Jazz in rete

Màrcio Rangel: Capua si tinge di sonorità verde-oro

2010-05-27T18:02:00.003+02:00

In occasione della sesta edizione della kermesse “Luogo della Lingua Festival” promossa dall’associazione “Architempo” che coinvolge la città di Capua ogni anno e che vede la letteratura formare coalescenze sublimi con cinema, teatro, arte visiva, audiovisiva e multimediale, musica e tutte le sue frizzanti sfumature, l’architettura, la scultura e la fotografia. Una varietà espressiva che appartiene e che non poteva non essere celebrata a Capua, uno dei luoghi simbolo dell’espressione che prima di ogni altra ci appartiene, la lingua italiana. Capua, considerata da Cicerone “Porta del Sud” fino all’Unità d’Italia, custodisce la “Carta di Capua” o “Placito Capuano”, documento riconosciuto dagli storici come il primo del volgare italiano, quindi vanto per il patrimonio linguistico e culturale.
Nella splendida location di Palazzo Lanza, Storica costruzione quattrocentesca, venerdì 28 maggio, va in scena il chitarrista - compositore brasiliano Marcio Rangel. Il superbo musicista di Rio Grande do Norte ha iniziato a suonare chitarra (elettrica ed acustica) da autodidatta, per poi perfezionarsi presso il Conservatorio di D'Alva Stella (RN). A 17 anni forma il suo primo gruppo, suonando e registrando con vari artisti della sua amata terra, e grazie alla partecipazione in numerosi seminari di musica in Italia che sviluppa la sua tecnica “distinct-tecnique”, suonando da mancino con la chitarra destrorsa. Le peculiarità di questa tecnica sono suonare le note basse con l'anello al mignolo e la melodia con pollice, indice e medio. In questo modo si ottiene un suono spigoloso e di volume sui bassi e vellutato e delizioso nelle altezze superiori, dando vita a nuove posizioni d’accordo. Il suo primo lavoro "Palavras do Som" (parole di suono) in qualità di solista e compositore, è stato licenziato nel 2002 dalla casa discografica italiana "Azzurra Music" (Verona). Integrandolo nel florilegio della collezione "Guitar Masters Club" (di cui ne fanno parte Toquinho, Paulinho, Nogueira, Irio De Paula, Eros Roselli). Nel 2003, la rivista italiana “Guitar Player” recensisce "Palavras do Som", citando la tecnica unica di Márcio, e paragonandolo al "guru della musica brasiliana" Egberto Gismonti, raccomandando a coloro che amano veramente la tradizione chitarristica brasiliana. La composizione "Romance do Sertão" ha debuttato nel "Museo di Santa Maria della Scala (Siena) dove ha ricevuto ampio successo di consensi in diversi periodici musicali. Egli ha ricevuto molta attenzione dalla stampa europea, tra cui una intervista della rivista “New Age”, mettendolo sullo stesso piano di artisti internazionali come Pierre Bensusan, Regina Carter, Bliss, Shaurasia e altri. Ha anche ricevuto un premio per la composizione al Concorso Internazionale di Chitarra di Poggibonsi Siena. Degne di nota le sue collaborazioni in numerosi concerti in duo e trio, che gli hanno permesso di calcare le migliori platee e Festival Internazionali con: Fabrizio Bosso, Gilson Silveira, Rogerio Botter Maio, Ricardo Da Silva, Ettore Bonafé, Roberto Taufic, Cacau Arco Verde, Wagner Tse, Henry Kneuer, Giovanni Palombo.
Quindi lasciamoci pervadere dalle scintille anìmiche di Marcio, magari degustando un buon Falerno D.O.C. rapiti dalle alchimie cerebrali di questa splendida “Terra di Lavoro”.

Ecco un video di Màrcio Rangel in duo con Fabrizio Bosso, che presentano una bella versione di O Grande Amor, live al al Centro Civico di Tavagnacco (UD) nel 2009

Il vocalist Elling in sintonia con i maestri

2010-05-27T16:20:00.003+02:00

Sul sito del quotidiano San Francisco Chronicle è stato pubblicato uno splendido articolo con intervista del grandissimo vocalist Kurt Elling, in occasione del concerto che terrà domenica prossima nella città californiana insieme alla Count Basie Orchestra, dove proporrà una rivisitazione della straordinaria musica nata dall'incontro negli anni '60 tra Frank Sinatra e la originale Basie Orchestra.
Ecco un estratto dell'intervista:
"That music is fully ingrained in my consciousness," says Elling, the Grammy-winning vocalist who counts Sinatra among the many musicians and poets who've fed his expansive art. "To sing these charts with the Basie band is a thrill of a lifetime, and that's not hyperbole or exaggeration. I've worked with a number of big bands, but there's nothing in life like the Basie band."
Sinatra was equally jazzed about merging his voice with the band's bracing sound. "I've waited 20 years for this moment," Sinatra said when he began recording the "Sinatra-Basie" album in 1962. It was the first of three collaborations with the minimalist piano master and his orchestra, which epitomized the relaxed propulsion of swing. Basie died in 1984, but the band continues under the leadership of trombonist Bill Hughes.
Elling, a literary-minded musician who was studying at the University Chicago Divinity School in the early '90s when he heard the siren call of jazz, will sing a number of tunes from the live 1966 Basie-Sinatra summit, "Sinatra at the Sands." He may do "Street of Dreams" or "You Make Me Feel So Young," "I've Got You Under My Skin" or perhaps "One for My Baby." SFJazz, which is producing the show, got the original charts from the Quincy Jones Archives in Los Angeles.
A largely self-taught singer with a rich, fluid baritone voice, Elling is equally adept interpreting ballads, scatting on standards and setting his original lyrics to improvised jazz solos, in the tradition of vocalese masters like Jon Hendricks. But unlike Hendricks - a prime inspiration, as is former San Francisco singer Mark Murphy - Elling draws on and refers to poets as diverse as Rumi, Rilke and Rexroth in his work.
"I've tried to educate myself in the world and what's beautiful and what has meaning and is lasting. Then I just follow my intuition and see how it fits," says Elling, who has created multidisciplinary works for Chicago's Steppenwolf Theatre.
He's on the phone from the Los Angeles recording studio where he and famed pop producer Don Was are working on Elling's new disc, "The Gate." Like his cinematic 2007 album, "Nightmoves," which encompassed everything from a bopping Betty Carter tune to Elling's musical setting of the Theodore Roethke poem "The Waking," the new record bridges a range of material and arrangements. The mix includes the Miles Davis-Bill Evans classic "Blue in Green" and King Crimson's "Matte Kudasai."
"We're trying to get a sound that is a signature event, in terms of the material and the way the arrangements play themselves out," says Elling, 42, who won this year's Grammy for best jazz vocal album for "Dedicated to You: Kurt Elling Sings Coltrane and Hartman." He aims for an album that "has a heft, a kind of ethos, not just a record with a bunch of tunes."
Elling loves the signature sound of those evergreen Basie-Sinatra records. Some records define a certain kind of music, "the way certain things in life sound," he says, and those albums do that.
"These were artistically mature men, emotionally and intellectually in their creative prime," Elling says. This music, he adds, expresses the experiences of men who are "broken-hearted but strong, bloodied but unbowed." As for Sinatra, "he sings with this incredible sense of swing, completely relaxed in every setting. He only chooses material he can get 100 percent behind."
A questo link è possibile leggere l'articolo integrale.

Ecco un video di Kurt Elling, che presenta una splendida versione di My Foolish Heart, registrata al Montreal Jazz Festival il 4 luglio 2007.

Vittoria Jazz Festival 2010

2010-05-27T16:13:00.000+02:00

Gli appassionati dicono che il grande jazz si esprima soprattutto attraverso una talentuosa capacità di improvvisazione; ed è vero.
Il nostro jazz, invece, quello che caratterizza il “Vittoria Jazz Festival Music & Cerasuolo wine” – giunto alla terza edizione - non è frutto di improvvisazione, ma del duplice impegno di un’Amministrazione Comunale che, da un lato, ha operato con grande lungimiranza e, dall’altro, di un artista eccezionale come Francesco Cafiso, che del festival è il direttore artistico.
Un binomio dimostratosi vincente e che ancora una volta, ne siamo certi, darà risultati di grande prestigio e riuscirà a trasformare la nostra città, dal 29 maggio al 30 giugno, nella capitale italiana del jazz. E nomi quali Flavio Boltro, Matteo Brancaleoni, Enrico Rava, Javier Girotto e Aires Tango, l’Orchestra Jazz del Mediterraneo e Maurizio Giammarco, Bob Mintzer e Kenny Barron, oltre, ovviamente, allo stesso Francesco Cafiso sono garanzia di un altissimo standard qualitativo della musica jazz – di carattere internazionale - che sarà possibile ascoltare nello splendido scenario di Piazza Enriquez.
Positiva conferma anche per i Jazz Club diVino dei venerdì della rassegna, curati dal Consorzio di tutela del Cerasuolo di Vittoria, che ospiteranno artisti quali Gianni Cazzola, Nicola Angelucci e Daniela Spalletta, e daranno modo ai tantissimi appassionati di jazz di degustare dell’ottimo Cerasuolo docg ed altri vini doc di Vittoria, che accompagneranno piatti tipici della nostra cucina mediterranea, realizzati con il buon pesce di Scoglitti e con le nostre primizie orticole.
Ancora una volta, quindi, la scommessa è vinta! Questo anche grazie alla Presidenza del Consiglio dei Ministri, che ha concesso il suo alto patrocinio alla rassegna, ed alla Provincia Regionale di Ragusa ed all’Assessorato Regionale al Turismo.
Un doveroso ringraziamento va anche a tutti gli Enti ed alle aziende che, a vario titolo, sostengono il “Vittoria Jazz Festival Music & Cerasuolo Wine”. Quest’anno, come iniziativa collaterale, il festival ospiterà nella Sala Mazzone dell’Antica Centrale Elettrica la mostra personale di Andrea Cantieri, pittore catanese che è anche musicista fortemente influenzato e ispirato dall’universo jazzistico, che stempera il proprio vissuto in un binomio artistico che ingloba in un unicum catartico il suono all’immagine.
Per informazioni: www.vittoriajazzfestival.it

La musica improvvisata non è uguale al jazz

2010-05-27T16:04:00.002+02:00

Sul sito The News Record è apparso un interessante articolo che cerca di spiegare il rapporto tra improvvisazione e jazz. Ecco un estratto dell'articolo.
Despite my indifference for Wynton Marsalis’ music, I have to say I subscribe to a mindset attributed to the famed trumpeter: jazz is free-form music. I can hear jazz in everything, but everything is not jazz.
Marsalis, and myself consequently, can be considered as barriers to the growth and exploratory nature of jazz.
But still.
Just because there are electric guitars in a song doesn’t make it rock and roll. Violins don’t make something classical (Dave Matthews Band is not classical, classy or good.).
Similarly, just because there is improvisation in something, it isn’t jazz. I cringe every time I hear the saxophone in “Careless Whisper,” which makes me want to crash my car into a black hole while lighting myself on fire. Hopefully the afterlife has nothing to do with synthesizers, either. Then, if there is such a thing as an afterlife, I hope I can meet Adolphe Sax and tell him all the havoc his invention has caused.
Then have a cocktail with Dex.
Music changes; that’s just the nature, I suppose. I have to even be happy that jazz exists and how the blues birthed it. However, I really can’t deal with some of the stuff being labeled as jazz nowadays.
Jazz changes, I can deal with that. I can cope with avant-garde styles and seemingly random phrases and dissonance. I’ve had a moment of clarity while listening to Albert Ayler tunes.
For instance, listen to a song like “Giant Steps” by John Coltrane. Then, listen to “Spiritual.” Then listen to “Ascension.” It’s the same guy, but you can hear an evolution in the way he plays. “Ascension” can sound like noise, I admit, but that’s just how it turned out. That was Trane’s expression, which is beautiful.
Pharaoh Sanders is virtuosic, too, in the song. It’ll take me a while to fully understand what’s being said — if it’s anything at all — but I’m confident I’ll be able to someday.
On the other hand, even if something sounds good, it isn’t necessarily jazz. The Jazz Messengers played jazz. You can hear some bluesy parts of songs, but there’s nothing holier than Art Blakey, Wayne Shorter, Lee Morgan, Bobby Timmons and the bass lines of Jymie Merritt.
It doesn’t get better than that. Really.
Forget all the fog machines and playing to sold-out crowds in auditoriums and huge venues. Jazz is meant to be played in an intimate place for an intimate experience, even if it reminds of you going on a bender and sinning in bulk.
Think about it. I’ll leave with a quote, not even mine, but one of the great Duke Ellington.
“By and large, jazz has always been like the kind of a man you wouldn’t want your daughter to associate with.”

Per leggere l'articolo integrale visita questo indirizzo.

Il Jazz in Italia: dallo Swing agli anni '60, concerto di presentazione

2010-05-27T10:23:00.002+02:00

Venerdi' 28 maggio all'Auditorium Parco della Musica di Roma il concerto di presentazione del secondo volume del critico Adriano Mazzoletti dal titolo "Il Jazz in Italia. Dallo swing agli anni Sessanta" (EDT) con la partecipazione di oltre 50 musicisti del jazz italiano, in un concerto che sarà trasmesso in diretta su Radio3 a partire dalle ore 21.
La storia del grande jazz italiano rivive per una sera all’Auditorium Parco della Musica di Roma. Più di cinquanta musicisti si esibiranno venerdì 28 maggio alle ore 21 nella Sala Petrassi per presentare il nuovo libro di Adriano Mazzoletti, "Il Jazz in Italia. Dallo swing agli anni Sessanta", pubblicato da EDT.
Alla conversazione a più voci tra esperti di jazz italiano e non solo - Leone Piccioni, Marcello Piras, André Clergeat, Marco Santoro e naturalmente l’autore del testo, Adriano Mazzoletti - si alterneranno momenti musicali dedicati alla straordinaria stagione del jazz italiano dal secondo dopoguerra agli anni Sessanta.
Si esibiranno formazioni storiche riunitesi per l’occasione, come il Sestetto Dino & Franco Piana con Sandro Deidda, i Saxes Machine di Bruno Biriaco, il Trio Amedeo Tommasi-Giovanni Tommaso-Franco Mondini e la Nuova Roman New Orleans Jazz Band, alcuni fra i protagonisti di quegli anni, da Giampiero Boneschi, a Gianni Coscia, a Carlo Loffredo, e artisti della scena attuale come Enrico Pieranunzi (anche in veste di musicologo e autore dell’introduzione al volume), Rosario Giuliani, Ramberto Ciammarughi, Franco Piana, Luca Begonia e il Quintetto Swing di Emanuele Urso. La St. Louis Big Band diretta da Antonio Solimene infine renderà omaggio all’opera di Piero Piccioni con la voce della figlia Valentina e Marcello Rosa al trombone.
A Piero Angela il compito di introdurre la serata, alternando le digressioni degli esperti ai brani, tra swing, dixie e jazz di oggi.
Per ascoltare in diretta il concerto clicca qui.

È il 1943: mentre dalla Sicilia le truppe americane risalgono lo Stivale, liberandolo dal nazifascismo, il jazz si afferma definitivamente come la musica del momento nelle sue varianti – dai solisti nei piccoli club alle grandi orchestre, dell’EIAR prima e della RAI poi. Attraverso la radio, artisti come Piero Piccioni, Armando Trovajoli, Oscar Valdambrini, Giampiero Boneschi e Gianni Basso portano definitivamente il jazz nelle case italiane. Adriano Mazzoletti, in questo secondo volume de Il Jazz in Italia, soppesa e descrive gli eventi che nei tre decenni dal ’35 al ’65 circa hanno plasmato il suono italiano: attraverso ritagli di giornale, carteggi privati, archivi pubblici e ordini di servizio, programmi radio, film, registrazioni di concerti e molti altri documenti, Mazzoletti mette in risalto l’abilità di quei musicisti-pionieri, che nel dopoguerra hanno saputo declinare il linguaggio del jazz rispetto alla canzone e alla musica “ufficiale” unendo il gusto per la melodia allo swing americano. Nei due tomi che compongono il volume c’è spazio anche per la storia recente d’Italia, dalla Liberazione alle prime elezioni del ’48 fino agli anni Sessanta della DC. Scorrono le vicende musicali e non solo delle grandi città come Roma (capitale del cinema, e quindi delle colonne sonore), Milano (epicentro dell’editoria musicale), Torino (sede della grandi orchestre), ma – per la prima volta – viene pesato l’apporto della provincia, ben più di una semplice periferia jazz dell’impero. È in centri come Perugia, Pescara o Verona infatti che negli anni ’70 nasceranno i grandi festival, destinati a durare negli anni, mentre è nell’area americanizzata di Trieste (il famoso TLT – Zona A) o durante la Liberazione nel Foggiano, da cui partivano gli aerei statunitensi, che il jazz italiano può confrontarsi liberamente con quello d’Oltreoceano.
Parallelamente a tutto questo, Mazzoletti compila un poderoso apparato di scritti altrui, documenti d’epoca, indici di consultazione. Una vera e propria geografia del jazz italico, utile per districarsi nel ramificato mondo dei nomi, delle orchestre e della critica del periodo, che attraverso la carta stampata ha esercitato un ruolo basilare nello sviluppo e nella crescita di un suono, quello italiano, oggi riconosciuto internazionalmente a livelli di eccellenza.

Per acquistare il libro dal sito Internet Book Shop è possibile visitare questo indirizzo.

Podcast - Keith Jarrett Trio Live at Allentown

2010-05-26T19:25:00.005+02:00

La trasmissione A Todo Jazz dell'emittente di stato spagnola Radio 3, ha trasmesso recentemente un concerto del trio di Keith Jarrett, con Gary Peacock al contrabasso e Paul Motian alla batteria, registrato al Deer Head Inn della sua citta natale Allentown nel 1982.

Qui è possibile ascoltare il concerto in streaming, o scaricare il podcast in formato Mp3.

James Carter At Newport su JazzSet

2010-05-26T19:20:00.002+02:00

La celebre trasmissione radiofonica della NPR, JazzSet condotta da Dee Dee Bridgewater, ha presentato questa settimana un magnifico concerto del sassofonista James Carter live al Newport Jazz Festival.

Qui si può ascoltare questo strepitoso live:

Al Di Meola al Blue Note di Milano

2010-05-26T15:35:00.002+02:00

Notizia tratta dall'edizione milanese del sito del Corriere della Sera:

Dall'Argentina alla Spagna passando per il Marocco e, naturalmente, l'Italia. È un giro del mondo sulle sei corde quello che Al Di Meola regala con i suoi concerti. Un viaggio che da mercoledì 26 a venerdì 28 maggio si ripeterà due volte per sera al Blue Note. Un rapporto particolare lega il musicista italoamericano a Milano. Al Di Meola torna spesso a suonare in città e uno dei due dischi della serie «World Sinfonia», uscito nel 2008, si intitola proprio «La Melodia: live in Milano». Sul palco l'artista sarà accompagnato da Fausto Beccalossi alla fisarmonica, Peo Alfonsi alla chitarra, Gumbi Ortiz alle percussioni, Peter Kaszas alla batteria e Victor Miranda al basso.
In una performance che mette in luce l'anima più acustica di Al Di Meola. Fatta eccezione per un ritorno di fiamma di quattro anni fa, immortalato dal dvd del concerto di Leverkusen, il chitarrista imbraccia sempre meno la chitarra elettrica. Una scelta obbligata anche dai disturbi all'udito causati da anni di volumi troppo alti. Dei suoi 55 anni, infatti, Di Meola ne ha trascorsi più di 30 sul palco e in sala di registrazione. Nel 1974, non ancora ventenne, si è unito a Chick Corea nella band dei Return to Forever. In breve tempo si è fatto strada a suon di assoli velocissimi e di una tecnica innovativa. Caratteristiche racchiuse già nel suo primo album solista, «Land of the Midnight Sun», datato 1976.
Tante le collaborazioni prestigiose nel corso della sua carriera: dall'esperienza con Paco De Lucia fino a quella tutta italiana con Pino Daniele. Album dopo album il nome di Al Di Meola è diventato sinonimo di «fusion». Per avere un'idea del suo stile basta ascoltare il suo secondo lavoro, «Elegant Gypsy», in cui le sperimentazioni jazz incontrano le influenze latine. Il risultato è uno stile che per ben 14 volte gli vale il titolo di «miglior chitarrista» assegnato dalla rivista Guitar Magazine.

Ecco un video di Di Meola live a Burghausen (Germania) il 19 marzo 2009

To The One - John McLaughlin 4th Dimension

2010-05-26T15:15:00.005+02:00

Nelle note di copertina di To the One, il chitarrista John McLaughlin, scrive un breve saggio sulla profonda ispirazione che A Love Supreme di Coltrane ha avuto su di lui sia musicalmente che spiritualmente. Nella Mahavishnu Orchestra, quel debito era evidente; inoltre McLaughlin ha anche reso omaggio diretto al sassofonista sull'album After the Rain, che presentava non solo materiale di Coltrane, ma vedeva anche la partecipazione del batterista Elvin Jones.
Con il suo gruppo 4th Dimension, formato da Gary Husband alle tastiere; Mark Mondesir alla batteria e il bassista camerunense Etienne M'Bappé - McLaughlin esplora un jazz elettrico che è profondamente e direttamente in debito con la musica modale e di interazione lirica di Coltrane, come anche negli aspetti emotivi e spirituali delle espressioni del sassofonista.
Questo è davvero una delle migliori registrazioni di jazz-rock disponibili. La musicalità e l'energia del gruppo dovrebbe essere un modello per qualsiasi aspirante musicista professionista. Questo è un gruppo veramente eccezionale guidato da uno dei migliori chitarristi in circolazione. E sicuramente diventerà uno dei classici di tutti i tempi di questo genere.

Per acquistare l'album dal sito CdUniverse, potete visitare questo indirizzo.

Ed ecco il video di The Fine Line, tratto dall'album

Nina Simone. Una vita - David Brun-Lambert

2010-05-26T14:56:00.004+02:00

II suo vero nome era Eunice Waymon, ma nell'America segregazionista degli anni trenta per affermarsi dovette ribattezzarsi Nina (come bambina in spagnolo) Simone (come l'ammirata Simone Signoret). Avrebbe voluto entrare al conservatorio e diventare la prima concertista di musica classica nera, ma proprio il colore della sua pelle glielo impedì. Divenne quindi cantante jazz per caso. Ma, pianista prodigiosa e voce potente qual era, conobbe un successo folgorante, grazie anche alle grandi capacità sceniche.
Nella sua ben documentata biografia di Nina Simone, David Brun-Lambert si sofferma tanto sulla figura pubblica della straordinaria musicista e dell'impegnata militante politica, quanto su quella privata della donna vulnerabile, che andò incontro a delusioni e sconfitte, e conobbe la solitudine, soprattutto negli ultimi anni di vita. Attingendo tra l'altro all'autobiografia di Nina Simone e alle testimonianze di figure a lei vicine (manager, musicisti, amici intimi, avvocati, oltre ad artisti come Charles Aznavour o Toni Morrison), ma anche alle parole di persone meno celebri che l'hanno conosciuta e hanno lavorato con lei, l'autore offre un ritratto a tutto tondo del suo personaggio, al di là dei cliché.
La componente artistica e musicale riveste una grande importanza nel libro, ma non mancano anche notazioni sulla militanza politica, a fianco del Movimento per i diritti civili dei neri a partire dagli anni cinquanta e sessanta.

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Le polifonie vitali di Charles Mingus

2010-05-26T13:16:00.002+02:00

Il sito Il Recensore.com ha pubblicato una bella recensione del libro di Stefano Zenni, Charles Mingus. Polifonie dell’universo musicale afroamericano, pubblicato da Stampa Alternativa nel 2007.
Ecco un estratto dell'articolo:
Il libro è incentrato principalmente sull’opera del grande compositore e contrabbassista jazz soffermandosi anche sulla sua vita e su un periodo storico americano difficile ma pieno di fermento culturale.
Stefano Zenni analizza i brani storici di Charles Mingus seguendo un filo concettuale più che cronologico addentrandosi nei meandri della sua musica e spiegando ogni singolo dettaglio con la precisione di un giornalista e la passione di un fan.
“Charles Mingus” è un’opera fondamentale sia perché per la prima volta in Italia viene analizzata l’opera mingusiana alla luce di un quadro culturale e antropologico americano ma soprattutto perché è un libro che appassiona e incuriosisce il lettore nonostante le diverse ostilità e parti tecniche che si incontrano durante il percorso di lettura. Ma la difficoltà di comprensione di alcuni passaggi oggettivamente difficili non deve scoraggiare il lettore che, sicuramente, rimarrà estasiato dalla bravura di Zenni nell’affrontare un autore raffinato ma complesso e dalla grandezza di un personaggio che ci ha lasciato alcune pietre miliari come “The Black Saint and the Sinner Lady” e che ha anticipato diverse tendenze grazie alla sua intelligenza musicale e ad un’energia creativa mai esaurita nel corso della sua carriera.
Il saggio di Stefano Zenni, quindi, non è una biografia patinata ma un punto di riflessione, un’opera didattica che strizza l’occhio al musicista e ai fan di Mingus ma che non trascura affatto i neofiti ponendo, infatti, a corollario del testo una bibliografia introduttiva all’artista, una bibliografia, una discografia selezionata e una videografia.
La collana “New Jazz People” della casa editrice Stampa Alternativa riesce ancora una volta ad offrire un saggio importante che supera sicuramente le aspettative del lettore introducendolo in un universo sospeso tra composizione e scrittura, musica contemporanea e jazz, dove la musica si fa portatrice di valori sociali condivisibili che lega al suo percorso comunicativo.
Qui si può ascoltare una intervista all'autore del libro.

