti dell'epoca. La mostra resterà aperta fino al 29 maggio con orario 15 - 19.30, chiuso il lunedì.
Le opere e le iniziative di Chiara Cinelli, insieme ad Anna Galetta, Cinzia Biagiotti, Andreas Faoro, Francesca Rizzetto, Michela Lombardi, testimoniano come l'arte contemporanea, in tutte le sue forme, pittoriche, letterarie, video musicali, possa avere un ruolo fondamentale nell'impegno e nella denuncia di problematiche sempre attuali, quali la discriminazione razziale e l'emancipazione femminile, testimoniate dalla vita della musicista afroamericana Nina Simone. Il gruppo di artisti unito da una complicità artistica intorno ad un progetto vuole continuare ad innescare un percorso di cambiamento che si apra all'arte e alla cultura per ridare valore alla relazioni fra diverse identità ricordando chi, come Nina Simone, ha fatto del proprio linguaggio un mezzo per aprirsi al mondo.
L'insieme delle proposte del progetto Antirazzismo e Arte mette in evidenza come la differenza di genere si ritrova nella quotidianità e le diversità sessuali si articolano, in ogni società, in comportamenti che sono ritenuti appannaggio dei due sessi, comportamenti che vengono condivisi come maschili o femminili dal gruppo sociale di riferimento.
Anna Galetta espone Scatti Rubati, fotografie dedicate al tema dell'emarginazione e razzismo, Cinzia Biagiotti presenta sabato 8 maggio il Literary Workshop Scrittrici afroamericane, discriminazione razziale e la musica di Nina Simone, realizzato dal gruppo di 7 studenti del corso di Lingua e Letteratura Angloamericana dell' Università di Pisa, a seguire il 15 maggio Adreas Faoro e Francesca Rizzetto con UNLab UrbanNetWorkLaboratory - Zooming, Displacement, Media_Space, 360°, il 22 maggio Michela Lombardi propone il concerto Shades of Nina. I colori e le sfumature del canto di Nina Simone.
Per informazioni www.ninasimone.it.
La discriminazione di genere è un fenomeno profondamente radicato nella nostra società. Nonostante i molti sforzi per ridurla, rappresenta un problema attuale e di difficile soluzione. Nel 1985, un gruppo di artiste femministe, esposero alla mostra "An International Survey of Painting and Sculture" al MoMA di New York (che includeva 169 artisti di cui soltanto 13 donne) e in quel contesto fondarono le Guerrilla Girls. Da allora hanno iniziato con il loro lavoro e le loro opere a denunciare la discriminazione sessista nel mondo dell'arte, della politica, della letteratura… usando l'umorismo per trasportare le informazioni e provocare discussioni. Nel pensiero comune l'arte è fatta da uomini e la donna è musa ispiratrice che non partecipa alla creazione dell'arte, né tanto meno alla sua cura o diffusione, l'essere donna non è considerato come un aspetto culturale. L'esperienza delle Guerrilla Girls mi ha fornito lo spunto per realizzare questo nuovo progetto artistico, volto a far comprendere la differenza sessuale come un fatto culturale.
Proprio questa percezione delle donne che si limita a quella di volti e corpi misteriosi da dipingere, soggetti ritratti e non soggetti ritraenti, è stato il motivo che mi ha dato l'Idea per i Ritratti di Nina Simone, pensati non come ritratti di una musa ispiratrice, ma di una donna ispirata che partecipa attivamente alla produzione dell'arte, della coscienza di genere e quindi della cultura. La canzone "Four Women" scritta da Nina Simone, ci consegna il ritratto della condizione femminile afroamericana: quattro personaggi di donna, accomunati da una condizione di doppia discriminazione razziale e sessista. Ho quindi chiesto a due donne, Alessandra Trabucchi e Serena Cinelli, di curare e realizzare con me un tributo a Nina Simone ed in particolare a questa canzone, che divenne un inno del movimento femminista afroamericano. L'idea: chiamare ed invitare quattro artiste, quattro donne, a realizzare quattro differenti progetti e lavori artistici espressi in quattro diverse arti, Fotografia, Letteratura, Video arte e Musica.
Anna Galetta con Scatti Rubati, fotografie dedicate al tema dell'emarginazione e razzismo; Cinzia Biagiotti con Literary Workshop Scrittrici afroamericane, discriminazione razziale e la musica di Nina Simone, realizzato da un gruppo di sette studenti del corso di Lingua e Letteratura Angloamericana dell' Università di Pisa; Francesca Rizzetto con UNLab UrbanNetWorkLaboratory con quattro video - Zooming, Displacement, Media_Space, 360°; Michela Lombardi con il concerto evento Shades of Nina. I colori e le sfumature del canto di Nina Simone.
Il loro lavoro, unito al mio di Pittura, ha prodotto il ritratto di una grande donna, cantante, pianista, scrittrice e attivista per i diritti civili, che ha combattuto con le straordinarie armi della propria musica e della propria voce. - Chiara Cinelli, Luisa Lorenzoni