Renzi, D’Amato, De Federicis: domenica 30 maggio tre abruzzesi suoneranno alla Carnegie Hall di New York

2010-05-26T13:08:00.002+02:00

Notizia tratta dal sito www.lopinionista.it
Domenica prossima, 30 maggio, presso la prestigiosa Carnegie Hall di New York, saranno presentati in concerto tre musicisti abruzzesi, ben noti per la loro attività concertistica a livello internazionale, Marco Renzi (compositore, arrangiatore, direttore d’orchestra), Bepi D’Amato (clarinetto) e Mauro De Federicis (chitarra).
Marco Renzi è il fondatore e direttore stabile della Italian Big Band, della quale Bepi D’Amato e Mauro De Federicis sono sempre stati i solisti principali. Marco Renzi e Bepi D’Amato (quest’ultimo considerato uno dei più grandi clarinettisti di Jazz viventi da alcuni musicisti di fama internazionale come Buddy De Franco, Jon Faddis, Dee Dee Bridgewater, Gary Smulyan), negli ultimi anni hanno portato nel mondo le più belle melodie italiane di ogni tempo, arrangiate da Renzi in stile americano per l’organico della big band.
I due musicisti hanno performato numerosi concerti (Renzi come direttore, D’Amato come solista) in Germania, Emirati Arabi Uniti, Romania, Grecia, Brasile, Taiwan, Stati Uniti, spesso con ospiti del calibro di Dee Dee Bridgewater o Jon Faddis, e tenuto masterclasses in varie università statali e private in Germania (University of Mannheim) e Stati Uniti: De Paul University e Columbia College a Chicago, Western Illinois University a Macomb, IL, Georgia State University ad Atlanta, University of Colorado a Boulder, University of Utah a Salt Lake City etc.
Proprio con la Western Illinois University Orchestra, Marco Renzi e Bepi D’Amato si esibiranno domenica prossima 30 Maggio 2010 a New York, in una delle sale da concerto più importanti ed ambite (dai musicisti!) del mondo, accompagnati per la grande occasione anche da Mauro De Federicis, chitarrista di grande esperienza internazionale (solista con la Italian Big Band sin dalla sua fondazione nel 1993), ben noto per la sua grande sensibilità e versatilità, che gli consentono di spaziare dal Jazz alla musica leggera, dal pop al tango in tutta facilità.
Significativa per De Federicis la sua collaborazione, negli ultimi anni, con Milva, con la quale ha lavorato nei più importanti teatri del mondo. Come è noto, pochi grandissimi musicisti classici italiani hanno avuto il privilegio di dirigere o suonare alla Carnegie Hall, ma nessun musicista italiano era ancora riuscito a dire (suonare) la sua in Jazz nella mitica sala da concerti di New York; ebbene, i primi italiani a suonare Jazz alla Carnegie Hall saranno Marco Renzi, Bepi D’Amato e Mauro De Federicis, naturalmente con l’approvazione del Direttore Artistico (del settore Jazz), un certo signor Wynton Marsalis.

Presentazione del libro "Bitches Brew Genesi del capolavoro di Miles Davis"

2010-05-26T11:34:00.000+02:00

Venerdì 28 Maggio alle ore 18:30 presso la Libreria Mondadori di Mirano (VE), Enrico Merlin e Veniero Rizzardi presentano il libro Bitches Brew. Genesi del capolavoro di Miles Davis.
Il libro scritto da Veniero Rizzardi e Enrico Merlin è un viaggio attraverso la “svolta elettrica” di una delle figure carismatiche della cultura del’900, attraverso ascolti guidati, aneddoti e racconti. Si tratta di un viaggio nel mondo di Miles Davis partendo da un suo album che ha segnato un epoca, un disco che è diventato il manifesto della filosofia sonora che sta dietro a tutto il movimento, punto di arrivo della sperimentazione modale e trampolino per nuove sperimentazioni sul versante dell’improvvisazione, dell’organizzazione del materiale musicale e di innovative tecniche di studio.
“The Sorcerer”, “The Prince Of Darkness”, “Dark Magus”, “Black Devil”, sino a “Il Picasso Del Jazz”, questi invece gli appellativi attribuiti a Miles Dewey Davis III (1926 – 1991), leader e catalizzatore di talenti.
Mentre si ripulivano i prati di Woodstock, Miles Davis portò in studio un’”orchestra” senza precedenti: tredici solisti con chitarre e tastiere elettriche, quattro percussionisti, un clarinetto basso, un sax soprano. Con qualche appunto sulla carta e dopo solo una serata di prove, in tre mattine si registrò un disco la cui portata storica fu subito chiara.
Fin dalla sua pubblicazione, “Bitches Brew” ridefinì il campo della musica contemporanea e influenzò intere generazioni di musicisti e di ascoltatori.
Era ancora “jazz”? Molti parlavano del capostipite di un nuovo genere musicale che fondeva le sottigliezze improvvisative del jazz con l’energia del rock. Ma la vera, inaudita novità stava nelle proporzioni, nel respiro formale di brani insolitamente estesi per venti e più minuti, frutto di un sapientissimo lavoro di postproduzione. Visionario, psichedelico, progettato come un’opera musicale innovativa e allo stesso tempo pianificato come un grande successo commerciale, “Bitches Brew” fu il risultato di una serie di esperimenti durati alcuni anni, durante i quali la visione artistica di Miles entrò in una fruttuosa tensione con gli interessi del suo editore, ma potè contare sempre sulla sottile mediazione del produttore-compositore Teo Macero. Consultando per la prima volta un corposo materiale d’archivio, e grazie all’accesso ai nastri di lavoro conservati presso la Columbia, Enrico Merlin e Veniero Rizzardi ricostruiscono la genesi dell’album.

Una brillante improvvisazione per tre decenni in divenire

2010-05-25T10:01:00.002+02:00

Una notevole recensione del meraviglioso album Jasmine del duo Jarrett / Haden è stata pubblicata sul sito del The Globe and Mail
Two old friends get together one night. Long ago they had worked together, first in a trio, then a quartet, but they hadn’t made music together in over three decades. Still, the guest has his bass, and the host a home studio with a funky old Steinway, so they decide to play a few numbers and see what happened.
Jasmine is the result, an album pianist Keith Jarrett describes in the liner notes as having taken three days to record, and three years to sort out. And man oh man, was it worth the effort.
Even though it didn’t start out as a social get-together – Jarrett was being interviewed for Reto Caduff’s 2009 documentary on bassist Charlie Haden (Charlie Haden: Rambling Boy) – it quickly became not just convivial but, as the best of these performances attest, an act of communion that brought out the best in two very different musical minds. Between his bright, luminous tone and effortless facility, Jarrett’s playing seems almost to sparkle, a quality that lends a lightness and felicity to his improvisations no matter how melancholy the tune. Haden’s bass, by contrast, has a dark, woody timbre that underscores the spare, deliberate character of his line.
What they have in common is an almost innate lyricism, and that’s a dominant feature of Jasmine. Also in the liner notes, Jarrett describes the jasmine as “a night-blooming flower with a beautiful fragrance,” and offers that as a model of what he and Haden tried to evoke with the eight love songs assembled here. Although some, such as Body and Soul or For All We Know, will be familiar to most jazz fans, many feel like fresh discoveries.
But that’s less a matter of forgetting the originals than being wowed by how completely Jarrett and Haden have inserted themselves into the fabric of melody. Take, for instance, One Day I’ll Fly Away, a lovelorn ballad originally recorded by Randy Crawford (and later covered by Nicole Kidman in Moulin Rouge). As the harmonies undulate from major to minor, Haden and Jarrett gradually work their way into the chord structure, developing secondary lines that so perfectly capture the sweetness of the vocal line it’s easy to forget that what they’re playing is improvised.
Even when their approach is more straight-ahead, as on Body and Soul, the playing is so vibrantly original that it’s almost a disservice to think of the songs as standards. Think instead of them as special, and hope that we don’t have to wait another 30 years for the next convergence of this wonderful duo.

Udin&Jazz 2010

2010-05-25T08:32:00.001+02:00

Giunge alla ventesima edizione il festival Udin&Jazz, organizzato dall’Associazione Culturale Euritmica, con la collaborazione della Regione Friuli Venezia Giulia, della Provincia di Udine e del Comune di Udine, inserita nel contenitore di UdinEstate che anche quest’anno si segnala per la scelta inequivocabilmente originale dei contenuti e che in occasione di un importante compleanno si delinea quanto mai “provocatoria” nelle intenzioni e trasversale nelle proposte dei generi. Figure carismatiche e “trasgressive”, portavoci delle più diverse espressioni musicali ma anche di messaggi dalla profonda portata culturale, sociale, emotiva: questi i “ragazzacci” del mondo di Udin&Jazz 2010, che portano nel capoluogo friulano le testimonianze dei linguaggi jazz più all’avanguardia e di qualità, ma anche ampi sguardi al blues, al rock, al pop, al soul e alla musica popolare, che nella passionalità, nell’anticonformismo, nell’impegno sociale, nella volontà di partecipazione hanno il loro comune denominatore.
Come ormai nella tradizione il festival esordisce in provincia con una serie di appuntamenti itineranti che vedono protagonisti alcuni tra i migliori nomi del panorama jazz friulano: il sassofonista e compositore Nevio Zaninotto (figura di riferimento del jazz del Friuli Venezia Giulia e musicista dall’esperienza più che ventennale)- , con il suo gruppo Art Project è interprete, come spiega egli stesso, di uno stile “classico, ben fatto, basato sul brillante fluire creativo”, lontano dagli sperimentalismi, e apre la rassegna a San Giorgio di Nogaro, sabato 19 giugno, alle 21. A seguire lunedì 21 giugno a Cervignano del Friuli (ore 21) sale sul palcoscenico il Juri Dal Dan Trio: protagonista dal 2002 di svariati festival e alla sua terza incisione discografica, qui la formazione si presenta con un ospite d’eccezione, il batterista romano Massimo Manzi, già collaboratore, tra gli altri, di solisti del calibro di Metheny, Wheeler, Fresu, Urbani, Rava, …
Conclude la sezione itinerante il progetto “Secret Stories” del Maurizio Pagnutti Jazz 6et a Tricesimo, martedì 22 giugno, alle 21: un gruppo recente, dal grande impatto sanguigno, elevata precisione tecnica e un misto di sensibilità jazz, vitalità funky, energia blues e innata istintività.
Il festival approda nel centro di Udine mercoledì 23 giugno: le strade e i luoghi d’incontro del capoluogo friulano vivono di musica e di cultura in ogni loro angolo (molte le iniziative musicali e culturali che arricchiscono le giornate udinesi) e gli appuntamenti con le performance musicali (tre concerti al giorno, a partire dalle ore 18) sono anticipati dagli Incontri Jazz, curati dal critico Neri Pollastri, dove il pubblico avrà la possibilità di incontrarsi, parlare, confrontarsi con i protagonisti del festival: primo degli incontri in programma, quello con il clarinettista e saxofonista udinese Daniele D’Agaro, il 23 giugno alle 16, nella Chiesa di San Francesco, nuova suggestiva location del festival, dove il musicista presenta anche alcuni video raccolti nei suoi tour americani.
Beat Spirit è il progetto di Francesco Bearzatti (sax/clarinetto) e Claudio Cojaniz (pianoforte) che apre la serie dei concerti nella prima giornata udinese, nella Corte di Palazzo Morpurgo alle 18: l’operazione sonora del friulanissimo duo delinea il suo spirito, anche grazie alle incursioni pittoriche improvvisate on-stage da Roberto Taverna. Segue nella Chiesa di San Francesco, alle 19.30 il D’Andrea Three: Franco D’Andrea al pianoforte, Daniele D’Agaro (udinese al top dei referendum tra i sax italiani) al clarinetto e Mauro Ottolini al trombone, tre veri mattatori del palcoscenico, propongono una set intenso che attraversa tre generazioni.
Chiude la prima giornata udinese la performance della statunitense Dana Fuchs (sempre il 23 giugno al Teatro San Giorgio, alle 22) con la sua band. Una voce sanguigna e travolgente per la sua potenza, una presenza scenica totalizzante, vibranti le influenze soul, rock e blues della sua musica: Dana Fuchs è un’artista dal talento eccezionale e poliedrico (celebre il ruolo di Janis Joplin interpretato in “Love, Janis” e di Sadie in “Across the Universe”): lei stessa definisce le sue canzoni caratterizzate da una “vibrazione soul e rock… ma con un tocco di realismo”.
Giovedì 24 giugno il festival prosegue con i Mocambo Swing che presentano, nella Corte di Palazzo Morpurgo alle 18 il lavoro discografico “La Bela Vie”, accompagnati dalle incursioni pittoriche di Massimiliano Gosparini. Uno stile che fa dell’eterogeneità la propria forza, quello dei Mocambo Swing, che mescolano con ironia il mondo verace della musica gypsy con quello intellettuale del jazz. Di grande impatto per la loro visionarietà e bellezza le illustrazioni “live” dell’artista udinese Massimiliano Gosparini. I Presi per caso proseguono la giornata in Piazza Matteotti alle 19.30: una band fondata nel 2004 per volontà di alcuni ex detenuti che, scontata la pena, decidono di fare da trait d’union fra la società “dei liberi” e quella delle carceri, sensibilizzando l’esterno al problema della vita in prigione e portando all’interno delle mura solidarietà e spiragli di vita esterna. Un appuntamento inusuale conclude la giornata: “Il mio mitra è un contrabbasso” è il titolo della serata tributo a Demetrio Stratos (alle 22 nella Chiesa di San Francesco). All’inizio è previsto un incontro, a cura di Neri Pollastri, che vede la partecipazione di Patrizio Fariselli e Paolo Tofani degli Area, Daniela Ronconi Demetriou (moglie del cantante) e Luciano D’Onofrio e Monica Affatato, autori del documentario “La Voce Stratos”, che viene proiettato a conclusione dell’incontro. Pubblicato nel 2009 con molte testimonianze inedite, “La Voce Stratos” è un video che, oltre a rappresentare l’importanza della rivoluzione vocale imposta dalle tecniche arcaiche di Demetrio Stratos, e il suo imprescindibile messaggio verso la ricerca e la sperimentazione, il suo anelito verso il nuovo, il suo rifiuto di tutte le imposizioni dogmatiche, ritrae su diversi piani le inquietudini politiche e sociali del movimento degli anni Settanta e la realtà culturale a partire dalla fine dei Sessanta.
Venerdì 25 giugno continua il tributo alla storia musicale degli anni Settanta con l’incontro, nella Chiesa di San Francesco, alle 16, con Patrizio Fariselli, Ares Tavolazzi e Paolo Tofani, protagonisti dell’Area Reunion, al centro del grande concerto finale della serata.
Nel pomeriggio (ore 18, Corte Palazzo Morpurgo) va in scena il progetto di Salvatore Russo e il suo Gypsy Jazz Trio. Al suo terzo disco come chitarra solista, l’ultimo cd in ensemble, del 2009, inciso con Speciale e con Stochelo Rosenberg è dedicato al gipsy jazz (il titolo è “La touche manouche”), che trae origine dall’esperienza artistica di Django Reinhard e mescola gli influssi dell’antica tradizione zingara Manouche e il jazz americano.
Gradito ritorno è quello di Zlatko Kaucic (che segue, alle 19.30, in piazza Matteotti), percussionista di livello mondiale sulla scena del jazz d’avanguardia che, dopo la spettacolare performance con Saadet Turkoz e Giovanni Maier per Udin&Jazz 2009, propone quest’anno il suo Zlatko Kaucic Kombo, un ensemble di giovani musicisti sloveni che da sei anni suonano assieme un repertorio di brani composti dallo stesso Kaucic . La serata si conclude al Teatro San Giorgio, alle 22, con un omaggio alla grande storia della musica italiana, una scelta coraggiosa che vede riunirsi i mitici Area, la band che negli anni Settanta ha rivoluzionato il rock italiano. Protagonisti dell’Area Reunion sono Patrizio Fariselli al pianoforte, Ares Tavolazzi al contrabbasso e Paolo Tofani alle chitarre ed effetti elettronici; a loro si unisce il batterista friulano U.T. Ghandi. Il contributo della band alla storia del rock – da “Caution Radiation Area” a “Are(a)zione” a “Maledetti (Maudits)” – e alla ricerca dei più provocatori accostamenti (c’è davvero ogni tipo di espressione negli esperimenti degli Area, dal pop al progressive, dal jazz alla world music in embrione), non è solamente una rivoluzione formale degli stilemi musicali, l’imposizione di una nuova avanguardia, ma anche un nuovo modo di sperimentare i contenuti delle canzoni, la volontà di esprimere un messaggio reale e una presa di posizione dal forte impatto sociale e politico che rivive oggi con la stessa forza e attualità di allora.
L’ultimo giorno (sabato 26 giugno) che anima il centro cittadino, prima del gran finale atteso sul piazzale del Castello, esordisce con un’esperienza speciale: alle ore 16, nella Chiesa di San Francesco, Pino Saulo, giornalista e critico di Rai Radio 3, intervista il grande James Blood Ulmer, protagonista del concerto finale della serata. Accanto a lui, ad “interpretare” l’intervista, Antonia Tessitore: l’incontro – naturalmente aperto al pubblico – verrà registrato e mandato in onda all’interno di Battiti, trasmissione del palinsesto di Rai Radio 3.
Alle 18, a Corte Palazzo Morpurgo, si prosegue con il Massimo De Mattia Mikiri Quartet. De Mattia è compositore e sperimentatore e le sue opere discografiche suggeriscono spesso riferimenti extra-musicali (Schiele, Artaud, Bataille, Genet, Giacometti, Pasolini…); con oltre quindici dischi all’attivo, De Mattia è un artista versatile e si presenta a Udine alla guida di una band di ottimi musicisti friulani.
Alle 21, al Teatro San Giorgio, il sorprendente L’Apertura 2010, spettacolo a metà strada tra reading e concerto, della “ragazzaccia” Nada, qui assieme al fondatore di una delle band più significative nella storia del rock italiano, i CCCP, Massimo Zamboni. In scaletta, brani di entrambi i repertori solisti con alcune perle dei CCCP cantate dalla magica voce della Signora Malanima. Sul palco ci saranno anche Simone Filippi e Luca Rossi degli Ustmamò.
Un commiato emozionante ci porta infine alla Chiesa di San Francesco , alle 23, con un’icona del jazz mondiale, in esclusiva nazionale: James “Blood” Ulmer, “un incrocio tra Jimi Hendrix, Bob Dylan e Mike Bloomfield”, come è stato definito, che porta a Udine l’ultimo dei suoi lavori discografici, un’appassionata e sofferente testimonianza della New Orleans travolta dall’uragano Katrina.“Bad blood in the city. The piety street sessions” (questo il titolo del cd) è datato 2007, quasi tre anni dopo il dramma di Katrina, ma non è un caso: “è stato più importante registrare questa musica più tardi piuttosto che subito dopo l’uragano. Quando i media non erano più concentrarti sull’evento, è allora che la tragedia è cominciata a scivolare via dalla memoria: ma non dobbiamo dimenticare. Parlarne è una piccola strategia per evitare che il ricordo cada nel buio”. Queste canzoni sono l’essenza del blues: politicamente “scorrette” per precisa volontà, tristi e ossessive, toccano problematiche esistenziali e rappresentano le contraddizioni e le complicazioni dell’America, che Blood affronta con passione e struggimento nella sua musica sin dall’inizio della sua carriera.
E si rinnova la tradizione di un ultimo, cruciale appuntamento presso il Castello di Udine, distaccato dal calendario quotidiano del festival e atteso come una grande festa finale: per l’edizione 2010 protagonista del “cameo” conclusivo della manifestazione (il primo luglio alle 21.30) è il fascino di Malika Ayane, “dalla voce arancione scuro che sa di spezia amara e rara” (così ne parla Paolo Conte): dopo aver conquistato pubblico e critica nel 2009 con il suo album d’esordio e il conseguente tour con più di 30 date in tutta Italia, Malika Ayane porta dal vivo il suo nuovo album “Grovigli” (uscito su etichetta “Sugar” il 19 febbraio) in uno spettacolo affascinante in cui alterna i nuovi brani ai già numerosi successi come “Feeling better”, “Sospesa” e “Come foglie”. Con il brano “Ricomincio da qui”, che vede la collaborazione di Malika Ayane con Pacifico sulle musiche scritte da Ferdinando Arnò, l’artista ha vinto quest’anno il Premio della Critica intitolato a Mia Martini e attribuito in base ai voti delle testate accreditate al Festival di Sanremo. A Udine con Malika Ayane una band dal grande interplay: Giulia Monti al violoncello, Stefano Brandoni alla chitarra, Marco Mariniello al basso, Carlo Gaudiello alle tastiere e Phil Mer alla batteria.
Arricchiscono la manifestazione, da mercoledì 23 a sabato 26, alla Chiesa di San Francesco (tutti i giorni dalle 15.30 alle 23.00) un’interessante mostra fotografica che ripercorre i più bei momenti legati al festival, dal titolo “VENT’ANNI DI UDIN&JAZZ”, con una selezione degli scatti più significativi ed emozionanti di Luca d’Agostino/Phocus Agency e gli Aperitivi Jazz, ogni giorno alle 12.00, all’Osteria Alla Ghiacciaia.
Inoltre, visto il successo ottenuto nella sua prima edizione, si ripropone il Workshop “Cantare Interpretare Emozionare”, con la direzione artisca di Barbara Errico (da venerdì 25 a domenica 27 – Università degli Studi, Sala Florio – Palazzo Florio)

Atina Jazz Festival 2010

2010-05-25T07:47:00.004+02:00

Si è svolta ieri a Cassino la conferenza stampa di presentazione della XXV edizione dell'Atina Jazz Festival.
Le aspettative legate all'edizione di quest'anno sono molto alte e guidate da un rinnovato spirito di entusiasmo riscontrabile dal successo delle ultime tre edizioni. Qualità, Sperimentazione e Sinergia con il territorio sono le parole chiave che guidano il lavoro della direzione del Festival e che sono alla base delle scelte artistiche, organizzative e logistiche.
In tutte le sue forme, partendo dal livello degli artisti, mai così grandi nomi sono stati concentrati tutti insieme ad Atina in una stessa edizione. A questa qualità contribuiscono poi iniziative collaterali come il concorso fotografico o la sezione “momenti di jazz” o le masterclass e i seminari, fino alla collaborazione con Radio1 Rai e con Palco Reale per il concorso DEMO Jazz Award e per lo spettacolo “Storie di Piazza”.
A proposito proprio di sperimentazione, importante sarà questo incontro tra il jazz e il teatro d’improvvisazione, previsto per il 21 luglio, che troverà espressione proprio nello spettacolo già citato prima, organizzato da Radio 1 Rai e nel quale musicisti, attori, pubblico, interagiranno tra loro inventando una vera e propria storia. Radio 1 trasmetterà poi lo spettacolo il 1° agosto.
Grande novità dell’edizione 2010 sarà, come già accennato, il concorso DEMO JAZZ AWARD, ideato in collaborazione con Radio 1 Rai ed in particolare con la trasmissione acchiappatalenti DEMO condotta da Micheal Pergolani e Renato Marengo. Gli storici autori e conduttori saranno presenti in conferenza stampa e faranno il punto della situazione sulle iscrizioni a questa nuova sezione dedicata ai giovani talenti, grazie alla quale una formazione con un progetto jazz inedito potrà aggiudicarsi un sogno: quello di vincere un tour in Nord America, tra Stati Uniti e Canada con la possibilità di esibirsi in importanti Festival e Jazz Club (Toronto, Rochester, Cleveland). Saranno 15 i gruppi che previsti per le finali del DEMO JAZZ AWARD, che si svolgeranno dal 28 al 31 luglio presso la Villa Comunale di Cassino nell’ambito della II edizione di Cassino Jazz. Sarà presente in conferenza stampa per un saluto ed un riferimento al villaggio DEMO che si allestirà appositamente proprio in quei giorni, il Direttore Eventi SIAE Filippo Gasparro.
Nel cuore di Atina Jazz, dal 21 al 25 luglio, i momenti topici saranno rappresentati dal concerto di Ornette Coleman e dal concerto evento ECM, realizzato in esclusiva il Festival. Entrambi hanno il sapore di qualcosa che va al di là delle gabbie tradizionali della musica e dei live che siamo abituati forse ad ascoltare nei festival jazz italiani.
Il progetto “Two Bass Quartet” di Coleman (24 luglio) per chi non avesse mai avuto il piacere di ascoltarlo dal vivo, rappresenta un’esperienza al di fuori dei confini musicali, in cui il concetto di musica “free” dell’ottantenne sassofonista americano trova la sua più alta espressione.
Il concerto evento ECM del prossimo 25 luglio invece, sarà dedicato alle musiche di un altro grande della musica internazionale: Dino Saluzzi, che quest’anno celebra i suoi 75 anni e che, sotto l’impulso creativo di Manfred Eicher, ha voluto con sé per questo appuntamento unico, altri sei musicisti da tutta Europa, espressione anche loro dell’etichetta tedesca e con i quali nel corso della sua lunga carriera artistica si è trovato a collaborare.
Sarà la prima volta che i sette artisti si troveranno insieme su un palco in un concerto dal vivo per sperimentare, appunto, nuove sonorità e sondare i limiti della musica jazz, contemporanea e popolare.
Altro importante evento è il concerto del 22 luglio, con il concerto di Dee Dee Bridgewater che presenterà il suo ultimo progetto To Billie With Love: A Celebration of Lady Day.
Ormai Atina Jazz è davvero diventato un marchio riconoscibile a livello nazionale ed internazionale, tanto da assumere anche un ruolo di “consulente” dell’aspetto musicale delle varie manifestazioni culturali dell’intera Provincia.
Questa sinergia non si limita solo al nostro territorio provinciale ma va al di là dei confini addirittura nazionali, attraverso le collaborazioni ormai instaurate tra Atina Jazz e il Canada e gli Stati Uniti, in particolare con prestigiosi College come l’Humber School di Toronto e festival internazionali come il Rochester Jazz Festival (NY). A testimoniare tutto questo, la presenza di musicisti canadesi durante la prossima edizione, protagonisti sia di concerti che di seminari didattici.
Inoltre, grazie anche alla disponibilità della nuova e suggestiva cornice del cortile di Palazzo Ducale di Atina, il programma di Atina Jazz sarà arricchito sempre di più da numerosi e affascinanti “incontri in jazz”, dove musica e sapori del territorio si fonderanno per ricevere al meglio gli amici di Atina Jazz Festival.
I concerti lasceranno il posto a degustazioni enogastronomiche in cui le eccellenze del territorio saranno protagoniste per fondersi in un cuore pulsante di musica, creatività ed innovazione che darà vita ad un mese di grande jazz itinerante, nel segno di quella che sarà un’edizione unica della storia dei 25 anni di Atina Jazz.
Per informazioni www.atinajazz.com

I concerti della settimana

2010-05-24T19:39:00.002+02:00

Martedì 25/05/2010
ore 19,00
BOBBY MCFERRIN (link)

ore 21,00
ROSWELL RUDD & ARCHIE SHEPP - NYC - 2000 (link)

ore 22,00
STEVE LACY / ULRICH GOMPERT / MISHA MENGELBERG Live 1996 (link)

ore 22,40
RAY ANDERSON POCKET BRASS BAND ec direct au studio 15 de la RSR à Lausanne (link)

Mercoledì 26/05/2010
ore 12,30
CLAUDIA QUINTET med JOHN HOLLENBECK 4/7/2009, Jazzbaltica, Salzau (link)

Giovedì 27/05/2010
ore 20,05
MUSIKTRIENNALE KÖLN 2010 - 14. Mai 2010 aus dem Kölner Funkhaus
Guus Janssen Hollywood O.K. Pieces / Cyro Baptista & Banquet of the Spirits / Henry Threadgill & Zooid / Evan Parker Electro-Acoustic Ensemble (link)

ore 21,00
GEORGE LEWIS Conducts PMJO - "A Power Stronger Than Itself" in diretta dal Parco della Musica in Roma (link)

ore 21,00
RHODA SCOTT en direct de Roland Garros (link)

Venerdì 28/05/2010
ore 21,00
MUSICA PER ROMA: Il jazz in Italia. Dallo Swing agli anni Sessanta (link)

ore 21,00
MARIAN PETRESCU "Thrivin" - Live at Jazz Standard (link)

ore 22,02
BEN ALLISON QUARTET 11-7-2008 in het Bimhuis in Amsterdam (link)

ore 22,30
JIM HALL TRIO am Jazz Festival Basel 2010 (link)

ore 22,40
MICHAEL BRECKER with HARALD HAERTER GROUP - Willisau 1997 (link)

Sabato 29/05/2010
ore 2,00
SHEILA JORDAN Lisbon Hot Club 8/10/2008 (link)

ore 19,05
Montreux Jazz Festival, Juli 2009
GEORGE DUKE TRIO with special guest CHAKA KHAN;
MCCOY TYNER TRIO with guest performances of BILL FRISELL & GARY BARTZ (link)

Domenica 30/05/2010
ore 0,00
NDR BIG BAND, dirigé par MARIA SCHNEIDER Enregistré le 4 juillet 2009 à Salzau (Allemagne) (link)

ore 0,00
JACK DEJOHNETTE "Jazz Goes to Town" Festival 2009 Hradec Králové, Rep. Ceca - 16 ottobre 2009 (link)

ore 20,30
- TONI ALLEN OCTET
- ALICE RUSSELL
Fuego! XII. Festival di cultura e musica jazz di Chiasso (4-6 febbraio 2010) (link)

Mosaic Records pubblicherà un box set di registrazioni private di Sam Rivers

2010-05-24T09:54:00.004+02:00

Mosaic Records, etichetta celebre per aver pubblicato numerosi box-set storicamente significativi nel corso degli ultimi 27 anni, pubblicherà il prossimo novembre una raccolta di Sam Rivers. La musica è tratta da registrazioni private che Rivers effettuò nel Rivbea Studio in un loft di New York durante gli anni '70.
Rivers ha annunciato la nuova release durante un concerto e la notizia fu confermata dal produttore della Mosaic, Michael Cuscuna. E' particolarmente adatto per Cuscuna e Mosaic essere coinvolti in questo progetto, in quanto lo stesso Cuscuna produsse la sessions che ci ha lasciato uno dei migliori documenti della scena dei jazz-loft newyorkesi degli anni '70, Wildflowers, che fu pure registrato presso il Rivbea Studio.

Ecco un video del quartetto di Sam Rivers che presenta Beatrice

Pescara Jazz 2010

2010-05-24T09:45:00.001+02:00

Star internazionali, giovani talenti, una ventata di tradizione manouche: Pescara Jazz 2010 è una rassegna di sonorità fresche, trascinanti, raffinate. L’idea di canzone e repertorio attraversa tutto il programma.
Canzoni sono quelle suonate e soprattutto cantate da Diana Krall, erede dell’arte pianistica e canora di Nat King Cole. Con la sua voce vellutata e il pianismo incisivo ed elegante, la Krall si è da tempo imposta in uno stile che è a cavallo tra la grande tradizione della canzone americana e il jazz. Artista misurata, in realtà la Krall esprime una grande energia e determinazione, con il suo pianismo vivace che è il perfetto contraltare al canto sobrio e asciutto.
Non meno essenziale è l’approccio di Virginie Teychené, la nuova rivelazione della vocalità francese: interessata a qualsiasi forma di canto e influenzata dal fraseggio di Miles Davis e Sonny Rollins, la Teychené si esprime con uno stile jazz molto classico, controllato, ma con una peculiare dose di gioconda esuberanza che si manifesta anche in scelte di repertorio e arrangiamenti non scontati.
D’altra parte un repertorio si consolida quando le composizioni e le canzoni offrono una costante fonte di ispirazione agli artisti di generazioni diverse. Il gruppo di Enrico Rava che suona Gershwin ne è un esempio felice. Esso segna l’incontro tra generazioni diverse: da infallibile talent scout quale è, Rava si circonda di alcuni dei più brillanti giovani musicisti della scena italiana e con gli arrangiamenti di Dan Kinzelman affronta una serie di classici firmati Gershwin, ovvero quell’artista unico che, a confine tra jazz, musica classica e canzone, ha abbattuto prima di chiunque altro i confini tra i generi nel Novecento. Il songbook, la raccolta di “canzoni”, è nel jazz un concetto molto allargato: possono essere le canzoni di Gershwin, appunto, oppure un repertorio di pezzi, non necessariamente canzoni in senso stretto, identificati nel loro insieme da una qualche caratteristica comune.
È questo il songbook di Pat Metheny, che durante una ormai lunga carriera ha consolidato una collezione di composizioni di successo, di brani che ne hanno plasmato lo stile e la fama, che associamo al suo suono inconfondibile. D’altra parte per Metheny non è errato parlare di song, canzoni, se pensiamo alla cantabilità del suo stile, alla qualità vocale del timbro chitarristico, all’influenza della cultura popolare americana, in particolare rurale, sul suo stile maturo.
In tempi recenti, inaspettatamente, anche la musica di Django Reinhardt è diventata repertorio. Si tratta di un fenomeno curioso e affascinante: Reinhardt è stato il primo e probabilmente il più grande dei jazzisti emersi in Europa. Negli anni Trenta e Quaranta egli è diventato il simbolo di un jazz non necessariamente legato agli Stati Uniti, ma capace di esprimere i valori di una cultura diversa. Fondendo swing, musica manouche e valse musette, Reinhardt ha forgiato uno stile chitarristico e improvvisativo rimasto unico, a cui ha dato un contributo essenziale il violinista Stephane Grappelli. Dopo decenni di relativo oblio, a partire dagli anni Novanta lo stile di Reinhardt e Grappelli è diventato protagonista di un revival internazionale, che ha prodotto uno stuolo di formidabili talenti, spesso legati a intere famiglie, come il Rosemberg Trio, che qui incontra Bireli Lagrene, uno dei veterani del jazz manouche. Il gruppo del violinista Florin Niculescu, con il chitarrista Sanson Schmitt, si unirà invece all’Orchestra Sinfonica di Pescara in una singolare mescolanza di improvvisazioni gitane e suoni classici: un incontro di suoni e culture che sarebbe piaciuto allo spirito avventuroso di Django Reinhardt.
Per informazioni: www.pescarajazz.com

Bari In Jazz 2010

2010-05-24T09:40:00.002+02:00

Notizia tratta dal sito http://puglialive.net
Dal 22 al 25 giugno prossimi Bari si vestirà di jazz: saranno quattro giorni di intensa attività musicale nelle chiese, nelle piazze della città vecchia nonchè nella cornice ancor più suggestiva del castello Svevo. Il festival è così stato concepito e voluto dal direttore artistico Roberto Ottaviano e da quello organizzativo, Koblan del centro interculturale Abusuan.
La conferenza stampa di presentazione, per la verità molto affollata, si è svolta in maniera singolare su un bus turistico a due piani, che ha scarrozzato i giornalisti in giro per la città, accompagnati dalle note della tromba di Alfredo Sette. E’ stato un modo diverso di approccio, simpatico e divertente, ma che aveva un preciso scopo: era il segnale esplicito che la manifestazione vuole coniugare musica e turismo, un binomio possibile e già collaudato con successo in altri territori.
Essere arrivati alla sesta edizione con una formula che si è rivelata vincente, pone serie garanzie nel tempo e consente di programmare e progettare il futuro. D’altro canto, come ha sottolineato il maestro Ottaviano, il festival vuole creare continuità con i festival di Noci (che organizzava Vittorino Curci) e di Ruvo (il “Talos Festival” di Pino Minafra). Le premesse per andare avanti ci sono tutte, grazie alla sinergia di pubblico e privato nel sostenere la manifestazione. Ma molto interessante sembra essere anche la linea tematica che si vuole seguire indagando il rapporto fra jazz, comunicazione e mass media.
Il jazz, come è noto, è l’erede diretto e più autentico del blues, e il blues connotava tutta una generazione di neri d’Africa deportati nelle Americhe. Ma cosa è rimasto oggi del dolore che esprimevano il blues e il jazz e in quale modo i mass media hanno manipolato la natura di quella musica sconvolgendola e snaturandola? Sicuramente oggi per molti il jazz non è più rappresentativo di quello per cui è nato: per questo bisogna salvarlo per quanto possibile, dalle fameliche leggi di mercato e consumo.
Da parte sua l’Assessore al Mediterraneo, Silvia Godelli, ha sottolineato che il jazz è destinato a lunga vita, e pertanto è fondamentale costruire intorno ad esso opportunità di lavoro che investano la cultura, il turismo, il mondo imprenditoriale. C’è molta attenzione da parte dell’Amministrazione Regionale, e interesse a fare di questo Festival una calamita che coinvolga altri settori di economia.
Il programma è piuttosto nutrito e articolato con ben quattro concerti al giorno.
Si comincia il 22 giugno con un solo al contrabbasso di Giorgio Vendola, seguito al Castello da un quartetto con Ottaviano e dal gruppo dell’emergente bassista israeliano Avishai Cohen; il 23 tocca a Pippo D’Ambrosio il solo di percussioni, poi i gruppi del batterista Fabio Accardi e il trio del vocalist brasiliano Ivan Lins; il 24 giugno spazio alle fisarmoniche di Del Re e Abbracciante per spostarsi poi al Castello alla corte del trio di Vito Di Modugno e del grande bassista Miroslav Vitous. Si chiude in bellezza il 25: ancora fisarmonica con il trio di Livio Minafra; quindi Spajazzy del pianista Frank Wilkins e il quartetto di Francesco Bearzatti. Il Jazz Combo di Nicola Conte con la consueta classe metterà la parola fine alla rassegna in Piazza del Ferrarese. Nella stessa piazza però nei giorni precedenti sarà già transitata altra buona musica ogni sera dalle 23 in poi: i Funk Off, la Improbabilband e la Bandadriatics.
L’abbonamento a tutta la manifestazione è stato fissato a 40 euro per sedici concerti. A conti fatti si tratta di una cifra irrisoria.
Ci si aspetta un grande consenso di pubblico. Quello della critica c’è già!
Per informazioni: www.bariinjazz.it

Spring Jazz Festival a Genova

2010-05-24T09:29:00.003+02:00

Venerdì 28 maggio partirà lo Spring Jazz Festival organizzato da Borgoclub, in collaborazione con il Teatro della Gioventù di Genova, una rassegna che presenterà tre serate di grandi concerti.
L’Adventure Trio che aprirà lo Spring Jazz Festival 2010 il prossimo venerdì 28 maggio, vede Aldo Romano alle batterie, Alessio Menconi alla chitarra e Luca Mannutza all’organo hammond. Un progetto nuovissimo con un organico storico. Questa formazione non può non ricordare gli storici gruppi di Wes Montgomery, George Benson, Kenny Burrell. Tuttavia pur avendo una base radicata nella tradizione, ed in particolare in questi musicisti e nel bop, il trio suona in modo estremamente creativo e fuori da qualunque genere di cliché e definizione stilistica.
Si prosegue giovedì 17 giugno con il Quintetto Blue of Genoa formato da Giampaolo Casati (tromba), Stefano Guazzo (sax), Riccardo Zegna (pianoforte), Rob Lopez (batteria e percussioni), Alberto Malnati (contrabbasso). Formazione ligure doc quasi al 100%. Di Guazzo si può dire che sappia rievocare atmosfere alla Don Byas e alla Luky Thomson: ogni suo concerto si trasforma in un’occasione per nuove suggestive ambientazioni sonore che si intrecciano con le armonie di Riccardo Zegna. Il valente pianista compositore savonese, sa coniugare con esiti brillanti l’arte dell’intrattenimento con l’invito alla riflessione. Giampaolo Casati è uno dei maggiori talenti musicali a livello internazionale che offre la piazza genovese. Diplomato al Conservatorio “N. Paganini” di Genova, da diversi anni svolge attività concertistica, didattica e di arrangiatore in piccoli gruppi e Big Band. Alla sezione ritmica Alberto Malnati e Rob Lopez. Entrambi suonano con i più grandi. Alberto Malnati ha svolto un’intensa attività di side man al fianco di un gran numero di musicisti ed è uno dei contrabbassisti più solidi ed esperti della sua generazione. Rob Lopez passa con disinvoltura dal jazz al pop. E’ stato insegnante di Percussioni presso l’Harlem School of Music di New York e percussionista stabile dell’orchestra del Blue Note di New York. E’ stato in tour con Tito Puente, con il batterista jazz Walter Perkins, con Camille Gainer-Kool & the Gang e Stewart Copeland – Police e successivamente al suo trasferimento in Italia (1987) con il gruppo di Tullio De Piscopo, con i “Ladri di biciclette” per il tour Doctor jazz e Mr Funk, con Giorgia, con Irene Grandi e in tour europeo con Zucchero Fornaciari. Ha suonato in qualità di special guest con la “Brandford Marsalis Quintet” e la “Kenny Kirkland Quartet” a Umbria Jazz.
La rassegna si chiuderà martedì 22 giugno con Jesse Davis al sax e Dado Moroni al pianoforte. Quest’ultimo, anche se non ha bisogno di presentazioni, è uno dei pianisti jazz italiani più richiesti al mondo. Dopo aver debuttato a soli 17 anni con Tullio de Piscopo e Franco Ambrosetti, nel 1987 viene chiamato, unico europeo, insieme ai pianisti Hank Jones, Barry Harris e Roland Hanna, a far parte della giuria del premio internazionale pianistico Thelonious Monk, svoltosi a Washington. Nel 1988 effettua una importante tournèe in sette paesi africani con il sestetto di Alvin Queen per conto del Dipartimento di Stato americano. Collabora quindi con Clark Terry e George Robert alla tournèe mondiale organizzata dal governo svizzero per la celebrazione del settecententenario della Confederazione Elvetica. Oltre alla sua importante esperienza live, vanta oltre 50 incisioni per importanti etichette discografiche quali Sony Concorde, Contemporary Telarc Mons,TCB Record, Enja e America Concorde.
Dado Moroni porterà sul palco del Teatro della Gioventù Jesse Davis, che con 6 dischi all’attivo è uno dei leoni del jazz provenienti da New Orleans, dove è nato nel 1965. Davis segue la tradizione della famiglia Marsalis e ha mostrato segni di grande talento musicale fin dall’età di undici anni. Ha vinto premi come solista in diversi Jazz Festival, tra cui Notre Dame, Wichita di Stato, presso la New York University e la Loyola University. Nel 1989 ha vinto il prestigioso “Musicista più” presso Down Beat Music Fest a Filadelfia. La sua musica è stata descritta come “neo-bop”, con una naturale sensibilità per il blues.

Stanley Jordan The Blue Note Concert

2010-05-19T20:50:00.004+02:00

Questo è il video di un concerto dello straordinario chitarrista Stanley Jordan, ripreso live al Manhattan Center Studios il 21 marzo 1989.
La registrazione è suddivisa in tre parti, una prima parte acustica con una formazione con Kenny Kirkland: piano, Charnett Moffett: basso e Jeff Watts: drums; una parte in solo ed una parte elettrica con una formazione composta da Bernard Wright: tastiere, Yossi Fine: basso, J.T. Lewis: batteria.
Per vedere questo eccezionale documento visitate questo link.

Trilok Gurtu Band a Cormons

2010-05-19T20:36:00.003+02:00

Sabato 22 maggio, al Teatro Comunale di Cormons alle ore 21.00, concerto della Trilok Gurtu Band
La musica del percussionista e vocalista indiano Trilok Gurtu è un ponte ideale fra la cultura orientale e quella occidentale, il cui collante è rappresentato da un’originale concezione ritmica con le radici ben salde nelle tradizioni dell’India e ramificazioni che inglobano elementi africani e jazzistici.
La sua carriera inizia negli anni '70 con un fuoriclasse del free jazz come il trombettista Don Cherry, poi lo troviamo al fianco di Ralph Towner con gli Oregon, del sassofonista Jan Garbarek ed infine entra stabilmente nella Mahavishnu Orchestra di John McLaughlin. Negli anni '90 diventa ormai un imprescindibile riferimento per gli amanti della world music, ma strizza continuamente l'occhio anche al jazz ed al pop grazie anche alle collaborazioni con artisti come Joe Zawinul, Bill Laswell, Pharoah Sanders, Pat Metheny, Gilberto Gil ed il nostro Ivano Fossati.
Con la sua band presenterà l'ultimo album Massical, da lui stesso prodotto con il compositore e violinista Carlo Cantini.
La formazione è composta da Trilok Gurtu: percussioni, voce; Carlo Cantini: violino, tastiere, melodica; Andy Suzuki: sax, flauto, tastiere; Johann Berby: basso; Roland Cabezas: chitarra
Per informazioni: www.controtempo.org

Ed ecco uno splendido video della band che presenta Broken Rhythms, a Sines (Portogallo) nel 2007.

Bennie Maupin alla Casa del jazz

2010-05-19T20:27:00.004+02:00

Questa sera alle ore 21, alla Casa del jazz di Roma, in collaborazione con l’Istituto polacco, il concerto di una leggenda del jazz, Bennie Maupin con il suo gruppo. Maupin ha suonato con grandi musicisti come Roy Haynes, Mccoy Tyner, Horace Silver, Herbie Hancock. Ha suonato con Miles Davis, registrando con lui un capolavoro come “Bitches Brew”.
Bennie Maupin, leggenda del Jazz, allievo di Coltrane, ha iniziato la sua carriera con lo studio del sassofono per poi approfondire, grazie a Larry Teal, quello del flauto, trasferendo su quest’ultimo strumento alcuni aspetti della tecnica del sax. La sua esperienza come clarinettista è iniziata nel '65, quando si è trasferito dalla California a New York dove ha iniziato a lavorare con giganti del Jazz tra cui Roy Haynes, Horace Silver, Pharoah Saunders, Freddie Hubbard, Jack DeJohnette, Andrew Hill, Eddie Henderson, Woody Shaw, Lee Morgan, McCoy Tyner e Marion Brown. Ha preso parte all’incisione degli album “Bitches Brew”, “Jack Johnson” e “On the Corner” di Miles Davis. Ha collaborato con Herbie Hancock facendo parte dei “Headhunters” e del sestetto “Mwandishi”.
Come solista Maupin ha registrato nel corso della sua carriera diversi album, tra cui “Jewel in the Lotus” nel 1974, “Slow Traffic Move Right” nel 1976, “Moonscapes” nel 1978, e “Drivind While Black” nel 1998.
A partire dagli anni '60 Maupin ha frequentato assiduamente la Polonia dove ha avviato una serie di collaborazioni con diversi musicisti. Ha inciso con il chitarrista Jaros³aw Œmietana il cd di grande successo “A story of Polish Jazz”.
Gli amici polacchi hanno fatto conoscere a Maupin la città di Zakopane, ai piedi dei monti Tatra. Lì il musicista americano ha scoperto il mondo del folclore polacco e la musica di Karol Szymanowski. Ha anche avuto modo di incontrare eccellenti musicisti (Jan Karpiel Bulecka, Hania Chowaniec Rybka e altri) e ha realizzato con loro il progetto delle variazioni jazz ispirate alla musica di Szymanowski e a quella popolare dei Tatra. Il bassista polacco Darek “Oles” Oleszkiewicz è stato invitato, insieme al batterista Michael Stephans e al percussionista Munyungo Jackson, al progetto “The Bennie Maupin Ensemble” che ha portato all'incisione del cd “Penumbra” (2006).
The Bennie Maupin Group è composto da Bennie Maupin flauto, clarinetto basso, sax tenore & soprano, Hania Chowaniec-Rybka voce, Michal Tokaj pianoforte, Michal Baranski contrabbasso, Lukasz Zyta batteria, percussioni

Ed ecco un video live del quartetto di Bennie Maupin

George Benson

2010-05-19T17:31:00.003+02:00

Il noto giornalista musicale Ernesto Assante ha pubblicato sul suo blog Media-Trek un bel post dedicato al chitarrista George Benson:
C’è una bellissima definizione di George Benson, coniata da Ken Burns, uno dei grandi storici del jazz americano: “Se nel jazz esiste qualcuno che ha fatto quello che hanno fatto i Beatles nel pop, questo è George Benson”. E Burns ha sicuramente ragione, perché George Benson, da Pittsburg, Pensylvania, non è soltanto uno dei più grandi chitarristi della storia del jazz, ma un musicista fondamentale nel divulgare il linguaggio della musica afroamericana, fondendolo con classe e maestria inarrivabili, con il pop, il rock e la grande canzone, creando un inconfondibile “Benson Style”, che in molti hanno cercato di imitare. E’ sbagliato, come fanno in molti, definire lo stile di Benson “smooth jazz”, jazz morbido e vellutato, perché l’aggettivo tende a sminuirne l’efficacia e la forza, che invece nella musica del chitarrista americano sono determinanti.
L’esordio di Benson è tutto nel jazz, nel 1964 con Lonnie Liston Smith e Ronnie Cuber, ma già tre anni dopo, nel 1967, il chitarrista è convocato alla corte di Miles Davis:«E’ stata una scuola fondamentale, esperienza indimenticabile e formativa. Suonare con Miles è come andare all’università…», dice ridendo. Di certo Benson si “laurea” e da Davis apprende soprattutto la lezione della libertà espressiva, «la capacità di pensare alla musica e non ai generi, di muoversi liberamente all’interno di strutture sonore differenti», dice ancora, «una lezione che non ho mai dimenticato».
Benson non è un chitarrista di genere, dunque, e lo ha dimostrato in ogni parte della sua carriera, negli anni Sessanta quando prese l’intero “Abbey Road” dei Beatles e lo rilesse alla sua maniera in “The other side of Abbey Road”, solo tre settimane dopo l’uscita del disco originale, o quando, sempre nel 1969, decise di interpretare addirittura “White Rabbitt” dei Jefferson Airplane. Ma ancor più quando nel 1976 pubblicò “Breezin’”, il disco che segnò l’evoluzione definitiva del “Benson style”, stabilendo un punto di svolta essenziale per tutta la musica afroamericana.
«Quel disco è stato per me come un’illuminazione», ricorda Benson, «ho capito che quello che mi interessava era comunicare. Questo è lo scopo finale, la sfida, comunicare qualcosa, far passare sentimenti e sensazioni, ogni sera, davanti a un pubblico. E’ questo che mi tiene vivo, che non mi fa annoiare mai, che mi porta a suonare ancora oggi con lo stesso entusiasmo di venti, trenta o quaranta anni fa. Il desiderio di comunicare mi mantiene vivo e mi fa scoprire cose nuove».
Successi Benson ne ha avuti moltissimi, variando lo schema di base infinite volte, scalando le classifiche con brani come “Turn your love around” o “Gimme the night”, o scrivendo un brano, “The greatest love of all”, portato poi al successo dalla «più brava cantante del mondo», come lui stesso la definisce, Withney Houston, o ancora, come è accaduto recentemente, realizzando un album di meravigliosa classe con Al Jarreau. «Qual è il mio segreto? Amare la musica, avere una magnifica famiglia, non essere invidioso. Credo che questo mi abbia permesso di passare attraverso alti e bassi, e di poter suonare sempre quello che voglio».