Ed ecco un video di Nina Simone dal vivo che presenta la celebre Mississippi Goddamn

McCoy Tyner, leone ruggente del jazz

Notizie ed articolo tratto dal sito del Giornale di oggi:
È uno dei grandi eroi della storia del pianoforte jazz, e ogni anno arriva puntualmente al Blue Note animando le serate più «calde» del club milanese di via Borsieri. L’anno scorso ha fatto una tirata di sei giorni (due concerti per sera), questa volta si limita a tre (sei spettacoli), da stasera a venerdì. È Alfred McCoy Tyner, il pianista di Filadelfia, classe 1938, dalla straordinaria potenza e duttilità sonora che arriva con i fidi Gerald Cannon al contrabbasso e Eric Kamau Gravatt alla batteria. A completare il quartetto, torna il sassofonista Gary Bartz (che fu al Blue Note con Tyner nel 2007) mentre l’anno scorso c’era il trombettista Christian Scott. Tyner - anello di congiunzione tra i suoi maestri Art Tatum e Bud Powell e i jazzmen moderni - ha superato brillantemente alcuni problemi di salute, e torna a essere il più fecondo ispiratore dei pianisti moderni. Il suo suono è unico, e dominato dal contrasto sulla tastiera fra i fraseggi e le rapide fantasie melodiche della mano destra e i coloriti blocchi di accordi della sinistra. «Tyner suona il pianoforte come un leone ruggente», ha detto il critico Bill Cole, e questa è ancora una delle definizioni che meglio descrive l’artista. Che esplose nei primi anni Sessanta suonando nel fantastico quartetto di John Coltrane (con cui aveva collaborato dal vivo poco tempo prima, per una settimana di concerti, in cui Tyner scrisse e regalò a Coltrane la celebre The Believer) per cinque anni; il primo organico comprendeva Steve Kuhn, Steve Davis, Pete LaRoca; quello più celebre - definito il più importante quartetto della storia del jazz - Tyner, Reggie Workman (poi Jimmy Garrison) e l’uragano Elvin Jones alla batteria. Presto però Tyner, dopo aver partecipato ad album come Live at the Village vanguard e A Love Supreme, quasi stordito dalle esplorazioni e dagli esperimenti coltraniani, se ne andò per la sua strada. Il suo eclettismo lo portò a viaggiare persino nei territori del rhythm’n’blues con Ike e Tina Turner e col blueman Jimmy Witherspoon, prima di formare una band con Sonny Fortune e di incidere dischi importanti come The Real McCoy insieme con stelle come Joe Henderson, Ron Carter e di nuovo Elvin Jones. Maestro del post bop, incide decine di dischi come Time For Tyner e Extensions, prima di raccogliere i frutti del successo nel 1972 con Sahara che la critica premia come disco dell’anno, lavoro che anticipa la world music. «L’Africa, l’India, il mondo arabo, la musica classica: tutti i generi sono legati fra loro», dice Tyner, che si allarga pericolosamente anche alla fusion e al jazz rock. Ma riprende sempre la via maestra con uno stile che trae la sua emozionalità dalla potenza sonora. Suono forte uguale rumore, ma non nel caso di Tyner, la cui potenza è rafforzata da un infinito vocabolario melodico. «Devi diventare tutt’uno con lo strumento», dice lui, che intanto ha lavorato con tutti i grandi del jazz moderno, da Sonny Rollins a Eric Dolphy, da Art Blakey a Michael Brecker e che recentemente ha collaborato con Joe Lovano, ha inciso con accompagnamento d’archi e arrangiato i suoi brani per big band, privilegiando la ricerca, guidando numerose formazioni e incidendo negli anni ’80 e ’90 notevoli dischi solisti (c’è chi dice che quando suona in solitudine raggiunga l’apice della sua creatività) come Revelations e lo splendido Soliloquy. Oggi gira il mondo con il suo trio e un quarto artista ospite che spesso cambia, allacciandosi alla tradizione ma proiettandosi nell’attualità e regalando, soprattutto in concerto, quelle forte emozioni che hanno spinto la critica ad affermare: «La sua musica è esultanza, è l’esuberanza della vita vissuta».

Ecco un video del Mccoy Tyner Quartet, con Gary Bartz registrato al Festhalle, 21st International Jazzfestival Viersen in Germania, il 22 settembre del 2007 che presenta una splendida versione di Fly With The Wind