Ecco un video di una bellissima versione di Take Five di Brubeck, registrata al Montreaux Jazz Festival del 1986.

Locomotive Jazz Festival 2010

2010-05-19T17:22:00.002+02:00

Una festa della musica con tanti appuntamenti, eventi e live inediti per la V edizione del Locomotive Jazz festival.
Da domenica 25 a sabato 31 luglio torna a Sogliano Cavour a approda per la prima volta a Lecce la manifestazione diretta dal sassofonista salentino Raffaele Casarano e organizzata dall'associazione culturale Locomotive in collaborazione con Musicaltra, con il patrocinio di Regione Puglia, Provincia di Lecce, Comune di Lecce, Comune di Sogliano Cavour, CCIAA della Provincia di Lecce, Ferrovie del Sud Est, Azienda di Promozione Turistica di Lecce, Cantieri Teatrali Koreja e il contributo di Colacem, L'Astore, B94, Centro Lama, Edilgreco, Italfrutta, Feelgood, Cinque sensi creativi, Azienda vinicola Duca Carlo Guarini. Questa quinta edizione è dedicata a Nicola Arigliano, grande crooner salentino, recentemente scomparso, che ha portato al grande pubblico le sonorità del jazz e dello swing.
Il Festival è stato presentato martedì 11 maggio alle ore 18.00 presso i Cantieri Teatrali Koreja di Lecce. Alla conferenza stampa sono intervenuti il trombettista Paolo Fresu, il direttore artistico del festival Raffaele Casarano, Salvatore Polimeno (Sindaco del Comune di Sogliano Cavour), Salvatore Tramacere (Direttore Artistico Cantieri Teatrali Koreja), Danilo Scorrano (Assessore alla Cultura del Comune di Sannicola), Giuseppe Casarano (coordinamento generale LJF), Federico Primiceri (orafo e designer).
Nel corso dell'incontro è stato proiettato anche un estratto da "I musicanti suonano... e la gina balla il giezz" un documentario della regista Chiara Idrusa Scrimieri che racconterà i 5 anni del festival e che sarà distribuito da dicembre in edicola con quiSalento.
Quest'anno il tema del festival è dedicato alla Moda del Jazz, per ripercorrere quel sottile filo rosso che da sempre lega la musica al look. Due mondi, la moda e il jazz, che appaiono lontani ma che a volte sono addirittura speculari. Il Locomotive Jazz Festival si apre dunque a una nuova forma d'arte coinvolgendo artisti salentini e nomi noti del jazz internazionale e della moda. L'attenzione si concentrerà sulle connessioni tra musica e moda attraverso le performance artistiche che si susseguiranno nei giorni del festival. Spazio quindi agli eventi, ai live e ai progetti originali Locomotive come "Il jazz salentino incontra...", "Le jam del Birdland",
"Food&Fashion", "L'Alba del Jazz" e all'attesissimo viaggio musicale sui vagoni delle ferrovie del Sud-Est.
Si parte infatti domenica 25 luglio con From Station to Station - Bandita, un progetto ideato dal trombettista sardo Paolo Fresu, nato nell'ambito del suo festival a Berchidda (Time in Jazz) e che per la seconda volta arriva in Puglia, dopo la fortunata esperienza della scorsa edizione. Si tratta di un itinerario musicale a bordo dei treni delle ferrovie del Sud Est che partendo da Bari, percorreranno la regione a ritmo di musica e giungeranno in serata a Lecce. From Station to Station è un evento nato per far incontrare la musica jazz con quella delle bande popolari in un contesto inedito e suggestivo per un viaggio musicale sui binari che attraversano la Puglia. Il Locomotive Jazz Festival nasce infatti anche grazie alla collaborazione con Paolo Fresu, cittadino onorario di Sogliano Cavour, che segue sin dall'inizio la musica del sassofonista salentino e che produrrà (con la sua etichetta) il suo nuovo disco "Argento", la cui uscita è prevista per la fine di giugno.
"Il jazz è una musica che si sposa con le realtà locali", sottolinea Paolo Fresu, "anche per scoprire luoghi, usanze, gusti e profumi. Quando abbiamo iniziato a Berchidda noi ci siamo posti il problema di non fare un festival come tanti altri. Volevamo fare qualcosa di diverso che non si potesse trovare altrove. E da oltre venti anni ci siamo riusciti e il fatto che oggi Berchidda possa seminare in altri luoghi, come a Sogliano, è il più bel segno. Il Locomotive deve tutto alla capacità creativa e organizzativa, ma anche all'umanità che si respira. Il Festival deve essere vissuto come una festa. Per fare un festival non basta mettere tre concerti insieme, ma bisogna mettere in piedi qualcosa attraverso la quale si tessono progetti, si alimentano incontri, grazie alla quale la gente possa scoprire lingue nuove. Solo così la musica diventa il vero linguaggio universale. Fare un festival di jazz in un piccolo paese, consente anche di riflettere sul concetto di dinamica culturale nuova. Una volta si facevano i festival e i grandi eventi solo nei grandi centri, spesso oggi si tengono nelle periferie e diventano luoghi dove un concerto diventa molto più bello che altrove. Dalle nostre parti si dice "Di rovi da togliere ce ne sono sempre molti" ma con il lavoro si può fare. La periferia non si accontenta di "comprare" i concerti ma costruisce qualcosa che poi si esporta. Secondo me", conclude Fresu, "ci sono meno soldi per la cultura ma sempre più gente ha voglia di condividere. La gente non compra i dischi ma va ai concerti. Le manifestazioni come quelle che si tengono a Berchidda e Sogliano sono la dimostrazione che c'è un potenziale enorme".
Tra gli appuntamenti da non perdere di questa edizione la speciale serata La Moda del Jazz che si terrà martedì 27 luglio nell'Anfiteatro Romano di Piazza Sant'Oronzo a Lecce. Un evento che nasce dal desiderio di condividere e divulgare il concetto di "forma d'arte" nelle sue più eleganti espressioni, musica e moda, interpretate dal talento dei due giovani salentini Raffaele Casarano e Federico Primiceri, eclettico orafo e designer salentino le cui opere si distinguono per originalità e innovazione. "La Moda del Jazz" è il racconto, tra suono e immagine, di un decennio idilliaco per la musica e la moda, anni in cui le due arti divennero quasi complementari. Siamo negli anni 20, l'anima stravagante del jazz ha rivoluzionato il mondo della musica, ha portato innovazione e stile, nuove sensazioni provocate da suoni incostanti ed improvvisi, stregando l'elite di spettatori con un faro di sperimentazione. Come nella musica, anche nella moda la grinta è rivolta verso l'ingegno e la novità, introducendo nuovi parametri di stile e tendenza, dove le contaminazioni derivate dall'architettura e dalla pittura iniziano a stravolgere le vecchie regole del fashion design. La moda garçonne conquista l'Europa con braccia e spalle ingioiellate, con speciali invenzioni da oreficeria, insieme a geometrie e grandezze che giocano ruoli affabili e ingegnosi. Partendo da queste suggestioni, Raffaele Casarano e Federico Primiceri danno vita a un vero e proprio spettacolo, un ibrido tra un concerto live, una sfilata di moda e un'installazione artistica.
Dopo il prologo sui binari e l'appuntamento a Lecce, dal 29 al 31 luglio (programma ancora provvisorio) il Festival entra nel vivo e torna nella sua naturale location di Sogliano Cavour. La tre giorni parte giovedì 29 luglio alle 21.00 con una lunga serata all'insegna della musica con gli incontri in jazz targati Locomotive. Per Il Jazz Salentino Incontra... alle 21.00 la giovane flautista salentina Giorgia Santoro si esibirà insieme al jazzista romano Paolo Damiani, compositore, direttore d'orchestra, autore, contrabbassista e violinista. Alle 22.00 il contrabbassista Gianpaolo Laurentaci incontra il sassofonista friulano Francesco Bearzatti. Alle 23.00 a calcare il palco del Locomotive sarà Raffaele Casarano che presenterà il nuovo lavoro discografico Argento, prodotto da Paolo Fresu per la Tuk Music e Patrizio Romano per My Favorite Record.
Venerdì 30 luglio si parte alle 21.00 con Iancu, spettacolo con Fabrizio Saccomanno a cura dei Cantieri Teatrali Koreja. A seguire (ore 22.00) sul palco del Locomotive sarà di scena il Francesco Pennetta Quartet. Il batterista salentino presenterà ufficialmente il suo cd "Pulse" accompagnato dal sassofonista Martin Jacobsen, dal chitarrista Francesco Palmitessa e dal contrabbasista Pietro Ciancaglini. Alle 23.00, per gli incontri in jazz, spazio all'Orchestra di Fiati del Conservatorio Tito Schipa e a Gianluigi Trovesi, clarinettista, sassofonista e compositore di fama internazionale.
Sabato 31 luglio suggestivo appuntamento con l'Alba del Jazz presso la collina di San Mauro a Sannicola (Le). Le note del Vertere String Quarter e Daniele di Bonaventura accompagneranno il saluto al nuovo giorno che arriva. Alle 21.00 a calcare il palco del Locomotive sarà il Luca Aquino Quartet. A seguire la grande festa-concerto - con la Locomotive Percussion Orchestra e con tanti ospiti - che concluderà questa edizione del Locomotive Jazz Festival.
Anche quest'anno, dopo l'esperienza della passata edizione, tornano i pranzi alla Masseria L'Astore di Cutrofiano. Da giovedì 29 e sabato 31 luglio alle 13.00 appuntamento con Food & Fashion, pranzo musicale con degustazione di piatti e vini locali. Il primo pranzo è con Chat Noir, trio jazz che ha esordito per Universal Music su etichetta Emarcy. Venerdì 30 luglio nuovo appuntamento con Roberto Gemma Trio, mentre sabato 31 spazio a Roberto Cipelli piano solo.
Giovedì 29 e venerdì 30 (dopo la mezzanotte) al Kaibo di Marina di Pescoluse (Salve) appuntamento con le Jam del Birdland e il featuring di Max Baccano (dj resident) e (nella prima serata) Alessio Bertallot per il Locomotive Night Party che sarà trasmessa in diretta su Telenorba 7.
Raffaele Casarano si avvicina allo studio del sax all'età di sette anni con una forte passione per la musica, in particolare il jazz, intraprende gli studi c presso il Conservatorio "N. Piccinni" di Bari. Si diploma nel 2004 presso il Conservatorio "Tito Schipa" di Lecce, studia successivamente jazz con Roberto Ottaviano. Frequenta inoltre master classe con artisti come Dave Liebman, Emiliano Rodriguez, Maurizio Giammarco. Tra poche settimane uscirà anche "Argento", nuovo lavoro discografico di Raffaele Casarano, prodotto da Paolo Fresu per la Tuk Music e Patrizio Romano per My Favorite Record. Il disco conclude la trilogia del progetto Locomotive dopo "Legend", disco d'esordio (Dodicilune, 2006) totalmente acustico e con la partecipazione dell'Orchestra Sinfonica del Conservatorio "Tito Schipa" di Lecce, e "Replay" (Universal, 2009).

Reso noto il programma di Umbria Jazz 2010

2010-05-19T16:48:00.004+02:00

Umbria Jazz, è oramai un vero e proprio punto di riferimento nel mondo della musica e dei festival musicali. Allo stesso tempo è unanimemente riconosciuto come il Festival musicale di maggior qualità in Italia, e tra i più apprezzati a livello internazionale.
Dalla prima edizione nel 1973 molto è cambiato, ma non lo spirito e l’identità che, insieme alla qualità delle proposte artistiche, ne hanno fatto la fortuna.
A confermare questa attitudine sono i nomi in cartellone per l’edizione che si svolgerà a Perugia dal 9 al 18 luglio: grandi protagonisti della scena jazz come SONNY ROLLINS, PAT METHENY, CHICK COREA, THE MANHATTAN TRANSFER, HERBIE HANCOCK, ROY HARGROVE, nuove ed interessantissime proposte come MELODY GARDOT, grandi voci come TONY BENNETT E MARIO BIONDI, il grande jazz italiano con ENRICO RAVA e STEFANO BOLLANI, star che hanno fatto la storia come MARK KNOPFLER. Nomi che non hanno bisogno di presentazioni e che sono in grado di soddisfare i gusti musicali di qualsiasi appassionato.
L’edizione di quest’anno vanta numerosi anniversari e progetti speciali: festeggiano infatti rispettivamente ottanta e settant’anni Sonny Rollins e Herbie Hancock, mentre i Manhattan Transfer raggiungono i quaranta anni di attività.
Tra i progetti speciali la serie di sei concerti dedicati agli artisti ECM, casa discografica tedesca tra le più apprezzate per qualità e artisti prodotti, e l’omaggio alla musica del chitarrista gitano Django Reinhardt.
Un Festival che conferma il trend intrapreso da alcuni anni: musica a trecentosessanta gradi per tutti ma con un’anima legata indissolubilmente al jazz e alla storia di questa musica straordinaria.
Location principale rimane l’Arena Santa Giuliana, dove avranno spazio i grandi nomi e che, per la serata finale, aprirà le sue porte gratuitamente per il progetto “Sons e Movimentos do Desejo”.
Il Teatro Morlacchi e l’Oratorio Santa Cecilia poi, luoghi di riferimento per il jazz più classico e d’autore italiano ed internazionale dove si intrecceranno le note di musicisti affermati con quelle di stelle emergenti e giovani dal futuro più che promettente.
Abbinamento tra musica e cibo infine alla Bottega del Vino, al Ristorante La Taverna e all’Hotel Brufani che ospiteranno gli aperitivi, i pranzi e le cene.
Ci sono infine gli spazi all’aperto, gratuiti: Piazza IV Novembre e i giardini Carducci. È l’Umbria Jazz che rappresenta la continuità con il passato, un omaggio doveroso ad una formula che ha creato il “caso” Umbria Jazz nel mondo dello spettacolo e nel costume. Da non dimenticare infine l’ormai tradizionale street parade della brass band di New Orleans che riporta tra le vie del centro la storia e le radici del jazz.
Il miracolo di Umbria Jazz è stato in definitiva di aver creato un evento popolare, dai grandi numeri e dalla forte risonanza immergendolo in un ambiente assolutamente peculiare che non ha riscontri in tutto il mondo e che lo rendono unico ed irripetibile.
Per maggiori informazioni: www.umbriajazz.com

Podcast - All That Jazzzzz

2010-05-19T11:24:00.001+02:00

Le trasmissioni di All That Jazzzzz trasmesse la domenica su Radio FM Enschede possono essere scaricate in podcast in formato MP3.
Cliccando qui si può scaricare la trasmissione di domenica scorsa 16 maggio.
Questa è la playlist della trasmissione:
- Sonic Blast Bigband feat. Martijn van Iterson: Body and Soul
- Coleman Hawkins: Body and Soul
- Diana Krall: Stop This World
- Wynton Marsalis: You Don't Know What Love Is
- Lydia van Dam: Both Sides Now
- Pat Martino: The Artstring
- Marcus Miller: Tutu
- Addy Scheele's Demi-Seq: For Your Smiles Only

Ancora su Hank Jones

2010-05-19T10:48:00.003+02:00

I più importanti giornali americano hanno dato ampio risalto alla notizia della scomparsa di Hank Jones.

Il sito del New York Times ha pubblicato un bel necrologio del pianista.
Ecco un estratto:
Hank Jones, whose self-effacing nature belied his stature as one of the most respected jazz pianists of the postwar era, died on Sunday in the Bronx. He was 91.
His death, at Calvary Hospital Hospice, was announced by his longtime manager, Jean-Pierre Leduc. Mr. Jones lived on the Upper West Side of Manhattan and also had a home in Hartwick, N.Y.
Mr. Jones spent much of his career in the background. For three and a half decades he was primarily a sideman, most notably with Ella Fitzgerald; for much of that time he also worked as a studio musician on radio and television.
His fellow musicians admired his imagination, his versatility and his distinctive style, which blended the urbanity and rhythmic drive of the Harlem stride pianists, the dexterity of Art Tatum and the harmonic daring of bebop. (The pianist, composer and conductor André Previn once called Mr. Jones his favorite pianist, “regardless of idiom.”)
But unlike his younger brothers Thad, who played trumpet with Count Basie and was later a co-leader of a celebrated big band, and Elvin, an influential drummer who formed a successful combo after six years with John Coltrane’s innovative quartet, Hank Jones seemed content for many years to keep a low profile.
That started changing around the time he turned 60. Riding a wave of renewed interest in jazz piano that also transformed his close friend and occasional duet partner Tommy Flanagan from a perpetual sideman to a popular nightclub headliner, Mr. Jones began working and recording regularly under his own name.
Reviewing a nightclub appearance in 1989, Peter Watrous of The New York Times praised Mr. Jones as “an extraordinary musician” whose playing “resonates with jazz history” and who “embodies the idea of grace under pressure, where assurance and relaxation mask nearly impossible improvisations.”
Mr. Jones further enhanced his reputation in the 1990s with a striking series of recordings that placed his piano in a range of contexts — including an album with a string quartet, a collaboration with a group of West African musicians and a duet recital with the bassist Charlie Haden devoted to spirituals and hymns...
A questo indirizzo di può leggere il resto dell'articolo.

Anche il sito del Los Angeles Times ha pubblicato un articolo in memoria del pianista.
Praised for the feather-soft precision of his touch, Jones was equally adept at unleashing the piano's full, orchestral gamut of sounds. Rhythmic lift and propulsive swing were inherent to his playing, whether performing as an accompanist or in a solo setting. And his deep understanding of harmony was the foundation for a skilled mastery of the diverse material in the Great American Songbook.
"His style is as profound and defined as any of the major masters," jazz pianist Bill Charlap told the Detroit Free Press in 2006. "It's equal to Teddy Wilson, equal to Bill Evans, equal to Thelonious Monk, equal to Tommy Flanagan. It's as much a unique musical utterance and just as balanced in terms of intellectualism and feeling. With Hank Jones you hear the past, present and the future of jazz piano."
Jones' own evaluation of his playing was far more modest. Invited to become a member of alto saxophonist Charlie "Bird" Parker's group in the '40s and trumpeter Miles Davis' band in the '50s, he declined the offers.
"Both times I said, 'I'm not good enough to do that,' " Jones recalled in 2006. "Isn't that something? I probably missed the chance of a lifetime."
Nevertheless, he played and recorded with Parker and Davis, as well as other leading jazz artists including Artie Shaw, Benny Goodman, Billy Eckstine, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Lester Young, Milt Jackson, Julian "Cannonball" Adderley, Roy Eldridge, Coleman Hawkins and numerous others.
Emerging on the jazz scene during the Swing Era years of the 1930s, Jones was soon engulfed in the new wave of bebop arriving in the '40s. As new stylistic patterns arrived, decade after decade, he continued to find a way to transform his own playing, without losing his creative essence as a jazz artist. In more recent years, he partnered with younger players — saxophonist Joe Lovano, bassist Charlie Haden and pianist Brad Mehldau among them. But his self-effacing view of his own skills never changed.
In a conversation with Lovano for DownBeat magazine in 2005, he discussed his desire to reach the musical "stream of consciousness" achieved by players such as saxophonists Young and Hawkins. "It's not the easiest thing in the world," Jones said. "I'm still trying to get there myself. Just give me a little more time. Maybe another 100 years."
As recently as 2008, Los Angeles jazz audiences heard Jones in a pair of Southland performances — in a trio concert at UCLA and a 90th birthday celebration at the Hollywood Bowl — clearly illustrating that he had long ago ascended to the lofty level he described.
The extraordinary accomplishments of Jones and two younger brothers established them as one of the jazz world's most honored musical families. Thad Jones, five years younger, was a trumpeter, bandleader and highly regarded arranger/composer. Elvin Jones, nine years younger, was an innovative drummer best known for his ground-breaking work with John Coltrane. Both died earlier — Thad in 1986; Elvin in 2004; "I just wish they could have lived longer," said Jones, "because they both still had so much to say."
Despite the high level of fraternal talent and familial closeness, however, the three rarely performed or recorded together...
Il resto dell'articolo è leggibile qui.

Enrico Rava e Stefano Bollani a Udine

2010-05-18T22:58:00.001+02:00

Domenica 23 maggio ore 20.45 al al Teatro Nuovo Giovanni da Udine, concerto del duo composto da Enrico Rava e Stefano Bollani che presentano il loro progetto "The Third Man"
Quello tra Enrico Rava e Stefano Bollani, prima che un fertile sodalizio artistico, è un profondo rapporto umano. Un’intesa che ha permesso la realizzazione di lavori importanti, su disco e in scena, come appunto The Third Man: titolo preso a prestito da Orson Welles, playlist che fa scintillare, dentro il perimetro sonoro del modern jazz, le straordinarie personalità dei due artisti. Mentore e allievo, nel gioco delle parti. «L’improvvisazione? È come se, dovendo attraversare un canyon, iniziassi a costruire un ponte sospeso nel vuoto – spiega Bollani, nuovamente ospite del "Giovanni da Udine" dopo l'accoglienza trionfale dello scorso anno – camminandoci al contempo sopra. È fare una cosa diversa ogni sera a farmi sentire vivo».
La tromba del mentore e il pianoforte dell’allievo, dunque, in un memorabile concerto che «farà sentire vivi» i performer e chi avrà la fortuna di ascoltarli.

Jamie Baum Quintet a Padova

2010-05-18T22:42:00.004+02:00

Mercoledì 19 maggio al Cine Teatro Torresino di Padova, alle ore 21, concerto del quintetto di Jamie Baum, composto da Jamie Baum: flauto, Taylor Haskins: tromba, George Colligan: piano, Jeff Hirshfield: batteria, Johannes Weidenmueller: basso.
E’ folto e creativo il gruppo di leader donne nel jazz contemporaneo.
Il Centro d’Arte ha sempre voluto promuovere il loro lavoro e, dopo le apparizioni di Marilyn Crispell, Sylvie Courvoisier, Susie Ibarra, Annette Peacock, Carla Bley, Myra Melford, Nicole Mitchell, ecco un altro nome importante anche se conosciuto meno nel circuito: quello di Jamie Baum.
Originaria del Connecticut ma newyorkese di adozione, flautista, compositrice, didatta, Jamie Baum è tra le voci più interessanti della “composizione jazz” dei nostri anni. E’ un’artista molto fedele alle radici ma con uno sguardo molto vivace sulla contemporaneità. Ha studiato alla Manhattan School of Music e al New England Conservatory di Boston: nella giuria del suo saggio finale in composizione c’era Gil Evans.
Jamie Baum ha inciso quattro album come leader, esordendo con “Undercurrents” (dove la tromba era affidata a Dave Douglas), pubblicando in seguito “Sight Unheard”, “Moving Forward, Standing Still” ed il recente “Solace”. In quest’ultimo album, la vena compositiva di Jamie trova nella musica di Charles Ives una fonte di ispirazione esplicita. E il rapporto tra il jazz e la musica classica del 900 è da sempre un tema centrale per lo stile compositivo della flautista. Ma molte sono le figure che hanno influenzato la sua crescita musicale: Duke Ellington, Eric Dolphy, Roland Kirk, ma anche Joni Mitchell, Stevie Wonder, i Jethro Tull.
Accanto alla sua carriera come artista, Jamie Baum organizza molte attività didattiche, workshop, jazz clinics ecc., è insegnante incaricata alla Manhattan School of Music e presso il dipartimento jazzistico della New School University.
Gli elementi del suo quintetto sono tutti riconosciuti eccellenti solisti della scena attuale.
Il trombettista Taylor Haskins, che sostituisce per questo tour Ralph Alessi, è stato nominato dal DownBeat uno dei "25 trombettisti del futuro"; è anche parte dei progetti di Dave Holland, Guillermo Klein, Richard Bona e Andrew Rathbun.
George Colligan è pianista di gran pregio e polistrumentista; molto richiesto da più parti, è stato pianista nei gruppi di Cassandra Wilson, Don Byron, Lonnie Plaxico. Il bassista Johannes Weidenmueller ha suonato, tra gli altri, con Hank Jones, Ray Barretto e Joe Lovano, mentre il batterista Jeff Hirshfield è stato diverse volte accanto a Fred Hersch, John Abercrombie, John Zorn ed è tra i percussionisti più richiesti a New York.

Ecco un video di Jamie Baum che presenta Solace.

Nikki Yanofsky conquista New York

2010-05-18T22:02:00.002+02:00

Il sito del New York Magazine ha pubblicato recentemente un articolo sulla nuova, giovanissima e sensazionale cantante canadese Nikki Yanofsky, una ragazzina sedicenne che ha conquistato i difficili critici newyorkesi grazie ad una strepitosa recente performance al Dizzy's Club Coca-Cola al Lincoln Center.
Il suo primo album in studio, intitolato Nikki, pubblicato dalla Decca Records, ha già scalato tutte le più importanti classifiche discografiche americane e canadesi e per lei già si sprecano i paragoni illustri; in particolare grazie al suo modo di cantare in scat mostra profonde affinità con la leggendaria Ella Fitzgerald.
Prodotto da Phil Ramone l'album presenta nuovi arrangiamenti di classiche canzoni jazz ed alcuni pezzi originali della Yanofsky.
As soon as Nikki Yanofsky sits down at the table in Dizzy’s Club Coca-Cola, Jazz at Lincoln Center’s imperial spot overlooking Central Park, she takes the menu, says she’s starving, warns that she doesn’t have good table manners (“You’ll see: I can make crumbs out of apples”), announces that she’ll want dessert, and otherwise yaks away. “I know, I talk very fast,” she declares. “I call it ‘Nikkanese.’ That’s how I do my scatting.”
Scatting—singing nonsense syllables to jazz music—doesn’t usually appear in the lexicon of a girl who just turned 16. But Yanofsky sounds less like a teenager than like, well, Ella Fitzgerald. That’s no exaggeration. Listen to Yanofsky’s rendition of Fitzgerald’s famous scat “Airmail Special” (when it was recorded for a 2007 Verve Records tribute album, Yanofsky became the youngest artist ever to appear on the label) or to her first full-length album, Ella … Of Thee I Swing: The tracks sound as if they were recorded by an artist 30 years older—60 years ago.
Anyone watching the opening ceremonies of the Vancouver Olympics got a sense of this when Yanofsky belted out a jazzed-up version of “O Canada.” That was the only time since she began performing in 2006, she claims, that she has ever really been nervous. “I was shaking,” she says. “I said to the guys who were with me, ‘In five seconds, the whole world will know who I am.’ Afterward, I cried for twenty minutes, I was so overwhelmed. My whole life changed.” Now she is preparing for her Stateside launch. Yanofsky’s first U.S. album—Nikki, a mix of standards like “I Got Rhythm,” as well as new numbers she co-wrote—will be launched here at Dizzy’s on May 4. It will be followed, in June, by a PBS special called Nikki Yanofsky: Live in Montreal, her hometown.
A perky, astonishingly talented Quebecois import with a voice like a velvet clarion: We have been here before. Like Céline Dion, Yanofsky can belt, croon, and purr, flawlessly. But there is something immediately disarming, almost puppyish, about Yanofsky, even as her musical taste is more sophisticated (or less Vegas) than Dion’s. In any case, she steers away from any direct comparisons. “I don’t know her,” Yanofsky says of Dion, “but we have met, and she’s the nicest girl.”
Although Yanofsky’s father plays the piano and has a band, and her mother calls herself a “closet singer,” they owned just one jazz record, Ella and Louis, the 1956 album pairing Fitzgerald and Armstrong, as Yanofsky was growing up. Yanofsky picked up jazz at 11, when one Friday her vocal coach gave her a recording of “Airmail Special” to try. By Monday, she’d not only nailed it but also found her musical métier. She quickly became a phenom in Canada, and has attracted fans like Tony Bennett and Marvin Hamlisch. It was Hamlisch, the legendary composer-conductor-pianist, who, in 2008, brought her to U.S. stages. She sang at Carnegie Hall on her 14th birthday. (The audience sang “Happy Birthday” back. “That was a good birthday present,” she says.)
Over the last two years, Yanofsky (accompanied by her parents) has kept up a heavy tour schedule—Japan, South Korea, Turkey—all while trying to stay on top of school from afar. “I’m in grade ten at St. George’s School, and I go when I’m not on tour,” she says, which is about once a week. So far she hasn’t needed a tutor and has been able to maintain an 86 average. “My parents don’t push me; it’s because I want it so badly,” Yanofsky explains. “Music makes me feel so much, music makes me feel so good.”
Soon after the waiter clears her onion soup and macaroni and cheese, she’s bopping to the brassy sounds of the Manhattan School of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra. Dressed in a black net top over a gray tee and white jeans, Yanofsky alternately claps, plays the table like a drum, and sits up straight to watch, occasionally twirling her curly brown hair. When the bandleader calls for audience participation, her voice rings out clearly.
Yanofsky’s new album contains strains of R&B, soul, and rock, as well as some surprise vocalese: Her version of “Take the A Train” includes a bit Yanofsky wrote about the theater and shopping, her other favorite activity (since arriving in town this morning, she’s already bought two headbands, a T-shirt, and a fancier top on a whirlwind trip through Soho). She is quick to point out that she’s not a jazz evangelist—“I’m not a jazz singer, I’m just a singer”—but when the 89-year-old Candido Camero unexpectedly joins the stage at Dizzy’s, Yanofsky is beside herself. Camero introduced the conga drum to jazz and played with Dizzy Gillespie himself. He’s now slowed by arthritis, but when his bandaged fingers start to hit the congas, his face breaks into a smile of delight.
Yanofsky pulls out her BlackBerry to take Camero’s picture. Moments later, she leans over, points to her phone, and says, “I’m letting my friends listen. They love it.”
It’s 9 p.m., and the crowd for the 9:30 set is waiting to get in. Yanofsky has one more thing in mind. Hurrying across the room, she introduces herself to the band’s drummer, Jake Goldbas, and they exchange contact information with a promise to talk about collaborating. She is only in New York for three days, and isn’t wasting any time.
Per conoscere meglio la giovane cantante potete visitare il suo sito ufficiale all'indirizzo www.nikkionline.ca

Ecco il video di Nikki Yanofsky che canta l'inno delle scorse Olimpiadi di Vancouver, intitolato I Believe

Verona Jazz 2010

2010-05-18T21:51:00.002+02:00

È stato presentato questa mattina il programma del festival musicale Verona Jazz, che si svolgerà a Verona il 22 maggio, 30 giugno, 1 e 2 luglio, nell’ambito dell’Estate teatrale veronese.
Il cartellone è stato illustrato dall’assessore alla Cultura Erminia Perbellini, dal direttore artistico dell'Estate teatrale Gian Paolo Savorelli, dal consulente artistico di Verona Jazz Nicola Tessitore, dal responsabile di Eventi Ivano Massignan e da l responsabile comunicazione dello sponsor.
Il festival si aprirà sabato 22 maggio alle 21 con il concerto in Arena dell’artista canadese Michael Bublé; proseguirà mercoledì 30 giugno alle 21 al teatro Romano con il trio formato da Steve Swallow al basso elettrico, Ohad Talmor al sax tenore e Adam Nussbaum alla batteria seguito dall’esibizione del Charles Lloyd New Quartet; giovedì 1 luglio alle 18.30 sarà la volta dell’esibizione gratuita in cortile Mercato Vecchio della contrabbassista cinese Linda Oh; la stessa sera al Teatro Romano alle 21 si esibirà invece il duo formato da Chick Corea e Stefano Bollani; venerdì 2 luglio al Teatro Romano, a partire dalle 21, si esibirà il gruppo “Cristina Zavalloni Idea” seguito dal Bill Frisell Trio.

Intervista a Bobby McFerrin

2010-05-18T21:37:00.003+02:00

Il sito del quotidiano Il Giornale ha pubblicato un bel articolo dedicato a Bobby McFerrin, in occasione del concerto tenuto ieri sera a Milano, prima tappa della breve tourneè italiana del vocalist, che toccherà nei prossimi giorni Roma (il 20/5), Bologna (il 22/5) e Torino (il 23/5).
Ecco un estratto dell'articolo:
«La mia è un’anima jazz, ma sono nato con la classica. Mio padre è stato il primo afroamericano ad avere ruoli importanti al Metropolitan di New York; ho studiato clarinetto, flauto, pianoforte prima di capire che il canto è arte senza frontiere».
Comunque non è facile passare dal jazz alla classica.
«Vivo d’improvvisazione quindi il jazz è il mio pane quotidiano. La classica è prevedibile, sali sul podio e sai già ciò che succede, anche per questo sfido orchestra e pubblico, incitando tutti a partecipare, col corpo e con la voce».
I puristi non saranno felici di ciò, e neppure della bacchetta che lei s’infila tra le trecce.
«Quello è un gioco, per fortuna ho i capelli lunghi! Se non si scuote, la classica rimane chiusa in una torre d’avorio. Io prendo brani che mischiano nobiltà e tradizione popolare come la Pavane di Fauré o il Bolero di Ravel. Non sono né il primo né l’unico ad abbattere gli schemi, faccio Somewhere di Bernstein che nasconde un tema tratto dal Concerto per piano e orchestra n.5 di Beethoven, opera nota come L’imperatore. Comunque dopo questo tour non dirigerò più, torno alla mia musica».
C’è il nuovo cd.
«Ci ho lavorato otto anni, è il disco più strano che abbia mai fatto. Per la prima volta ho messo a disposizione di un compositore, Roger Treece, tutto il mio materiale inedito e lui ha trasformato le cose più interessanti in partiture. Così ora sono brani miei e allo stesso tempo non miei, vecchi e nuovi. È un omaggio alla musica totale, alla musica libera».
Lei fa cose sempre più complesse ma il suo più grande hit è «Don’t Worry Be Happy».
«Quel brano mi ha dato la grande popolarità e la possibilità di dedicarmi alla sperimentazione. È nato per caso in pochi minuti; un giorno camminavo per le strade di New York fischiettando ed è nata la melodia, poi siccome sono ottimista è arrivato il testo».
Lei ha cantato con tante star: con chi s’è trovato meglio?
«Con Chick Corea ci capiamo al volo, ricordo grandi sfide con la voce di Al Jarreau, mi piace la fantasia di Laurie Anderson. Ma chi mi ha più influenzato è Keith Jarrett; non ci siamo mai esibiti insieme, ma il suo pianoforte ha cambiato la mia vita».
E ora ha nuovi progetti?
«Una nuova sfida, voglio organizzare un duetto con Eric Clapton. Il blues non fa parte delle mie radici e quindi provo ad affrontarlo».
L'articolo integrale è qui.

Le tre date italiane di Brad Mehldau a luglio

2010-05-17T21:34:00.003+02:00

Brad Mehldau sarà in Italia per tre concerti durante il mese di luglio, tutti i concerti per piano solo.
In particolare il pianista sarà il 9 luglio a San Giovanni Valdarno (Ar) in Piazza Masaccio, il 10 luglio sarà a Monforte D'Alba (Cn) all'Auditorium Horszowski per il Festival Monfortinjazz 2010 e quindi il 15 lugliò sarà al Castello degli Ezzelini di Bassano del Grappa (VI)

Intervista a Rita Marcotulli

2010-05-17T21:25:00.003+02:00

Il sito www.womenews.net pubblica una intervista alla pianista e compositrice Rita Marcotulli, l'intervista è stata fatta a Catania lo scorso 13 maggio dove la pianista ha presentato il suo ultimo progetto The woman next door - Omaggio a Truffaut.
Ecco un estratto dell'intervista:
Rita, dal 1999 porti in giro per l’Europa questa turnèe intitolata "The Woman next door - Omaggio a Truffaut" che è anche il titolo del tuo lavoro discografico del 1998 appena ristampato, le tue note incontrano le immagini di uno tra i più raffinati rappresentanti del cinema mondiale, grazie anche alla collaborazione della regista Maria Teresa de Vito. Come è nata l’idea di realizzare questo progetto?
The Woman next Door è il primo disco che ho inciso nel ‘98 per l’Harmonia Mundi e nasce dall’amore che porto per il cinema di Truffaut, rimasi molto colpita quando per la prima volta vidi un suo film, era : Il ragazzo selvaggio, mi incuriosìi così tanto che in seguito non ho resistito alla voglia di vedere tutti gli altri. In modo particolare mi colpì la prima parte della sua produzione, quella con Antoine Doinel, personaggio che ricorre spesso in diversi suoi film. Ovviamente non ho tentato una sonorizzazione dei suoi lavori in quanto sarebbe risultato banale e indelicato nei riguardi dei grandissimi musicisti di cui Truffaut si avvaleva, ho solo preso spunto ispirandomi a certe immagini. Faccio un esempio per tutti: la scena in cui Antoine Doinel in Baci Rubati ripete incessantemente allo specchio : Antoine Doinel- Christine Darbon- Fabienne Tabard, quello era assolutamente ritmo. In concerto mi è venuto in mente di utilizzare quella fase del film intervallata da un vero e proprio codice Morse con aggiunta di note
A quale personaggio dei film di Truffaut ti sei sentita emotivamente più legata?
Non saprei scegliere, in modo diverso mi sento legata un po’ a tutti i suoi lavori, perché tutti contengono in modi e in tempi diversi i temi che mi sono cari: l’amore, la fuga, la musica, l’infanzia, la malinconia e la poesia, Truffaut sa come toccare certe corde, un po’ come noi musicisti sul palco.
Rita, un’artista di caratura internazionale per esigenze di lavoro si trova molto spesso in turnèe in posti molto distanti, volevo sapere com’è che riesci a coniugare la tua vita di artista a tutto tondo con quello di mamma dall’arrivo di tua figlia Elettra in poi?
Elettra è stata la più bella musica che io abbia mai scritto e suonato. All’inizio è stata davvero dura lasciarla per le mie turnèe, ma ho avuto anche la fortuna di avere un marito meraviglioso accanto a me, anche lui è un musicista oltre che produttore (Pasquale Minieri), così abbiamo deciso di costruirci uno studio di registrazione a casa nostra, in modo che lui potesse stare più vicino a nostra figlia lavorando a casa e io di conseguenza potessi continuare a lavorare. Adesso ha dieci anni, viene spesso ai concerti,ama la musica, studia batteria e fa danza. Sono sicura che in certi frangenti avrà sofferto molto la mia mancanza, ma credo che avrà capito senz’altro il motivo delle mie partenze. Oggi è molto contenta e molto orgogliosa della mamma.
I tuoi studi musicali iniziali appartengono all’ambito della musica classica. Quando è che ti sei accorta che esisteva un’altra via da percorrere e a quale artista devi tutto questo?
Diciamo che gli artisti di riferimento sono davvero tanti, però devo anche dire che il mio è stato un lento e progressivo avvicinamento alla musica improvvisata. Cominciai a suonare il pianoforte che avevo cinque anni, poi andai al conservatorio, ma scoprii presto che non mi piaceva molto leggere la musica, col pianoforte ci giocavo, ci tengo sempre a dire che l’arte è un gioco nel senso che si crea partendo da zero o da pochi elementi, è tutto un progressivo divenire un po’come i bambini nel loro approccio al giocare, li vediamo attenti e divertiti nel farlo, io altrettanto, non ho perso quell’istinto, e per me la musica è rimasta un divertimento e non un lavoro.
Tra le tue varie attività ed impegni oggi insegni Composizione presso il Conservatorio di Santa Cecilia a Roma, proprio da dove sei partita anni fa. Che insegnante è Rita Marcotulli?
Devo dire che mi piace molto insegnare, al Santa Cecilia quest’anno ho tenuto dei corsi di Pianoforte, gli altri anni ho insegnato musica di insieme. L’improvvisazione è una sorta di composizione istantanea, il modo di improvvisare è comporre istantaneamente, quindi è chiaro che dentro ci sono tutti gli ingredienti del compositore: l’armonia, la melodia, lo sviluppo di come si improvvisa su certi accordi o su certe armonie, è un esperienza molto bella e molto interessante. Ci sono tantissimi pianisti nei miei corsi, anche donne e anche molto brave e questo mi fa molto piacere, finalmente un po’ di donne che suonano.
30 anni di carriera trascorsi sui palcoscenici più importanti d’Italia, d’europa e del mondo: dopo tanto girare “senza posa e senza requie” esistono altre frontiere da conquistare seduta al tuo pianoforte?
Assolutamente sì. Se uno pensa di essere arrivato vuol dire che molto probabilmente sta già percorrendo il suo personale viale del tramonto. Io ad esempio continuo a suonare e continuo a comporre, questo è un momento di attività intensa e quindi non ho avuto molto tempo da dedicare allo studio. In ogni caso sento sempre l’esigenza di dover andare avanti e di dover continuare a studiare e comporre, altrimenti mi sento finita....
L'intervista integrale è a questo indirizzo.

Concerto degli allievi del Centro Jazz Torino

2010-05-17T21:13:00.000+02:00

Martedì 18 e mercoledì 19 Maggio 2010 alle ore 21 presso L’Espace di Via Mantova 38 a Torino due serate di concerto con le allieve e gli allievi del Centro Jazz Torino

A conclusione dei corsi 2009-2010, il Centro Jazz Torino organizza due serate di concerto durante le quali le allieve e gli allievi presenteranno un ricco repertorio di famose composizioni jazz e blues appositamente arrangiate per l’occasione.

Tra la prima e la seconda serata si esibiranno circa un centinaio di strumentisti e cantanti, organizzati nelle più diverse formazioni e si potranno ascoltare brani di grandi autori come “Summertime” e “A Foggy Day” di George e Ira Gershwin, “Georgia on My Mind” di Hoagy Carmichael, “Garota de Ipanema” e “Corcovado” di Antonio Carlos Jobim, “Moten Swing” di Bennie Moten, “Moanin ’” di Bobby Timmons, “Pent-Up House” di Sonny Rollins, “Mo’ Better Blues” di Bill Lee, “Misty” di Errol Garner, “Road Song” di Wes Montgomery, “Song For My Father” di Horace Silver, “Route 66” di Nelson Riddle ………. e moltissimi altri.
Inoltre le allieve e gli allievi del corso di coro gospel proporranno brani celebri come “Oh Happy Day!” o della tradizione spiritual come “Sign Me Up” o composizioni del gospel più contemporaneo come “I Know Where I’Ve Been” e “Season of Love”.
La “Scuola del Centro Jazz Torino”, con oltre 25 anni di attività, è considerata a livello internazionale come uno dei più qualificati centri di insegnamento della musica jazz e moderna in genere. Sono proposti, oltre a corsi per tutti gli strumenti, canto e tecnica vocale, corsi di teoria ed ear training, armonia e tecnica dell’improvvisazione e corsi di musica d’insieme per piccole e grandi formazioni.
L’attività annuale culmina nel “Concerto degli allievi”, che costituisce il necessario momento di verifica del lavoro svolto, ma è diventato negli anni anche un appuntamento molto atteso dal pubblico, che vi partecipa sempre numeroso e con grande entusiasmo.
I corsi sono curati da insegnanti di collaudata esperienza sia nel campo didattico che concertistico: il chitarrista Pino Russo, che ha coordinato il programma del “Concerto degli allievi”, il trombonista e trombettista Luca Begonia, i chitarristi Pietro Ballestrero, Matteo Negrin, Silvio Barisone, Gabriele Ferian, Dario Lombardo, i sassofonisti Claudio Capurro e Stefano Riggi , i cantanti Giovanni Grimaldi, Valeria Benigni e Claudio Fabro, il bassista Luciano Saracino, il contrabbassista Saverio Miele, i pianisti Aldo Rindone e Daniele Tione, il batterista Paolo Franciscone.
Il “Concerto degli Allievi” è organizzato con il patrocinio della Regione Piemonte e della Città di Torino.
L’ingresso alle due serate è gratuito.
Per informazioni www.centrojazztorino.it

Marcus Miller in tour rivisita Tutu

2010-05-17T19:21:00.003+02:00

Il celebre album di Miles Davis Tutu, pubblicato nel 1986, che prende il nome dall'Arcivescovo sudafricano Desmond Tutu, fu un punto di svolta nella carriera del trombettista. Il materiale riccamente arrangiato di questo album e del suo seguito Amandla servirono a ridefinire il sound di Davis per l'atto finale di una lunga carriera di crescita e di trasformazione. Prodotto dal bassista Marcus Miller, che era stato un membro della band di Miles quando questi venne fuori dal ritiro degli anni '80, Tutu fu ampiamente riconosciuto come uno dei grandi dischi jazz contemporanei degli anni '80 con un suono potente e una musica che sfida le categorizzazioni.
Lo stesso Miller sta per avviare un tour con il quale rivisiterà la musica di questo strardinario album. Il tour toccherà anche l'Italia nel mese di luglio, con tre tappe rispettivamente a Perugia (per Umbria Jazz) l'11, a Fano il 25 ed a Teano il 27. Miller sarà accompagnato da una formazione composta da Christian Scott - tromba, Alex Han - sassofono, Federico Gonzalez Pena - tastiere e Louis Cato - batteria.
Il sito della rivista JazzTimes ha recentemente pubblicato una bella intervista al grande bassista.
Ecco un estratto dell'intervista:
On Tutu, I hear your sound as much as I hear Miles, but the record was a collaboration and it involved lots of other people. Can you separate out what you did or is that impossible?
I can actually hear my thing because I really had started to come into my own, composition-wise especially. I remember Miles telling me, “Hey, you’re in that period, recognize it and write as much as you can, because they come and go.” He said the same thing to Wayne [Shorter] way back. I definitely hear the things I discovered harmonically that seemed to work well for Miles, for his vibe and spirit. That’s what I’m trying to do when I’m producing or writing for somebody—to find where their spirit is at and do something appropriate for them.
The record certainly has had legs and gets used for all sorts of things. Several years ago, I heard it in a play in San Francisco, where it was used as a motif to introduce a dramatic confrontation between Asian-American actors from two different generations.
I really like that it was in a story about intergenerational relationships because for me that’s what Tutu was. It was me and Miles and all his history, how was he functioning in the modern world, which was the ’80s at that time. To me, it was about Miles carrying his history forward to the ‘80s and to the streets of New York in that environment. So it’s nice that somebody maybe subconsciously picked up on that.
As big a record as it was, I’m not sure I’ve heard its influence directly on other albums. It’s as if it’s just too singular to even emulate. Have you heard any things out there that make you go, “Hey, I recognize that sound…”?
Yes, I heard a million of them, but more in contemporary jazz where you’d hear muted trumpet and ethereal chords. I heard that a lot. Most of the time it wasn’t quite it. Then in smooth jazz, they did their version of it too.
You didn’t mind though, right?
No, to me, that’s a compliment. It was beautiful. Now the hard part was when people would send me their demos, saying, “Can you help me get a record deal?” But the music [on the demo] was a version of that. I was like, dude, this exists already. You’ve got to find something new to say, which is really hard.
Is it the one record that you’re most proud of?
Yes, it definitely feels special. It was my first time sitting shoulder to shoulder with Miles and working on music that I had written for him. I had been in his band for a couple years, but this was a completely different kind of relationship and a lot of responsibility. When it was released, it was the first time for a lot of people hearing that sound, which is very familiar now, but it was a different thing at the time. You can’t recreate your first time, so, yes, this one does stand out for me.
Did you have any hesitation in doing a tribute or a revisited project? You know more than anyone that Miles wasn’t much for that sort of thing, looking backward.
They were having this huge Miles Davis exhibit in Paris in a museum. It was gorgeous. It was very well done. And they asked me at the end of the exhibit run, if I would be interested in performing Tutu in its entirety. I thought, “I’m not sure I’m excited about that and I don’t think Miles would be excited about that.” But initially when Miles passed, I didn’t feel that the attention paid to his passing was great enough. Me, being in France a lot, I saw how he was treated so much bigger over there. But America’s different. Over time, that changed some, but I wanted to do something myself for Miles. And I was thinking, “What can I do?” I thought, “You know what would be nice is if I got all these young musicians who were barely even born when Tutu came out and have them attack this sucker and change it and create something new with it.” That would be a way that Miles would be into it and would get me excited as well....
Per leggere il resto dell'intervista clicca qui.