Intervista a Bobby McFerrin

Sul sito della rivista JazzTimes è stata pubblicata una deliziosa intervista telefonica con il vocalist Bobby McFerrin che parla del suo bellissimo nuovo album intitolato VOCAbuLarieS, per l'etichetta Decca sua prima registrazione dopo otto anni, che presenta il vocalist con un grande cast di cantanti, tra cui Janis Siegel, Theo Bleckmann, Luciana Souza, Lisa Fischer e dei membri del New York Voices. Ci è un minimo di supporto strumentale dal percussionista Alex Acuna e dall'ottimo sassofonista Donny McCaslin. Il progetto è stato prodotto dal compositore e arrangiatore Roger Treece che ha dovuto lavorato a lungo e duramente per riuscire a ricreare e riorganizzare le improvvisazioni vocali di McFerrin con un tale cast di decine di cantanti.
Ecco un estratto dell'intervista:
Speaking on the phone from a hotel in Prague, McFerrin has no problem in giving Treece his due credit. “I tip my hat to this man because he went through so much of my material,” the ten-time Grammy winner explains. “Live concerts, solo concerts, voicestra concerts, all of which are improvised. He found all these grooves and things and he expanded them, wrote them out, rewrote them and rewrote them. I’d go to the studio and he’d say ‘I’m just going to open up 24 bars and sing me a bass line here or a melody there, whatever.’ It was a wonderful collaboration of me, the improviser and Roger, the composer. And he just made it all work and it was fascinating.”
McFerrin may be known for his live solo improvisations, but this album sounds not only like it wasn’t done in one room, but like it was done in many a room over a long time, with many a performer. McFerrin confirmed that supposition is mostly right. “A lot of it was done in one room, but with one, two or three singers at a time,” he recalls. “The altos would come in and do their parts and then the tenors would do theirs. I’m not sure how he [Roger] had it all mapped out, but I think he had a certain task for each day. Whenever I’d work with him, he would have a list of things that needed to be worked on.”
If it sounds like a painstaking process, that’s because it was. From start to finish, the project took eight years. The singers were recorded one at a time or in groups to create a virtual choir consisting of over 1,400 vocal tracks. The many hours of studio time resulted in a final mix with over 100 gigabytes of memory.
McFerrin revisits a few of his more memorable compositions such as “The Garden” and “Baby” which first appeared on his Medicine Music album, released way back in 1990. However, the arrangements are decidedly different—longer and more complex. “Yes, they are different,” he says about the recreation of his old songs. “I had been getting a lot of inquiries from choirs to develop music to sing and I was looking for a way to extend the pieces. I think 'The Garden' and 'Baby' were the very first pieces we worked on. 'Baby' was like Roger’s audition piece in a way. And I thought, 'Well, this is fascinating.' I like all the different places it goes.”
But if you are expecting to hear the prototypical chest-tapping Bobby McFerrin solo improvisations, like in The Voice or in many of his live performances, forget it. This is a horse of an entirely different color. McFerrin was clear about his intentions from the onset and they reflected his own experiences as a live performer. “The concept was always choral. It was always about voices singing together. Even in my solo concerts, I don’t even consider them solo concerts because I use the audience to riff with me…to provide harmonies and rhythms and changes to play over. This stems from all of that – my working with the audiences and growing up with choral music. I sang in a church choir. [I’ve been] getting calls from different choruses, asking: ‘When are you going to write something for us to sing? We’d really love to do your material.’ Linda Goldstein, my manager for over 30 years, is pretty much the one who thought of the idea of doing this. I think the idea popped into her head about 12 years ago.”
Getting people to sing along certainly is something that McFerrin is passionate about. I told him about my interview a few years back with the late Jane Jarvis, jazz pianist and longtime Shea Stadium organist, who bemoaned the decline of communal singing. When Jarvis would play the National Anthem before a baseball game, she aimed to have everyone sing along. Now the ritual is more like an audition for American Idol. McFerrin sided with Jarvis on this issue. “I would agree that the death of communal singing is real,” he says. “I try to revitalize communal singing in my concerts. I love the sound and the surprise of human voices coming in my direction. I love being bathed in the human voice: Having all these wonderful chords and singers, singing to me and with me and for me.”
Lord knows, audiences have always sung with McFerrin even going back to his early days, where he could get an entire theater singing the musical themes of The Wizard of Oz merely with a wave of his hand or a nod of his head. He’s never needed to plead or beg to get audience participation. “It’s always been that way,” he acknowledges. “I think that the reason is because everybody really does want to sing. I think singing comes out of everyone’s heart. There are so many people in the audience who took voice lessons as a kid or young adult and then gave them up and they’re out there thinking to themselves, “I wish I’d continued my voice lessons. I wish I’d continued my piano lessons. I really want to do this.’ As an audience member myself many times, when I go to a concert, I’m singing background voices all along and I’m thinking it would be great to contribute that part on stage. And I think there’s a part of everyone that feels that way.”
It should come as no surprise that McFerrin has a real appreciation for the hit television show Glee, which has done wonders for making a cappella singing cool. When I asked the thoughtful and measured McFerrin if he would consider appearing as a guest on the show, he didn’t hesitate in his response. “If I was invited to make a guest appearance, I’d think I’d do it. I think it’s great that a cappella music is starting to get its due, with shows like Glee and the NBC series Sing Off that they just did recently and I think that’s been picked up again. And I am really, really hoping that it ignites a fire at college campuses to get their a cappella groups and choirs going. I think it’s time.” Quick, someone call Ryan Murphy (creator, writer and producer of Glee) and give the man a cameo.
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Ed ecco il video di Say Ladeo, tratto dall'album