Ecco il video di Full Nelson, ripreso Live at Billboard in Giappone il 15.9.2009

Hank Jones a Piano Jazz

2010-05-17T18:14:00.003+02:00

In occasione del 30° anniversario della trasmissione Piano Jazz su NPR, o scorso anno Marian McPartland chiese ad alcuni dei suoi musicisti preferiti di sedere come ospite nel suo programma. La prima scelta fu Bill Charlap, un pianista che, sotto molti aspetti, rispecchia lo stile pianistico elegante della McPartland, così come la sua capacità di riprodurre praticamente qualunque tipo di jazz. La sua conoscenza del songbook americano è a dir poco enciclopedica, e il suo rispetto per la storia del jazz è evidente in ogni singola nota che suona. La McPartland e Charlap decisero che Hank Jones sarebbe un grande ospite per questo programma.
Il leggendario pianista è stato uno dei primi ospiti della McPartland a Piano Jazz nel 1979, e questo sarebbe stato un modo per riportarlo indietro di 30 anni. Come la McPartland, Jones era uno dei pochi nonagenari di jazz ancora in attività. Charlap, che ha a lungo considerato Jones un eroe al pianoforte jazz, era impaziente di scoprire le influenze che ha creato questo leggendario pianista.
Qui si può riascoltare questa leggendaria puntata

E' morto Hank Jones

2010-05-17T17:23:00.004+02:00

Un altro grande del jazz se ne è andato, il grande pianista Hank Jones è deceduto ieri a New York all'età di 91 anni.
Jones era conosciuto per il suo tocco delicato e per la straordinaria abilità sia nel suonare delicate ballad che nel sostenere ritmi più veloci.
Jones fece il suo debutto nel 1944 a New York come accompagnatore del trombettista Oran "Hot Lips" Page all'Onyx Club sulla 52nd Street, e da allora ha pubblicato centinaia di registrazioni suonando con leggende quali Charlie Parker, Ella Fitzgerald, Artie Shaw, Benny Goodman, Coleman Hawkins, Ben Webster e Billie Holiday e suonando dal vivo nei contesti più differenti, dai locali e jazz club fino ai teatri di Broadway.
Tra gli innumerevoli premi vinti da Jones nel corso della sua carriera va segnalato il Premio Grammy alla carriera vinto lo scorso anno, oltre alla National Medal of Arts e the National Endowment of the Arts' Jazz Masters Award.
Il critico ed autore Howard Mandel ha pubblicato uno straordinario ricordo di Hank Jones sul suo splendido blog Jazz Beyond Jazz riprendendo un articolo con intervista del 2009:
Pianist Hank Jones is a courtly gentleman of the old school, who wears a coat and tie for an interview conducted in his own lodgings and is forthright about his approach to music in the 21st century.
"I try to play evenly," Jones says with genuine humility about his style, which is widely regarded as maintaining the highest standard for keyboard playing in the contemporary vernacular. "I don't take too many excursions, I don't go too far away from the melody, I don't go out in the deep water. I want the listener to understand what I'm doing. I try to stay pretty much right down the middle and yet keep it interesting."
In these efforts he has succeed magnificently, though he understates the depths he's mastered -- as well as the progressive broadening as well as continuity of what's "right down the middle" of jazz that he has established and documented in more than 450 recordings under his own leadership and with the greatest vocal and instrumental stars from the '40s through today. At age 91, Hank Jones is universally acknowledged to be what his frequent collaborator Joe Lovano calls "a treasure": a man of experience who embodies the wit, warmth, elegance, swing, sagacity, ongoing productivity and open-minded creativity we hope for from all artists and too rarely find. Besides the respect -- no, awe -- of his colleagues and international audiences, Jones has been the recipient of numerous honors, being designated a Jazz Master by the National Endowment for the Arts, given a Grammy Lifetime Achievement Award and now inducted into Down Beat's Hall of Fame.
The pianist takes this all in stride (pun intended) as befits a man who began professional life at age 13 under the esthetic sway of Fats Waller, Art Tatum, Earl "Fatha" Hines and Teddy Wilson. "I'm just trying to keep up with the other guys," he insists, those "guys" being the pianists he's known and admired. His conversation is laced with references to the late Oscar Peterson, Erroll Garner, Bill Evans Tommy Flanagan and John Lewis, as well as George Shearing, Barry Harris, Marian McPartland and diverse next-generation players. But one wonders: Who can keep up with Mr. Jones?
His schedule of bookings is the envy and would be a challenge for much younger musicians. When he sat down to talk for an hour in the comfortable but unfussy apartment he sublets in Manhattan while his home in Cooperstown, New York undergoes long-term renovations, he was in preparation for a concert in The Hague with the Metropole Orchestra. He was scheduled to perform in July in Donostia-San Sebastian, Spain, fronting his trio with bassist George Mraz and drummer Willie Jones III, as well as at the San Sebastian Jazz Festival in duet with Lovano (they issued Kids: Duets Live at Dizzy's Club Coca-Cola in 2007).
He and Lovano are performing at George Wein's reconstituted Newport Jazz Festival, and in Monterey with a co-led quartet completed by bassist John Patitucci and drummer Brian Blade. Jones is also the guest of honor at the 30th Detroit International Jazz Festival, which has built its Labor Day weekend programming around the theme "Keepin' Up with the Joneses: A nod to Thad, Elvin and Hank, and a celebration of other family dynasties."
While it's accurate to describe Hank Jones as a titan of a dynasty, and he grew up with musical parents and siblings, his status does not rest on the achievements of a family band. Rather, he is a "patriarch of the Detroit piano legacy," as the pianist Geri Allen, a fellow Detroit-area native and one of Jones' most ardent followers, puts it. Hank worked only occasionally with his younger brothers Thad and Elvin, innovators of big band composing and traps drumming, respectively, over the course of their parallel careers. They're deceased -- Thad since '86, Elvin since 2004 -- and Hank misses them, of course, speaking enthusiastically about their unique sounds. "I'd rather listen to what they do than play myself," he mentions. But Hank Jones doesn't live in the past so much as the present and foreseeable future. He knows who he is, where he's come from, what he's done and how to continue.
"You've got to live your age," he says -- wisdom that has many possible interpretations, but seems to mean to him mostly that time travels on and if we're lucky, we go with it. He's been lucky and isn't about to stop.
"It takes a lot of concentration," Jones continues, in response to a comment that he seems to be capable of every opportunity, collaboration and repertoire directed his way. "If there's any secret -- and I don't think there is -- it's certainly that: Whatever you're doing, give it 100 per cent concentration. Really focus on that thing. That's what I believe, that's what I have to do.
"I took that idea, I think, from my father, one of the most upright men I've ever known. He used to play a little guitar around the house, not professionally, but he served as a great role model. He was a clean living person. He didn't drink or smoke, and he was a Christian. I've followed his way of doing things, and it's worked out pretty well for me.
"You see, there is no magic involved in playing the piano. It takes hard work, continuous hard work. Whatever skills are involved, it's a matter of practice. You can never say reach a point where you don't think it's necessary to practice anymore. It's always necessary to practice everyday. If you can do that, then you can maintain whatever skills you have, and perhaps even increase your skills. To me, that's the only way to do it.
"That's something I learned over time. At first I hated to practice. My mother had to threaten me, saying 'Either you practice or you don't have dinner.' At that time, I practiced because I had to. I practice now because I want to. And it's been that way for many years -- a minimum of two hours a day. If I have more time I'll spend more time. If I'm working on something specific, like songs I'm going to be playing, I'll spend a lot more time. I work on technical things like scales and exercises, then combine them with the tunes I'm going to be playing that I may be learning. I can spend eight hours at the piano easily, and not even know where the time went.
"A performance depends on how much I practice. It works that way. If you want to be able to do the things you want to do, you have to practice. Then the performance comes easy. I think if you're really going to play to your best, in any style, you have to be aware of what your fingers are doing. Your fingers have to be in shape or you can't play anything. That's why it's necessary for me to practice. I feel that in order to do anything -- certainly to play my own ideas -- I have to practice. Otherwise I can't execute properly."
Per leggere il resto dell'articolo visitate questo indirizzo.

Ecco un video dell'Hank Jones Trio at the Brecon Jazz Festival in 1993, dove presenta una strepitosa versione di Recordame

I concerti della settimana

2010-05-16T09:44:00.004+02:00

Domenica 16/5/2010
ore 19.03
Memories of LENA HORNE (link)

ore 20,00
Festival di cultura e musica jazz di Chiasso (4-6 febbraio 2010)
GATO BARBIERI
SCOPE (link)

ore 22,40
BILLY COBHAM en direct au Studio 15 (link)

Lunedì 17/5/2010
ore 1,05
ANDY EMLER MEGAOCTET "Unterfahrt" München, 13. März 2010 (link)

ore 2,00
TED ROSENTHAL Sala Concerti della Radio Ungherese di Budapest 29 Agosto 2009 (link)

ore 20,30
ROBERTO FONSECA Tampere Jazz Happening novembre 2009 (link)

ore 20,30
UMBERTO PETRIN "suona Jacques Brel" Registrato a Novara, Conservatorio Cantelli, il 04 giugno 2009
ROVA SAXOPHONE QUARTET Registrato a Novara, Conservatorio Cantelli, il 28 maggio 2009 (link)

ore 22,02
SILJE NERGAARD AND METROPOLE ORKEST guest VINCE MENDOZA 25-1-2010 in Paradiso in Amsterdam (link)

Martedì 18/5/2010
ore 2,05 - 5,00
Notte dedicata a ORNETTE COLEMAN (link)

ore 21,00
GERALD CLAYTON en direct du New Morning (link)

Giovedì 20/5/2010
ore 20,00
JACQUES SCHWARZ-BART en direct du Duc des Lombards (link)

ore 20,00
QUARTETTO ARTE: (Beat Hofstetter, sassofono soprano / Sascha Armbruster, sassofono contralto / Andrea Formenti, sassofono tenore / Beat Kappler, sassofono baritono)
Ceresio Estate 2007: “Arteworld "Musica del Mondo” 18 agosto 2007, Chiesa di Gentilino (link)

Venerdì 21/5/2010
ore 22,00
JOHN MCLAUGHLIN & THE 4TH DIMENSION 8/5/2010, Uppsala Konsert & kongress (link)

ore 22,30
XU FENGXIA & LUCAS NIGGLI am Jazz Festival Willisau 2009 (link)

Sabato 22/5/2010
ore 16,00
HARRIET TUBMAN TRIO 24 november 2008 in Jazzcafé Wilhelmina, Eindhoven (link)

ore 17,00
VYACHESLAV GANELIN TRIO Live 1980-82 (link)

ore 20,05
Live from MOERS FESTIVAL 2010
Bergen Big Band feat. Terje Rypdal, Palle Mikkelborg & Stale Storlokken
Super Seaweed Sex Scandal
Network at Stoppages
Steve Lehmann Octet
Bill Frisell with Eyvind Kang and Rudy Royston (link)

ore 23,00
GLENN FERRIS TRIO "Ferris Wheel" Enregistré le 03 avril au studio Charles Trenet de la Maison de la Radio
DON FRIEDMAN TRIO Enregistré le 4 juillet 2009 à Salzau (Allemagne) festival Jazz Baltica (link)

Recensione di Push - Jacky Terrasson

2010-05-15T10:14:00.007+02:00

Push è il titolo del nuovissimo album del pianista Jacky Terrasson, una godibile produzione principalmente in trio, ma costellata qui e là di ospiti che rendono più speziato il sapore di un album che, seppur piacevole e con un buon livello medio, manca, come purtroppo spesso accade agli album del pianista, di quella scintilla capace di renderli dei capolavori.
Una scintilla che invece Terrasson mette in mostra nei suoi concerti live, dove riesce a coniugare la sua tecnica strabiliante ad una grinta e ad una spettacolare capacità improvvisativa, che invece mi sembra manchi nei suoi lavori discografici, che risultano spesso un pò calligrafici.
Nell'album Terrasson mostra anche una discreta vena compositiva capace anche di svariare tra i generi; i migliori pezzi dell'album risultano le proprie composizioni originali, quali il souleggiante pezzo di apertura Gaux Girl, il frenetico Beat Bop, nel quale Terrasson mette in mostra la sua straordinaria maestria, sostenuto in maniera superlativa dalla ritmica costituita da Ben Williams al basso acustico ed elettrico e Jamire Williams alla batteria, e My Church, una delicata ballad che ricorda Moon River.

Gli standard presenti nell'album risultano meno efficaci, eccezion fatta per la versione della monkiana Ruby My Dear, impreziosita dalla presenza dell'ottimo armonicista Gregoire Maret, che la rende in maniera nostalgica e coinvolgente.
Più convenzionali risultano le versioni di ‘Round Midnight e di You’d Be So Nice to Come Home To, che non aggiungono niente di nuovo allo sterminato numero di volte che sono state registrate.
Infine una citazione a parte merita l'improbabile medley tra Beat It di Michael Jackson e il celebre standard Body and Soul, per il quale, pur apprezzando lo sforzo di Terrasson di legare insieme questi pezzi così diversi, non sono molto convinto del risultato.

Ed ecco un video del medley Beat It/Body and Soul tratto da un concerto registrato a Marciac nell'agosto del 2009.

Bill Evans Trio - The Peacocks

2010-05-15T08:34:00.003+02:00

Oggi voglio soffermarmi su un video straordinario, una versione della meravigliosa The Peacocks di Jimmy Rowles (a mio parere una delle più belle composizioni jazz in assoluto), resa in maniera sublime dallo straordinario trio di Bill Evans, con Marc Johnson al basso e Philly Joe Jones alla batteria.
Il video è tratto dalla trasmissione della Rai Schegge e riprende una registrazione effettuata a Terni, nell'ambito di Umbria Jazz, il 19 luglio 1978.

Ed ecco l'imperdibile video:

Il North Sea Jazz Festival presenta il programma del 2010

2010-05-14T19:19:00.005+02:00

Il North Sea Jazz Festival è diventato uno dei più grandi eventi di jazz internazionale. Nel corso degli anni i numeri del festival sono aumentati a dismisura: quindici città, circa mille e trecento artisti e un numero di visitatori che varia tra i 65 mila e settantamila ogni anno. Dal 2006 il festival ha trovato una posizione nuova e più spaziosa: l'Ahoy di Rotterdam.
Il North Sea Jazz è conosciuto in tutto al mondo per i molti generi musicali che ha da offrire, che vanno dal jazz tradizionale di New Orleans, swing, bop, free jazz, fusion, avant-garde jazz e jazz elettronico, blues, gospel, funk, soul, R & B, hip hop, beat e latino. Che vengono tutti presentati durante un solo fine settimana: il 9, 10 e 11 luglio 2010.
Finalmente gli organizzatori hanno annunciato il programma di questa edizione che sarà la 35a.
Gli ospiti avranno l'opportunità di ascoltare il Pat Metheny Group, Caetano Veloso, Earth, Wind & Fire, Herbie Hancock e Jamie Lidell. Oltre a superstars quali Diana Krall, Ben Harper, Norah Jones, Katie Melua, Joss Stone e Corinne Bailey Rae, leggende del jazz quali Dave Holland, Ron Carter e Bob Brookmeyer che faranno una apparizione all'interno del festival. Il top del jazz odierno sarà rappresentato da Joshua Redman e José James.
Ma il vero punto forte del festival sarà la partecipazione come Artist in Residence di Ornette Coleman il più grande innovatore del jazz negli anni 1950 e '60. Come ospite d'onore, si esibirà in alcuni progetti molto particolari. Il venerdì, potrete godere di "This Is Our Music Now", che riunirà Coleman dopo 30 anni con special guest quali Charlie Haden e Joshua Redman, figlio di Dewey Redman, che suonava nella famoso Coleman Quartet. Sabato suonerà un repertorio tratto da il tanto lodato album Sound Grammar con l'attuale Coleman Quartet. E domenica, si avrà l'opportunità unica di vedere Coleman sul palco con Bachir Attar & Master Musicians of Jajouka - una fonte molto importante di ispirazione per Coleman - e il chitarrista James Blood Ulmer, un suo ex studente.
Per scoprire il programma integrale dei concerti, visita questo indirizzo.

Chris Potter Quartet questa sera su France Musique

2010-05-14T19:03:00.002+02:00

Questa sera, a partire dalle ore 22,30, l'emittente radiofonica France Musique, trasmetterà in differita il concerto del quartetto di Chris Potter, registrato lo scorso 11 maggio al New Morning di Parigi.
Potter è stato accompagnato per l'occasione da Adam Rogers, chitarra, Nate Smith, batteria e Fima Ephron, basso.
Da Wikipedia:
Nato a Chicago (Illinois), Potter ha passato gran parte della sua infanzia a Columbia, nella Carolina del Sud dove sua madre insegnava psicologia alla South Carolina University.
Manifestò un precoce interesse verso la musica e divenne presto un vero e proprio bambino prodigio, padroneggiando diversi strumenti tra cui la chitarra e il pianoforte, fino a giungere, verso i dieci anni d'età, al sax, contralto prima, tenore poi.
Chris Potter iniziò la sua esperienza in ambito jazz professionale all'età di soli 13 anni, conquistando subito un certo devoto seguito a livello locale. All'età di 18 anni sì trasferì a New York per frequentare il college, prima alla New School University, quindi alla Manhattan School Of Music, dove ebbe come insegnante il pianista Kenny Werner, col quale stabilì una duratura amicizia, culminata con la registrazione, nel 1994, di un album in duo.
Nello stesso periodo entrò nuovamente in contatto con il grande trombettista Red Rodney, con cui aveva già suonato durante un festival jazz a Columbia. Quelli passati tra le file della band di Rodney furono quattro anni importanti per Chris Potter, che gli permisero di affinare le sue abilità a fianco di un gigante del bebop, fino a poco tempo prima della scomparsa dello stesso Rodney, nel 1994.
Dopo la laurea presso la Manhattan School Of Music, nel 1993, Potter iniziò una lunga serie di collaborazioni per musicisti del calibro di (oltre ai già citati Kenny Werner e Red Rodney): Patricia Barber, Marian McPartland, Mingus Big Band, Paul Motian, Ray Brown, Jim Hall, James Moody, Dave Douglas, Joe Lovano, Wayne Krantz, Mike Mainieri, Steve Swallow, Steely Dan, Dave Holland, Joanne Brackeen, e altri, oltre che incidere album a suo nome.
Nel 1998 il suo CD Vertigo (etichetta Concord Jazz) venne inserito tra i 10 migliori dischi jazz dell'anno sia dalla rivista Jazziz Magazine che dal New York Times. Venne candidato per un "Grammy Award for Best Jazz Instrumental Solo" (premio Grammy come miglior assolo jazz strumentale) per la sua performance nel disco Pink Elephant Magic di Joanne Brackeen. Nel 2000, è stato il più giovane artista a ricevere il Premio Jazzpar, uno dei più prestigiosi riconoscimenti mondiali in ambito jazz, conferito in Danimarca da una giuria internazionale di esperti del settore.
Chris Potter viene considerato, grazie alle sue eccellenti abilità tecniche, alla versatilità con cui affronta diverse situazioni musicali, e al suo temperamento sperimentale e innovativo, come uno dei migliori sassofonisti jazz viventi. Attualmente calca le scene jazz mondiali principalmente con la sua band chiamata Underground (titolo del corrispondente progetto discografico, pubblicato nel 2006), ma anche come side man per artisti del calibro di Herbie Hancock e altri.
Multistrumentista, Potter suona prevalentemente il sax tenore e soprano. Posside diversi strumenti, ma da qualche tempo sembra prediligere come sax tenore un Selmer Balanced Action argentato del 1947, già appartenuto a Michael Brecker, con becco Otto link Florida 7* (modificato) degli anni '60. Suona poi un sax soprano Selmer serie III con becco Selmer Soloist E vintage, un sax contralto Selmer Mark VI con becco Selmer Soloist, e un vecchio clarinetto basso, sempre Selmer, degli anni '20, con becco Bundy. Nei primi album ha suonato anche un sax tenore Selmer Mark VI.
Attualmente risiede in Ungheria, con sua moglie e suo figlio.

Per ascoltare il concerto clicca qui.

Ecco il video di The Wheel, registrato al Jazz Open di Stoccarda il 24 luglio 2009

Mary J. Blige sarà Nina Simone sul grande schermo

2010-05-14T18:53:00.001+02:00

La grande sacerdotessa del soul sta per arrivare sugli schermi con il volto di Mary J. Blige, che ha firmato per interpretare il ruolo di Eunice Kathleen Waymon, al secolo conosciuta con il nome di Nina Simone. Pianista, cantante, compositrice, Simone è nota soprattutto per la sua estensione vocale unica, che riusciva a toccare corde baritonali e da soprano, una qualità che rendeva la sua musica inconfodibile. Anche se i più la conoscono per il suo contributo alla musica jazz, Simone è nata come pianista classica e non amava essere etichettata. La sua vita non è stata semplice, nata nel 1933 e scomparsa nel 2003, è stata protagonista, come altri artisti della sua epoca, nella lotta per i diritti civili, ma Nina ha dovuto battersi anche contro altre avversità, più insidiose, come il bipolarismo che l'ha tormentata per tutta la vita.
Il film, che dovrebbe intitolarsi Nina, adattato e diretto da Cynthia Mort, si basa sull'autobiografia della cantante, I Put A Spell On You, pubblicata nel 1992, ed esplorerà la sua relazione con il suo assistente Clifton Henderson, che avrà il volto di David Oyelowo (L'Ultimo Re di Scozia). I costi di produzione si aggirano intorno ai dieci milioni di dollari e verranno sostenuti dalla Endeavor's Global Finace & Distribution di William Morris che finanzierà il progetto in collaborazione con gli Ealing Studios; il biopic comincerà la produzione esecutiva a settembre in Francia.

Avishai Cohen North Sea Jazz 2009

2010-05-14T16:11:00.002+02:00

Il sito di Radio 6 della Radio nazionale olandese, dà l'opportunità di ascoltare in streaming alcuni dei concerti tratti dall'edizione del celebre festival North Sea Jazz dell'anno 2009.
Oggi ascoltiamo la registrazione del concerto della formazione diretta dal bassista israeliano Avishai Cohen.
Il concerto fu registrato l'11 luglio del 2009 e per l'occasione la formazione era composta da: Karen Malka (vocals); Amos Hoffman (oud); Shai Maestro (piano); Avishai Cohen (bass); Itamar Doari (percussion).
Per ascoltare in streaming il concerto clicca qui.

Jasmine - Keith Jarrett / Charlie Haden

2010-05-13T21:57:00.011+02:00

Keith Jarrett e Charlie Haden di nuovo insieme!
Trentatre anni dopo lo scioglimento del grande Quartetto Americano, il pianista e il bassista si riuniscono per un notevole album di standard, suonato con profondo sentimento. Il programma di Jasmine comprende noti standard come Body And Soul, For All We Know, Where Can I Go Without You, Don't Ever Leave Me ed altri ancora.
Intimo, spontaneo e caldo, con questo album, prodotto dalla ECM, Jarrett e Haden riprendono a fare musica e nient'altro che musica - come solo loro riescono a fare. Come Keith Jarrett dice nel sue note di copertina: "Questa è musica spontanea eseguita sul posto, senza alcuna preparazione tranne la nostra dedizione che abbiamo posto in tutta la nostra vita, tanto che non riusciremmo ad accettare un sostituto ... Queste sono canzoni d'amore interpretata da grandi musicisti che cercano, principalmente, di mantenere intatto il messaggio. "

Ecco il video di presentazione dell'album:

Rava suona Gershwin on line su Magazzini Sonori

2010-05-13T18:06:00.004+02:00

Appuntamento con la musica per l'ultimo progetto musicale del trombettista Enrico Rava 'Parco della Musica' Jazz Lab, realizzato nell'ambito di Crossroads 2010- Jazz & altro in Emilia Romagna. Il concerto sara' trasmesso in differita sul sito Magazzini Sonori, portale musicale della Regione, per la rassegna Magazzini Break, mercoledi' 19 maggio alle 17. 'Rava suona Gershwin' il titolo della rivisitazione dei brani piu' suggestivi del songbook del celebre compositore americano.
Rava concentra le sue energie su progetti musicali selezionati, di cui l'ultimo e' proprio il 'Parco della Musica' Jazz Lab, formazione da lui creata e diretta, che nel corso del biennio 2010-2011 sara' chiamata a creare una serie di programmi musicali con la partecipazione di ospiti di volta in volta diversi.
Per questo primo programma ospiti d'eccezione Gianluigi Trovesi (clarinetto) e Gianluca Petrella (trombone). La trasmissione e' curata dall'Agenzia informazione e ufficio stampa della Giunta regionale e dai tecnici di Aicod (Parma). Il concerto e' stato registrato il 20 aprile scorso al Teatro dell'Osservanza di Imola.
Per ascoltare il concerto basterà collegarsi alla home page di Magazzini Sonori e avere installato Adobe Flash Player.
La trasmissione sarà diretta da Cinzia Leoni (Agenzia Informazione e Ufficio Stampa della Giunta regionale) e curata dai tecnici di Aicod.

Le sagge vedove investono sulle eredità delle leggende del jazz

2010-05-13T16:59:00.003+02:00

Un bel articolo pubblicato sul sito del Wall Street Journal, racconta come le signore Laurie Pepper, Sue Mingus, Maxine Gordon, Francine Bellson, mogli di quattro leggendari jazzisti deceduti, lottino e cerchino di investire per mantenere viva l'eredità ed il valore commerciale delle opere dei loro mariti, a differenza di tante altre mogli che non possiedono l'energia, le competenze o le capacità imprenditoriali per intraprendere una simile attività.
Ecco un estratto dell'articolo:
High on alcohol and drugs in 1981, alto saxophonist Art Pepper flew through a red light in Van Nuys, Calif., slamming his car into the one in front of him and sending his head through the windshield. Months later, as Pepper recovered from his injuries, his shaken wife, Laurie, insisted they have a talk.
Fearful that her husband's erratic behavior could expose the couple to a ruinous negligence suit, she shared with the musician their accountant's advice: By transferring ownership of the saxophonist's works and contracts into Arthur Pepper Music Inc., they could shield those intellectual assets from any third-party claims. Her husband agreed.
In the years since Art Pepper's death in 1982, Laurie Pepper has kept her husband's name and music alive world-wide while earning income from his works. She took music-business and music-law courses at UCLA, copyrighted Pepper's compositions, networked by email with global fans, and licensed his recordings.
In 2006, she started Widow's Taste, a record label that just released its fifth album of Art Pepper's music—"The Stuttgart Concert"—a double-CD set of the saxophonist's 1981 live performance in Germany.
In the jazz world, Mrs. Pepper's efforts are the exception rather than the rule. Aside from Sue Mingus, Maxine Gordon, Francine Bellson and a handful of other enterprising widows, most spouses of deceased jazz greats fail to leverage their husbands' legacies.
"Without an advocate in the marketplace, the commercial value of a jazz artist's name slips away," says Peter Shukat, an entertainment lawyer with Shukat Arrow Hafer Weber & Herbsman in New York. The firm represents the estates of eight deceased entertainers, including John Coltrane, Charles Mingus and Nina Simone.
To be fair, many older jazz widows do not have the energy, expertise or entrepreneurial skills to take on such a venture. "Others don't have the financial means or help from family members," says Mrs. Mingus. "Or they may have better things to do with their time."
After her bassist husband's death in 1979, Mrs. Mingus founded three different repertory ensembles that routinely perform his music. She also produces their concerts and recordings on her Sue Mingus Music label, which just released "The Mingus Big Band: Live at the Jazz Standard." There are music publishing ventures and even a national high-school competition. "To support all of this, our nonprofit foundation constantly applies for grants," says Mrs. Mingus.
Maxine Gordon started planning years before husband Dexter's death in 1990. She had been the tenor saxophonist's personal manager since the mid-1970s. "After Dexter's appearance in the film 'Round Midnight' in 1986 and his Oscar nomination, I knew he was in a different royalty league," she said.
So did Dexter. He wrote Mrs. Gordon a 10-page checklist of suggestions to capitalize on his works and preserve his name and reputation. "Playing a helpless, destitute musician in 'Round Midnight' had a profound effect on him," she said. "Dexter said to me, 'I don't want my music ripped off or my life forgotten.'"
Years before the couple began living together in 1983, Dexter had founded Dex Music Co., which owned his music publishing rights. After the couple married in 1988, they held formal meetings every Friday at 9 a.m. over breakfast. "While Dexter had his two 3-minute eggs and black coffee, we talked only about business," Mrs. Gordon said. "Then I'd bring in our lawyer for implementation."
Per leggere il resto dell'articolo visita questo indirizzo.

Young Jazz Festival

2010-05-13T14:22:00.004+02:00

Dal sito www.tuttoggi.info
"Young Jazz" conferma ancora una volta di essere un festival dinamico, fresco e giovane, soprattutto perché dedicato ai nuovi talenti della musica jazz e non solo. La manifestazione, che si svolgerà dal 28 maggio al 2 giugno prossimi come sempre a Foligno e quest'anno anche a Bevagna, Gualdo Cattaneo, Montefalco, Spello e Trevi, con l'edizione 2010 raggiunge l'importante obiettivo dei sei anni di attività. Un periodo sufficiente a decretare un notevole successo di pubblico e di critica, che gli ha permesso di raccogliere ottimi consensi per carattere e qualità, e grazie al quale il Festival si è affermato come una realtà importante nel panorama jazzistico nazionale e internazionale. Salutata sin dall'esordio come un'iniziativa originale e dalla forte spinta propulsiva, in questi anni di attività il Festival, organizzato dall'Associazione Culturale Young Jazz, è divenuto palcoscenico privilegiato per tutto quel filone di ricerca musicale che sempre più, in Italia come nel resto d'Europa, sta sfornando artisti e progetti quanto mai interessanti. Il presidente dell'Associazione Young Jazz, Mario Gammarota, questa mattina presso la Sala della Partecipazione della Provincia di Perugia, ha presentato il Festival e le sue importanti novità. Alla conferenza sono intervenuti anche l'assessore al turismo della Provincia di Perugia Roberto Bertini, la responsabile del settore musei della Regione Umbria Antonella Pinna e la vicepresidente della società Sistema Museo Simona Menci. Con un filmato video è intervenuto anche Gianluca Petrella, direttore artistico per l'edizione 2010. Da quest'anno, infatti, "Young Jazz" ha deciso di affidare la direzione artistica di ogni edizione del Festival ad un musicista differente. "È un onore - ha affermato Petrella - essere il primo direttore artistico esterno di questa rassegna giovane e dedicata ai giovani, in cui ho cercato di portare quegli artisti che ultimamente mi stanno entusiasmando di più. La mia scelta si è basata su un jazz che si fonda sul passato, ma che guarda al futuro". "Young Jazz" ha deciso di iniziare con Gianluca Petrella soprattutto perchè è un giovane artista, ormai di fama internazionale, con una visione della musica e della ricerca sonora totalmente in sintonia con quelle che, fino ad ora, sono state le direttive artistiche principali del "Young Jazz Festival". "Un Festival - ha ricordato Gammarota - nato e cresciuto a Foligno, con il sostegno dell'Amministrazione comunale e di altre realtà associative della città, il quale può registrare uno sviluppo costante che ha anche portato lo scorso inverno all'organizzazione della prima rassegna invernale "Young Jazz Countdown", pure questa archiviata già con un incoraggiante ottimo bilancio di partenza. Riconoscendone la validità, lo spirito d'innovazione e la continua tensione verso la sperimentazione, alcune istituzioni umbre da subito hanno sposato il progetto di "Young Jazz" ed anche altre che si sono aggiunte successivamente lo sostengono nei suoi obiettivi". L'evento è oggi organizzato in collaborazione con la Regione Umbria, la Provincia di Perugia, i Comuni di Bevagna, Foligno, Gualdo Cattaneo, Montefalco, Spello e Trevi, la società Sistema Museo e con l'importante patrocinio di Umbria Jazz che lo ha concesso a "Young Jazz" per il secondo anno consecutivo. "Il Festival - ha detto l'assessore provinciale Bertini - con la sua vivacità e intraprendenza aiuta a promuovere il territorio, perché è un'iniziativa di qualità che coinvolge molti comuni e borghi di qualità". La rassegna, di straordinaria originalità, anche quest'anno si identifica pienamente nel progetto "young jazz": jazz delle nuove generazioni e jazz di nuova generazione. L'edizione 2010, la sesta, propone inoltre importanti novità. La prima, più evidente, è la nascita di "Young Jazz Museum" (29 maggio - 2 giugno). Questa sezione si presenta come l'evento nell'evento, un connubio tra arte, musica e cultura, nato dalla collaborazione tra l'Associazione Young Jazz e la società Sistema Museo per promuovere e valorizzare lo straordinario patrimonio museale dell'Umbria e che permette al Festival di diventare itinerante. L'arte incontra la musica in cinque prestigiose località che ospitano presso i loro musei altrettanti concerti pomeridiani dalle ore 17.30 (29 maggio, Museo Emilio Greco di Spello, Daniele Tittarelli - Enrico Bracco duo; 30 maggio, Rocca Sonora di Gualdo Cattaneo, Joe Rehmer "Tazer Room"; 31 maggio, Complesso museale San Francesco di Montefalco, Antonello Salis "piano solo"; 1° giugno, Sala delle Logge del Mercato Coperto di Bevagna, Alfonso Santimone "Thrill"; 2 giugno, Complesso Museale San Francesco a Trevi, Federico Scettri - Beppe Scardino duo "Pospaghemme"). "Questo connubio tra jazz e musei - ha detto Simona Menci, vicepresidente di Sistema Museo - è nato da una riflessione generale sul ruolo che devono avere i musei locali all'interno del loro territorio. Al di là della sua funzione di conservazione di beni culturali, il museo va sfruttato anche come spazio di animazione culturale, per rendere vivo il luogo e incrementare le presenze". "Young Jazz Museum", inoltre, si caratterizza anche con gli "Incontri Con Lo Strumento". In un contesto informale ed aperto, i cinque musei umbri accoglieranno la mattina dalle ore 11.00 i musicisti di "Young Jazz" per delle conversazioni con il pubblico intorno alla musica jazz. Un'occasione per scoprire risvolti inediti ed insoliti dei musicisti e della loro arte (29 maggio, Benozzo Cafè - Complesso museale San Francesco di Montefalco, la tromba e Paolo Fresu che presenterà anche il libro "Musica dentro"; 30 maggio, Auditorium Adolfo Broegg di Spello, il sassofono e Gaetano Partipilo; 31 maggio, Raccolta d'Arte San Francesco di Trevi, la tromba e Fabrizio Bosso; 1° giugno, Rocca Sonora di Gualdo Cattaneo, il pianoforte e Alfonso Santimone; 2 giungo, Museo Civico di Bevagna, la batteria e Federico Scettri). Tutti gli appuntamenti targati "Young Jazz Museum" saranno gratuiti. Anche Antonella Pinna della Regione Umbria ha sottolineato l'importanza dei Musei che sempre più "devono diventare, come in questo caso, cornici dove si possano intrecciare scambi culturali e occasioni di ispirazione, ovvero luoghi di creazione oltre che di conservazione". Oltre alle esibizioni nei musei ci saranno, come da tradizione per "Young Jazz Festival", anche i concerti serali (ore 21.30) nel grande palco dell'Auditorium San Domenico di Foligno e pensati per la sua vasta platea. Non mancheranno musicisti eccezionali e abbinamenti originali, a volte unici. Si inizia subito alla grande venerdì 28 maggio con il duo Gianluca Petrella (trombone) e Paolo Fresu (tromba). Dopo l'intervallo proseguirà la serata il progetto "Rollerball" guidato da Beppe Scardino (sassofono). Sabato 29 maggio il "Lunaria Quartet" di Luca Aquino (tromba) aprirà la serata che prevede anche l'esibizione del sassofonista Gaetano Partipilo e la sua "Urban Society". Il 30 maggio toccherà alla Ray Anderson's Pocket Brass Band e a seguire al trombettista Fabrizio Bosso con il suo "Dynamic Trio". Martedì 1° giugno sarà la volta della straordinaria voce di John De Leo alla guida del progetto "Vago Svanendo". Visto poi il successo ottenuto anche nella passata e prima edizione invernale di "Young Jazz Countdown", torna anche la marching band Magicaboola Brass Band per ricoprire di note le strade e le piazze del centro storico di Foligno (sabato 29 maggio dalle 16.30 alle 19.30). Inoltre, la collaborazione con la Strada del Sagrantino, in concomitanza con "Cantine Aperte", permetterà, attraverso la sezione "Young Jazz & Sagrantino", di abbinare al percorso musicale e artistico le degustazioni presso le cantine Scacciadiavoli e Novelli di Montefalco o durante l'intervallo di alcuni concerti. A Foligno, le "Jam Session" notturne presso la Taverna del Rione Ammanniti, il "Jazz Lunch" e il "Jazz Dinner" sempre in Taverna e con la collaborazione del Ristorante "Alla via di mezzo", ed infine "L'aperitivo Classic Jazz" al Wine Bar "Lu Cuccugnau" (discussioni sui grandi musicisti jazz del passato a cura di Fabio Ciminiera), completano un programma ricco e variegato. Altra novità dal punto di vista strettamente artistico è che, da quest'anno, ogni vincitore del referendum della rivista Musica Jazz, per la sezione "Miglior Nuovo Talento", presenterà il suo nuovo progetto nella cornice del Festival, ribadendo in questo modo come l'evento dedichi interesse e spazio ai giovani musicisti e alle nuove realtà della scena jazzistica e non. Protagonista del concerto di sabato 29 maggio, alle 21.30 presso l'Auditorium San Domenico di Foligno, sarà quindi Luca Aquino (tromba), Top Jazz 2009, che porterà sul palco il suo "Lunaria Quartet". Ad accompagnare gli eventi musicali ci sarà pure la proposta del pacchetto turistico "In Umbria. Sulle Note Del Jazz", una formula "freedom" studiata in collaborazione con la Provincia di Perugia che permette la massima libertà di movimento a chiunque sia interessato a visitare il territorio, approfittando dei concerti di "Young Jazz Festival". Attraverso il sito www.youngjazz.it e grazie alla collaborazione della Grato Viaggi di Foligno, ognuno potrà costruirsi il proprio week-end all'insegna dell'arte, della cultura, dell'enogastronomia e, naturalmente, della buona musica. Infine, grazie al workshop fotografico "Musica Da Guardare - Fotografare Il Jazz" tenuto dal giovane ma esperto fotografo Andrea Boccalini, il Festival si allinea con gli altri eventi del settore, dando la possibilità di approfondire una tecnica ed un'arte sempre più di maggior interesse e al tempo stesso legata al mondo del jazz.

Weather Report - Live at Montreux Jazz Festival 1976

2010-05-13T12:28:00.003+02:00

Recensione tratta dal sito italiano di All About Jazz.
Questo bel video ci ripropone la magica performance dei Weather Report del luglio 1976 al Montreaux Jazz Festival, con una formazione stellare che comprendeva, oltre ai fondatori Joe Zawinul e Wayne Shorter, il bassista Jaco Pastorius, il batterista Alex Acuna e il percussionista Manolo Badrena. Il quintetto era davvero in ottima forma e le contraddizioni strutturali, che porteranno il gruppo allo scioglimento una mezza dozzina di anni più tardi, erano ancora poco evidenti.
Il repertorio mischia brani dell’epoca (siamo nel periodo successivo a Black Market e immediatamente precedente la registrazione, con la stessa formazione, dell’album Heavy Wheater) e pezzi tratti da album precedenti, con la preziosa inclusione di una medley che lega assieme “Dr. Honoris Causa” e “Directions”, due composizioni paradigmatiche della primissima edizione del gruppo, due capolavori usciti dalla penna elegante di Joe Zawinul.

Ecco il video del concerto

Summer Jazz Workshop

2010-05-12T22:34:00.001+02:00

Diciottesima edizione del Summer Jazz Workshop, il seminario di didattica jazz organizzato da Veneto Jazz e in programma a Bassano del Grappa (Vicenza – Italy) dal 12 al 23 luglio 2010.
Firmato in collaborazione con la Regione del Veneto e con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Bassano del Grappa, ospita ogni anno centinaia di studenti provenienti da ogni parte del mondo che scelgono di perfezionarsi con alcuni dei migliori docenti internazionali, selezionati fra gli illustri insegnanti della Faculty della New School for Jazz and Contemporary Music di New York, un'istituzione nel settore.
Il corso prevede lezioni di tecnica strumentale, teoria, arrangiamento, pratica di gruppo e Big Band, ma anche jam session nei locali e concerti in pubblico. E grazie ad una borsa di studio di 20.000 dollari messa disposizione dalla scuola, i più meritevoli possono volare a New York, un'ulteriore opportunità che ha già lanciato molti musicisti emergenti, oggi professionisti con proprie pubblicazioni e band.
Veneto Jazz è inoltre diventata la struttura di riferimento in Europa per le audizioni alla New School, che quest'anno si terranno sabato 24 luglio a Bassano.
Le lezioni saranno tenute dai famosi insegnanti Adam Holzman (pianoforte), Dave Glasser (sassofono), Cameron Brown (contrabbasso), Dave Strayker (chitarra), Amy London (canto) supportata dall'italiana Francesca Bertazzo, Jeffrey Hirshfield (batteria). In via di definizione l’insegnante di tromba.
Per informazioni: www.venetojazz.com

Al via il tour sardo di Gegè Telesforo

2010-05-12T22:29:00.003+02:00

Notizia tratta dal sito www.informazione.it
Si accendono i riflettori dei palcoscenici sardi sul So Cool Groove Master Quintet.
La jazz band capitanata dal vocalist Gegé Telesforo dà il via al breve tour di tre date in Sardegna, martedì 18 maggio alle ore 21,30 al Teatro Club FBI in Via Brigata Sassari 38, a Quartu Sant’Elena.
Cantante, polistrumentista, producer, conduttore radiotelevisivo, entertainer, ma soprattutto maestro dello scat, quella forma di canto jazz basato sull'improvvisazione vocale, Gegè Telesforo (voce e percussioni) scoperto parecchi anni fa da Renzo Arbore, ritorna ancora una volta nell’isola accompagnato sul palcoscenico da Dario Deidda ( basso), Alfonso Deidda (piano, flauto, sax alto e baritono), Max Ionata (sax tenore e soprano) e Amedeo Ariano (batteria) per presentare in tre serate che si preannunciano sold out, il suo nuovo cd So Cool.
Come tutti i precedenti lavori nati dalle incredibili doti vocali del musicista foggiano e dalla sua capacità di seguire un proprio progetto di ricerca musicale anche So Cool, scritto per il suo quintetto con la collaborazione di Ben Sidran, autore dei testi e di Peppe Sannino alle percussioni, è la sintesi di una sorta di laboratorio sonoro dove il concetto di groove si ripropone nella sua essenza più pura.
In distribuzione internazionale da gennaio 2010 il nuovo album, è il risultato di una live session di due soli giorni registrata allo Zork Studio di Buccino (SA) e in seguito masterizzato presso il prestigioso Sterling Sound di New York.
Le dieci tracce raccolte in So Cool - prodotto da GeGè Telesforo e Roberto Ramberti per l’etichetta indipendente Groove Master Edition e distribuito in Italia da EGEA Music – sono un'ideale escursione di suoni inconfondibili creati dall’impasto di voce e sassofoni che spaziano ritmicamente dal funk allo swing, dal be-bop allo storico blue note, dal latin-jazz al groove.
Dopo la serata al FBI, il Gegè Telesforo Groove Master Quintet si trasferisce nel nord della Sardegna per riproporre le originali composizioni e il contagioso groove di “So Cool” mercoledì 19 maggio alle ore 21,30 al Teatro Civico di Corso Vittorio Emanuele II a Sassari e il giorno successivo, giovedì 20, sempre alle ore 21,30 al Teatro Civico di Piazza del Teatro di Alghero.
Nato a Foggia nel 1961 e cresciuto artisticamente sotto l’ala protettrice di Renzo Arbore, che ne ha scoperto le incredibili doti vocali, Gegè Telesforo nel corso degli anni, sono oramai più di 30 a cui dedica ogni sforzo, ha saputo individuare un proprio progetto di ricerca, che ha il suo nodo centrale nello scat, ovvero l’improvvisazione vocale. Rispolverando un'arte quasi dimenticata all'estero e mai sbocciata in Italia, il vocalist foggiano ha saputo, raccogliere attorno a se il meglio della scena jazz-fusion romana: indimenticabili i suoi concerti, a metà degli anni Ottanta, in cui si divertiva a rinnovare vecchi standard del jazz.
Nelle sue numerose band (Gegè Telesforo & Co.; D.O.C. Quartet; Pure Funk Live; Groovinators) hanno militato alcuni fra i più quotati musicisti italiani: Roberto Gatto, Danilo Rea, Antonio Faraò, Marco Rinalduzzi, Enzo Pietropaoli, Rita Marcotulli, Marco Tamburini, i Deidda Brothers, Rossana Casale, Marcello Surace, Alex Gwiss, Max Bottini solo per citarne alcuni e debuttato giovani talenti come Giorgia, Stefano Di Battista, Rocco Zifarelli, Julian Oliver Mazzariello.
Nei primi anni ‘90, in seguito alla collaborazione con il pianista, cantante e raffinatissimo critico musicale Ben Sidran, Telesforo sbarca negli Stati Uniti. Qui collabora con i musicisti più in vista e inizia ad incidere i suoi dischi per l’etichetta Go Jazz, lavora in studi di registrazione prestigiosi come il Paisley Park di Prince, Sterling Sound e lo Skyline di New York.
In seguito Ben Sidran lo vuole come Lead Vocalist nella sua Go Jazz All Stars e Gegè partecipa ad un lungo tour internazionale che lo vede al fianco di artisti del calibro di Phil Woods, Bob Malach, Georgie Fame, Clyde Stubblefield, Mike Mainieri, Bob Rockwell, Richard Davis, Phil Upchurch, Ricky Peterson. In queste ripetute apparizioni trova il modo per esportare il suo indiscutibile talento vocale, non solo colleziona una serie impressionante di sold out, ma restano memorabili duetti vocali e le collaborazioni con Dizzy Gillespie, Tony Scott, Bob Berg, Jon Hendricks, Clark Terry e DeeDee Bridgewater.
Dalla seconda metà degli anni ‘90, dopo il periodo di lavoro svolto in studio a Minneapolis con i musicisti della New Power Generation di Prince, la sua ricerca musicale si indirizza sul versante di un funk aggressivo in cui gli elementi jazzistici e improvvisativi si saldano a una rigorosa ed infallibile concezione ritmica dominata dal "groove". Dal ’97 è special guest dell’Orchestra Italiana di Renzo Arbore.
Gegè Telesforo è oggi riconosciuto nel mondo come uno degli ultimi artefici ed innovatori dello scat, “l’unico artista/performer italiano che si possa fregiare del titolo di Groove Master”.
Gli appuntamenti rientrano nel calendario della IV Edizione del Festival “La Musica che Gira Intorno 2010”, ed è organizzato dall’Associazione Culturale “La via del Collegio” di Cagliari con il patrocinio degli Assessorati alla Cultura dei Comuni di Quartu Sant’Elena, Sassari e Alghero, e degli Assessorati alla Pubblica Istruzione, Spettacolo e Turismo della Regione Autonoma Sardegna.

La tourneè italiana di Ornette Coleman questa estate

2010-05-12T18:29:00.004+02:00

Ornette Coleman sarà in Italia per una serie di date nei mesi di luglio e agosto.
Per gli amanti del leggendario sassofonista le date dei concerti sono le seguenti:
19 luglio - San Marino (San Marino Jazz Festival)
21 luglio - Genova (GezMataz Festival)
24 luglio - Atina (Atina Jazz Festival)
10 agosto - Follonica (Teatro Ferriere)
12 agosto - Berchidda (Festival Time in Jazz)
Coleman sarà accompagnato dal suo quartetto composto da Ornette Coleman sax, tromba, violino, Denardo Coleman batteria, Al Mc Dowell basso elettrico, Tony Falanga contrabbasso.

Antirazzismo e Arte. Ritratti di Nina Simone di Chiara Cinelli

2010-05-12T16:51:00.002+02:00

Venerdì 30 aprile alle ore 18.30 presso le Scuderie Granducali di Palazzo Mediceo a Seravezza (Lc), si inaugura la Mostra Antirazzismo e Arte. Ritratti di Nina Simone di Chiara Cinelli. L'iniziativa è realizzata con il patrocinio e contributo del Comune di Seravezza, della Fondazione Terre Medicee, della Provincia di Lucca, con la collaborazione dell'Auser Seravezza. Il progetto è dedicato a Nina Simone, musicista impegnata nella lotta per la difesa dei diritti per l' uguaglianza dei neri, amica e sostenitrice di Martin Luther King, autrice del celebre brano Mississipi Goddam, inno contro i soprusi razzisti dell'epoca. La mostra resterà aperta fino al 29 maggio con orario 15 - 19.30, chiuso il lunedì.
Le opere e le iniziative di Chiara Cinelli, insieme ad Anna Galetta, Cinzia Biagiotti, Andreas Faoro, Francesca Rizzetto, Michela Lombardi, testimoniano come l'arte contemporanea, in tutte le sue forme, pittoriche, letterarie, video musicali, possa avere un ruolo fondamentale nell'impegno e nella denuncia di problematiche sempre attuali, quali la discriminazione razziale e l'emancipazione femminile, testimoniate dalla vita della musicista afroamericana Nina Simone. Il gruppo di artisti unito da una complicità artistica intorno ad un progetto vuole continuare ad innescare un percorso di cambiamento che si apra all'arte e alla cultura per ridare valore alla relazioni fra diverse identità ricordando chi, come Nina Simone, ha fatto del proprio linguaggio un mezzo per aprirsi al mondo.
L'insieme delle proposte del progetto Antirazzismo e Arte mette in evidenza come la differenza di genere si ritrova nella quotidianità e le diversità sessuali si articolano, in ogni società, in comportamenti che sono ritenuti appannaggio dei due sessi, comportamenti che vengono condivisi come maschili o femminili dal gruppo sociale di riferimento.
Anna Galetta espone Scatti Rubati, fotografie dedicate al tema dell'emarginazione e razzismo, Cinzia Biagiotti presenta sabato 8 maggio il Literary Workshop Scrittrici afroamericane, discriminazione razziale e la musica di Nina Simone, realizzato dal gruppo di 7 studenti del corso di Lingua e Letteratura Angloamericana dell' Università di Pisa, a seguire il 15 maggio Adreas Faoro e Francesca Rizzetto con UNLab UrbanNetWorkLaboratory - Zooming, Displacement, Media_Space, 360°, il 22 maggio Michela Lombardi propone il concerto Shades of Nina. I colori e le sfumature del canto di Nina Simone.
Per informazioni www.ninasimone.it.
La discriminazione di genere è un fenomeno profondamente radicato nella nostra società. Nonostante i molti sforzi per ridurla, rappresenta un problema attuale e di difficile soluzione. Nel 1985, un gruppo di artiste femministe, esposero alla mostra "An International Survey of Painting and Sculture" al MoMA di New York (che includeva 169 artisti di cui soltanto 13 donne) e in quel contesto fondarono le Guerrilla Girls. Da allora hanno iniziato con il loro lavoro e le loro opere a denunciare la discriminazione sessista nel mondo dell'arte, della politica, della letteratura… usando l'umorismo per trasportare le informazioni e provocare discussioni. Nel pensiero comune l'arte è fatta da uomini e la donna è musa ispiratrice che non partecipa alla creazione dell'arte, né tanto meno alla sua cura o diffusione, l'essere donna non è considerato come un aspetto culturale. L'esperienza delle Guerrilla Girls mi ha fornito lo spunto per realizzare questo nuovo progetto artistico, volto a far comprendere la differenza sessuale come un fatto culturale.
Proprio questa percezione delle donne che si limita a quella di volti e corpi misteriosi da dipingere, soggetti ritratti e non soggetti ritraenti, è stato il motivo che mi ha dato l'Idea per i Ritratti di Nina Simone, pensati non come ritratti di una musa ispiratrice, ma di una donna ispirata che partecipa attivamente alla produzione dell'arte, della coscienza di genere e quindi della cultura. La canzone "Four Women" scritta da Nina Simone, ci consegna il ritratto della condizione femminile afroamericana: quattro personaggi di donna, accomunati da una condizione di doppia discriminazione razziale e sessista. Ho quindi chiesto a due donne, Alessandra Trabucchi e Serena Cinelli, di curare e realizzare con me un tributo a Nina Simone ed in particolare a questa canzone, che divenne un inno del movimento femminista afroamericano. L'idea: chiamare ed invitare quattro artiste, quattro donne, a realizzare quattro differenti progetti e lavori artistici espressi in quattro diverse arti, Fotografia, Letteratura, Video arte e Musica.
Anna Galetta con Scatti Rubati, fotografie dedicate al tema dell'emarginazione e razzismo; Cinzia Biagiotti con Literary Workshop Scrittrici afroamericane, discriminazione razziale e la musica di Nina Simone, realizzato da un gruppo di sette studenti del corso di Lingua e Letteratura Angloamericana dell' Università di Pisa; Francesca Rizzetto con UNLab UrbanNetWorkLaboratory con quattro video - Zooming, Displacement, Media_Space, 360°; Michela Lombardi con il concerto evento Shades of Nina. I colori e le sfumature del canto di Nina Simone.
Il loro lavoro, unito al mio di Pittura, ha prodotto il ritratto di una grande donna, cantante, pianista, scrittrice e attivista per i diritti civili, che ha combattuto con le straordinarie armi della propria musica e della propria voce. - Chiara Cinelli, Luisa Lorenzoni

Ed ecco un video di Nina Simone dal vivo che presenta la celebre Mississippi Goddamn

Rita Marcotulli a Catania

2010-05-12T16:08:00.002+02:00

Giovedì 13 maggio alle 21.30 presso il teatro Metropolitan di Catania sarà presentata una produzione esclusiva Catania Jazz che esordirà in anteprima nazionale dal titolo "The Woman Next Door - omaggio a Truffaut" e vedrà sul palco una superband capitanata dalla pianista Rita Marcotulli che si esibirà in una reinterpretazione delle atmosfere musicali e visive create dal grande regista francese.
Rita Marcotulli e François Truffaut: la poetica dell’innocenza, dell’infanzia, della solitudine e della malinconia. La filmografia di François Truffaut mostra in filigrana una genialità che fa perno sulla fragilità dei personaggi, sul loro infinito desiderio di amore e libertà.
Un’indulgenza che non degenera mai nel patetico, nell’ovvio, al contrario, prende forma nella ricerca spasmodica verso l’immaginifico, un limbo tra sguardi, silenzi, parole, ed emozioni. Emozioni, vale a dire le sensazioni che gravitano nell’ambito della soggettività, infuse in immagini reali, il mondo oggettivo.
A tutto questo si ispira Rita Marcotulli la quale così descrive il suo incontro con il cinema del regista francese: “Non conoscevo bene i lavori di François Truffaut e quando un mio amico mi ha fatto vedere Ragazzo selvaggio sono rimasta folgorata, e di lì ne sono seguiti altri come Fahreneit 451 e Baci rubati. Tra l’altro proprio da questo ultimo film è tratta Que reste-t-il de nos amours che avevo già registrato. Ciò che ho fatto in “The Woman Next Door” (Label Bleu) è stato cercare di riportare in musica le emozioni che avevo provato nel vedere i film di Truffaut, più che provare a ricrearne l’atmosfera."
C’è un forte desiderio di ritrovare le atmosfere care a Truffaut, con il lascito del regista, un tipo che, avendo fatto storia a sé, ha avuto una libera relazione con la filosofia del cinema e del sonoro, tuttavia.
C’è un comune sentire – diviso tra Truffaut e Rita – di evocare attraverso i messi a loro più consoni l’ambiguità dell’amore, la nostalgia per l’infanzia e il desiderio di fuga. Tutto questo si rivela in Rita un motore per la sua poetica lirica, romantica, divisa equamente nel momento compositivo e nelle improvvisazioni.
“Per realizzare il progetto ho utilizzato sporadicamente le magnifiche colonne sonore composte per i film di Truffaut dai vari George Delerue, Maurice Jaubert, Antoine Duhanel e Bernard Hermann. Il tentativo è stato semmai quello di raccontare in musica quelle stesse storie: da Fahrenheit 451 a L’enfant sauvage, da Jules et Jim a La nuit américaine, dalla saga di Antoine Doinel a (per quanto sorprendente possa parere) Tirez sur le pianiste”.
The Woman Next Door è proposto sia in formazione originale, l’ottetto, sia in versione adattata a quartetto e a volte in duo; si esibiranno al fianco della Marcotulli, Javier Girotto (sax, clarinetto, flauti), Roberto Gatto (batteria), Michel Benita (contrabbasso), Aurora Barbatelli (arpa celtica), Luciano Biondini (fisarmonica) e Maria Teresa De Vito (regia).

Mario Rusca a Campo Ligure

2010-05-12T16:03:00.001+02:00

Venerdì 14 Maggio 2010, alle ore 21,30, proseguono alla Taverna del Falco di Campo Ligure (Via Ing. L. Bosco, tel. 010 920264) i grandi concerti jazz, curati dal direttore artistico Alberto Malnati. Di scena, uno dei più grandi protagonisti del jazz italiano, il pianista Mario Rusca, protagonista della scena jazzistica internazionale dagli anni Settanta. Con lui il decano dei bassisti liguri e suo compagno in tanti concerti, Luciano Milanese; completano la formazione Rodolfo Cervetto alla batteria e il sassofonista Claudio Capurro, che si unirà al trio per alcuni brani in quartetto. Il locale è diretto dai fratelli Ferruccio e Danilo Galbiati (nella foto).
Mario Rusca è una delle figure più rappresentative della musica jazz internazionale. Nato a Torino, Mario Rusca vive a Milano, dove divide la sua attività tra concerti jazz e insegnamento alla “Scuola Professionale di Musica Moderna” di Lugano. Storica presenza dell’ormai mitico e rimpianto “Capolinea”, la tana del Jazz milanese, Rusca ha collaborato con alcuni musicisti tra i più significativi degli ultimi decenni: Gerry Mulligan, Chet Baker, Stan Getz, Lou Donaldson. Lee Konitz, Joe Venuti, Franco e Stefano Cerri, Gil Cuppini, Gianni Basso, Luciano Milanese e tanti altri. Mario è anche arrangiatore e nel 1997 la sua big band ha ospitato Jerry Bergonzi, Hal Crook e tanti altri. Le sue ultime incisioni sono state con Tony Scott, Enrico Rava e Lee Konitz. Affianca all’attività didattica una intensa attività concertistica in campo internazionale con diverse formazioni. Il suo tocco misurato ed essenziale è inconfondibilmente la peculiarità del puro musicista jazz.

Enrico Pieranunzi all'Ischia jazz festival

2010-05-12T15:55:00.002+02:00

Wandering è il titolo del nuovo album piano solo di Enrico Pieranunzi che verrà presentato sabato 15 maggio alle 22:30 allo ‘O Spasso di Calise ad Ischia. Il grande pianista romano esplora e propone gli aspetti più affascinanti e personali della sua originalissima dimensione musicale. Audaci escursioni pianistiche improvvisate si alternano a temi melodici e a brani di più stretta ascendenza jazzistica in un “girovagare” che fa di questo cd un vero e proprio viaggio, pieno di infinite sfumature e di atmosfere le più diverse e cangianti. Nato a Roma il 5 dicembre 1949 Enrico Pieranunzi inizia lo studio del pianoforte a poco più di cinque anni, pur studiando pianoforte classico viene fortemente influenzato dal jazz grazie al padre chitarrista e appassionato di Django Reinhardt. La fusione dei due generi darà luogo a quello che poi sarà il suo personalissimo stile,un linguaggio che lo colloca in una posizione di grande rilievo nel panorama jazzistico mondiale.Tra le sue ultime opere va ricordato anche, in piano solo, Enrico Pieranunzi plays Domenico Scarlatti, che ha avuto in tutto il mondo responsi entusiastici di pubblico e di critica. In Wandering, prodotto dalla storica etichetta CamJazz, scrive Paul Benkimoun nelle liner notes del cd, Pieranunzi “fonde come non mai intelligenza musicale, dominio assoluto dello strumento e capacità di esprimere le proprie emozioni; e fa correre la fantasia dell’ascoltatore”. L’appuntamento è sabato 15 maggio allo ‘O Spasso di Calise ad Ischia per una serata magica a suon di pianoforte, il tutto nell’ambito della rassegna Ischia Jazz Spring che continuerà fino al 18 giugno.

McCoy Tyner, leone ruggente del jazz

2010-05-12T15:23:00.001+02:00

Notizie ed articolo tratto dal sito del Giornale di oggi:
È uno dei grandi eroi della storia del pianoforte jazz, e ogni anno arriva puntualmente al Blue Note animando le serate più «calde» del club milanese di via Borsieri. L’anno scorso ha fatto una tirata di sei giorni (due concerti per sera), questa volta si limita a tre (sei spettacoli), da stasera a venerdì. È Alfred McCoy Tyner, il pianista di Filadelfia, classe 1938, dalla straordinaria potenza e duttilità sonora che arriva con i fidi Gerald Cannon al contrabbasso e Eric Kamau Gravatt alla batteria. A completare il quartetto, torna il sassofonista Gary Bartz (che fu al Blue Note con Tyner nel 2007) mentre l’anno scorso c’era il trombettista Christian Scott. Tyner - anello di congiunzione tra i suoi maestri Art Tatum e Bud Powell e i jazzmen moderni - ha superato brillantemente alcuni problemi di salute, e torna a essere il più fecondo ispiratore dei pianisti moderni. Il suo suono è unico, e dominato dal contrasto sulla tastiera fra i fraseggi e le rapide fantasie melodiche della mano destra e i coloriti blocchi di accordi della sinistra. «Tyner suona il pianoforte come un leone ruggente», ha detto il critico Bill Cole, e questa è ancora una delle definizioni che meglio descrive l’artista. Che esplose nei primi anni Sessanta suonando nel fantastico quartetto di John Coltrane (con cui aveva collaborato dal vivo poco tempo prima, per una settimana di concerti, in cui Tyner scrisse e regalò a Coltrane la celebre The Believer) per cinque anni; il primo organico comprendeva Steve Kuhn, Steve Davis, Pete LaRoca; quello più celebre - definito il più importante quartetto della storia del jazz - Tyner, Reggie Workman (poi Jimmy Garrison) e l’uragano Elvin Jones alla batteria. Presto però Tyner, dopo aver partecipato ad album come Live at the Village vanguard e A Love Supreme, quasi stordito dalle esplorazioni e dagli esperimenti coltraniani, se ne andò per la sua strada. Il suo eclettismo lo portò a viaggiare persino nei territori del rhythm’n’blues con Ike e Tina Turner e col blueman Jimmy Witherspoon, prima di formare una band con Sonny Fortune e di incidere dischi importanti come The Real McCoy insieme con stelle come Joe Henderson, Ron Carter e di nuovo Elvin Jones. Maestro del post bop, incide decine di dischi come Time For Tyner e Extensions, prima di raccogliere i frutti del successo nel 1972 con Sahara che la critica premia come disco dell’anno, lavoro che anticipa la world music. «L’Africa, l’India, il mondo arabo, la musica classica: tutti i generi sono legati fra loro», dice Tyner, che si allarga pericolosamente anche alla fusion e al jazz rock. Ma riprende sempre la via maestra con uno stile che trae la sua emozionalità dalla potenza sonora. Suono forte uguale rumore, ma non nel caso di Tyner, la cui potenza è rafforzata da un infinito vocabolario melodico. «Devi diventare tutt’uno con lo strumento», dice lui, che intanto ha lavorato con tutti i grandi del jazz moderno, da Sonny Rollins a Eric Dolphy, da Art Blakey a Michael Brecker e che recentemente ha collaborato con Joe Lovano, ha inciso con accompagnamento d’archi e arrangiato i suoi brani per big band, privilegiando la ricerca, guidando numerose formazioni e incidendo negli anni ’80 e ’90 notevoli dischi solisti (c’è chi dice che quando suona in solitudine raggiunga l’apice della sua creatività) come Revelations e lo splendido Soliloquy. Oggi gira il mondo con il suo trio e un quarto artista ospite che spesso cambia, allacciandosi alla tradizione ma proiettandosi nell’attualità e regalando, soprattutto in concerto, quelle forte emozioni che hanno spinto la critica ad affermare: «La sua musica è esultanza, è l’esuberanza della vita vissuta».

Ecco un video del Mccoy Tyner Quartet, con Gary Bartz registrato al Festhalle, 21st International Jazzfestival Viersen in Germania, il 22 settembre del 2007 che presenta una splendida versione di Fly With The Wind

Intervista a Bobby McFerrin

2010-05-12T11:08:00.002+02:00

Sul sito della rivista JazzTimes è stata pubblicata una deliziosa intervista telefonica con il vocalist Bobby McFerrin che parla del suo bellissimo nuovo album intitolato VOCAbuLarieS, per l'etichetta Decca sua prima registrazione dopo otto anni, che presenta il vocalist con un grande cast di cantanti, tra cui Janis Siegel, Theo Bleckmann, Luciana Souza, Lisa Fischer e dei membri del New York Voices. Ci è un minimo di supporto strumentale dal percussionista Alex Acuna e dall'ottimo sassofonista Donny McCaslin. Il progetto è stato prodotto dal compositore e arrangiatore Roger Treece che ha dovuto lavorato a lungo e duramente per riuscire a ricreare e riorganizzare le improvvisazioni vocali di McFerrin con un tale cast di decine di cantanti.
Ecco un estratto dell'intervista:
Speaking on the phone from a hotel in Prague, McFerrin has no problem in giving Treece his due credit. “I tip my hat to this man because he went through so much of my material,” the ten-time Grammy winner explains. “Live concerts, solo concerts, voicestra concerts, all of which are improvised. He found all these grooves and things and he expanded them, wrote them out, rewrote them and rewrote them. I’d go to the studio and he’d say ‘I’m just going to open up 24 bars and sing me a bass line here or a melody there, whatever.’ It was a wonderful collaboration of me, the improviser and Roger, the composer. And he just made it all work and it was fascinating.”
McFerrin may be known for his live solo improvisations, but this album sounds not only like it wasn’t done in one room, but like it was done in many a room over a long time, with many a performer. McFerrin confirmed that supposition is mostly right. “A lot of it was done in one room, but with one, two or three singers at a time,” he recalls. “The altos would come in and do their parts and then the tenors would do theirs. I’m not sure how he [Roger] had it all mapped out, but I think he had a certain task for each day. Whenever I’d work with him, he would have a list of things that needed to be worked on.”
If it sounds like a painstaking process, that’s because it was. From start to finish, the project took eight years. The singers were recorded one at a time or in groups to create a virtual choir consisting of over 1,400 vocal tracks. The many hours of studio time resulted in a final mix with over 100 gigabytes of memory.
McFerrin revisits a few of his more memorable compositions such as “The Garden” and “Baby” which first appeared on his Medicine Music album, released way back in 1990. However, the arrangements are decidedly different—longer and more complex. “Yes, they are different,” he says about the recreation of his old songs. “I had been getting a lot of inquiries from choirs to develop music to sing and I was looking for a way to extend the pieces. I think 'The Garden' and 'Baby' were the very first pieces we worked on. 'Baby' was like Roger’s audition piece in a way. And I thought, 'Well, this is fascinating.' I like all the different places it goes.”
But if you are expecting to hear the prototypical chest-tapping Bobby McFerrin solo improvisations, like in The Voice or in many of his live performances, forget it. This is a horse of an entirely different color. McFerrin was clear about his intentions from the onset and they reflected his own experiences as a live performer. “The concept was always choral. It was always about voices singing together. Even in my solo concerts, I don’t even consider them solo concerts because I use the audience to riff with me…to provide harmonies and rhythms and changes to play over. This stems from all of that – my working with the audiences and growing up with choral music. I sang in a church choir. [I’ve been] getting calls from different choruses, asking: ‘When are you going to write something for us to sing? We’d really love to do your material.’ Linda Goldstein, my manager for over 30 years, is pretty much the one who thought of the idea of doing this. I think the idea popped into her head about 12 years ago.”
Getting people to sing along certainly is something that McFerrin is passionate about. I told him about my interview a few years back with the late Jane Jarvis, jazz pianist and longtime Shea Stadium organist, who bemoaned the decline of communal singing. When Jarvis would play the National Anthem before a baseball game, she aimed to have everyone sing along. Now the ritual is more like an audition for American Idol. McFerrin sided with Jarvis on this issue. “I would agree that the death of communal singing is real,” he says. “I try to revitalize communal singing in my concerts. I love the sound and the surprise of human voices coming in my direction. I love being bathed in the human voice: Having all these wonderful chords and singers, singing to me and with me and for me.”
Lord knows, audiences have always sung with McFerrin even going back to his early days, where he could get an entire theater singing the musical themes of The Wizard of Oz merely with a wave of his hand or a nod of his head. He’s never needed to plead or beg to get audience participation. “It’s always been that way,” he acknowledges. “I think that the reason is because everybody really does want to sing. I think singing comes out of everyone’s heart. There are so many people in the audience who took voice lessons as a kid or young adult and then gave them up and they’re out there thinking to themselves, “I wish I’d continued my voice lessons. I wish I’d continued my piano lessons. I really want to do this.’ As an audience member myself many times, when I go to a concert, I’m singing background voices all along and I’m thinking it would be great to contribute that part on stage. And I think there’s a part of everyone that feels that way.”
It should come as no surprise that McFerrin has a real appreciation for the hit television show Glee, which has done wonders for making a cappella singing cool. When I asked the thoughtful and measured McFerrin if he would consider appearing as a guest on the show, he didn’t hesitate in his response. “If I was invited to make a guest appearance, I’d think I’d do it. I think it’s great that a cappella music is starting to get its due, with shows like Glee and the NBC series Sing Off that they just did recently and I think that’s been picked up again. And I am really, really hoping that it ignites a fire at college campuses to get their a cappella groups and choirs going. I think it’s time.” Quick, someone call Ryan Murphy (creator, writer and producer of Glee) and give the man a cameo.
Per leggere il resto dell'intervista visitate questo indirizzo.

Per acquistare l'album dal sito di CdUniverse, potete visitare questo indirizzo.

Ed ecco il video di Say Ladeo, tratto dall'album

Il ricordo di Lena Horne della ABC News

2010-05-11T08:30:00.003+02:00

La ABC News ha dedicato grande spazio per ricordare Lena Horne con un bell'articolo ed alcuni splendidi servizi video.
Ecco un estratto dell'articolo pubblicato sul sito:
Quincy Jones, a longtime friend and collaborator, was among those mourning her death Monday. He called her a "pioneering groundbreaker."
"Our friendship dated back more than 50 years and continued up until the last moment, her inner and outer beauty immediately bonding us forever," said Jones, who noted that they worked together on the film "The Wiz" and a Grammy-winning live album.
"Lena Horne was a pioneering groundbreaker, making inroads into a world that had never before been explored by African-American women, and she did it on her own terms," he added. "Our nation and the world has lost one of the great artistic icons of the 20th century. There will never be another like Lena Horne and I will miss her deeply."
"I knew her from the time I was born, and whenever I needed anything she was there. She was funny, sophisticated and truly one of a kind. We lost an original. Thank you Lena," Liza Minnelli said Monday. Her father, director Vincente Minnelli, brought Horne to Hollywood to star in "Cabin in the Sky," in 1943.
Horne, whose striking beauty often overshadowed her talent and artistry, was remarkably candid about the underlying reason for her success: "I was unique in that I was a kind of black that white people could accept," she once said. "I was their daydream. I had the worst kind of acceptance because it was never for how great I was or what I contributed. It was because of the way I looked."
In the 1940s, Horne was one of the first black performers hired to sing with a major white band, to play the Copacabana nightclub in New York City and when she signed with MGM, she was among a handful of black actors to have a contract with a major Hollywood studio.
In 1943, MGM Studios loaned her to 20th Century-Fox to play the role of Selina Rogers in the all-black movie musical "Stormy Weather." Her rendition of the title song became a major hit and her most famous tune.
Si può leggere il resto dell'articolo a questo indirizzo.

Sempre sul sito si possono guardare due servizi video dedicati alla vita ed alla carriera della cantante.

Il primo servizio si intitola Lena Horne Dead at 92

Il secondo servizio si intitola Remembering Lena Horne

Grandi chitarristi all'Auditorium Parco della Musica di Roma

2010-05-11T07:12:00.003+02:00

I prossimi 18 e 19 maggio sono in programma due serate con grandi chitarristi jazz all'Auditorium Parco della Musica di Roma.
Martedì 18 maggio, presso la Sala Sinopoli a partire dalle ore 21, concerto della Mike Stern Band special guest Richard Bona.
Mike Stern è uno dei migliori chitarristi della sua generazione. Nato a Boston nel 1953, comincia a suonare sotto l'influenza blues e rock di BB King, Clapton ed Hendrix. Frequenta il Berklee College of Music di Boston all'inizio degli anni ‘70 e negli ambienti jazz di Wes Montgomery e Jim Hall acquisisce il suo stile distintivo. Nel 1976 suona per due anni con i Blood, Sweat & Tears. Dopo un periodo di collaborazione con il gruppo di Billy Cobham, suona con Miles Davis, con il gruppo Word Of Mouth di Jaco Pastorius, con il maestro del sax soprano David Sanborn e, più tardi, con il vibrafonista Mike Mainieri e con il sassofonista Michael Brecker. Mike è stato membro del quintetto di Michael Brecker e ha costituito un gruppo itinerante con Bob Berg, con il batterista Dennis Chambers e il bassista Lincoln Goines e si è unito alla Brecker Brothers Band. Il 1986 vede Stern al suo album di debutto Upside Downside, con Sanborn, Pastorius e con il batterista Dave Weckl. Il successo di Stern con il suo album è tanto sorprendente da fargli guadagnare il premio come miglior chitarrista jazz dell’anno e la nomination per Is What It Is e Between The Lines. Play del 1999 e Voices del 2001 sono ampiamente riconosciuti come i suoi lavori più corposi: il primo è un lavoro “a sei corde” con gli amici John Scofield e Bill Frisell, il secondo è caratterizzato da uno stile lirico e melodico con influenze musicali da tutto il mondo.
La formazione sarà composta da Mike Stern chitarra, Bob Malach sax, Richard Bona basso elettrico, voce, Dave Weckl batteria.

Mercoledì 19, presso la Sala Santa Cecilia, alle ore 21, concerto di John McLaughlin and the 4th Dimension.
«Il gruppo “4th Dimension” è il risultato di molti anni di collaborazione fra musicisti di tradizione, orizzonti e culture diverse (est e ovest). La musica di questo gruppo integra con brio queste influenze particolari, nella tradizionale spontaneità del jazz. Gary Husband è un vero “multi-strumentalista”: nel “4th Dimension” suona alle tastiere, ma anche la batteria con sorprendente facilità. Ha suonato con numerosi musicisti, in particolare con Allan Holdsworth, Jack Bruce, Jeff Beck, Mike Stern, Christian Mc Bride, Billy Cobham, Mike e Jan Carr, Yaron Herman, Bob Berg, Gary Moore, Level 42 e Robin Trower. Ha anche, in quanto leader, girato e registrato con i suoi gruppi che hanno incluso musicisti come Randy Brecker, Jerry Goodman, Matthew Garrison, Jim Beard e suona con me da 4 anni in concerto e in studio. La reputazione di Mark Mondésir, formidabile batterista è stabile ormai da molto tempo. È stato molto attivo sulla scena londinese con musicisti quali Courtney Pine, Julian Joseph e sulla scena internazionale con McCoy Tyner, Ravi Coltrane, Gary Thomas, Wynton and Branford Marsalis, John Scofield, Jeff Beck, Joe Zawinul e la lista è lunga... Mark ha iniziato a registrare con me nel 1995, e ha continuato regolarmente negli ultimi anni. Etienne Mbappé è uno dei più grandi bassisti dei giorni nostri. Ha suonato con artisti del calibro di Ray Charles, Salif Keita, Manu di Bango, Steps Ahead e anche con il gruppo fusion parigino “UltraMarine”, prima di creare il suo proprio gruppo “Su La Take”. Etienne si è appena aggiunto al gruppo e Gary, Mark e io siamo molto felici della sua presenza. A fine novembre 2009, abbiamo registrato un nuovo album “To The One”. Spero che voi sappiate trovare nella musica che suoniamo qualcosa che vi parli in un modo che non avete mai sentito.» John McLaughlin.
La formazione darà composta da John McLaughlin chitarra, Gary Husband tastiere, batteria, Etienne Mbappé basso elettrico, Mark Mondesir batteria.

Orsara Musica Jazz Festival 2010 Aperte le iscrizioni ai Seminari internazionali del Festival

2010-05-11T07:07:00.001+02:00

Notizia tratta dal sito Puglialive.net:
Torna dal 3 all’8 agosto Orsara Musica Jazz Festival, giunto alla 21esima edizione, e torna la ricca sezione del festival dedicata ai seminari di musica jazz che dal 3 all’8 agosto 2010 propone masterclass condotti da Billy Harper, David Weiss, Lucio Ferrara, Silvia Donati, Greg Burk, Marco Panascia e Luca Santaniello.
I seminari di Orsara Musica Jazz Festival 2010 sono realizzati in collaborazione con Premio Internazionale Massimo Urbani e Lagos Jazz Festival.
Orsara Musica Jazz Festival, che si terrà dal 3 all’8 agosto 2010 ad Orsara (FG) - la cittadina pugliese insignita di recente della certificazione Cittaslow di Slow Food e della Bandiera Arancione, il marchio di qualità turistico ambientale del Touring Club Italiano - è il festival jazz più longevo della Puglia, dal 1990 propone concerti, seminari, attività divulgative, conferenze e interazioni fra differenti espressioni artistiche.
Ormai da alcuni anni la manifestazione si caratterizza come luogo di pratica musicale e riflessione sull'improvvisazione e i seminari sono tra i punti di forza dell’Orsara Musica Jazz Festival.
Il Festival punta infatti ad arricchire le proprie attività offrendo attività complementari alla fruizione passiva degli eventi di spettacolo attraverso attività seminariali residenziali che raccolgono docenti ed allievi dall’Italia e dall’estero.
I corsi attivati quest'anno - Sax, Tromba, Chitarra, Contrabbasso, Batteria, Piano, Canto, World Air Training - coinvolgono musicisti di fama internazionale quali Billy Harper, David Weiss, Lucio Ferrara, Silvia Donati, Greg Burk, Marco Panascia, Luca Santaniello e rappresentano una straordinaria occasione per entrare nel mondo del Jazz attraverso la guida e l'esperienza di personalità che ne hanno fatto la storia del Jazz mondiale.
I seminari:
Billy Harper (Sax, Combo) Masterclass: Lavorare con i grandi batteristi: Art Blakey, Elvin Jones, Max Roach;
David Weiss (Batteria, Combos) Masterclass: The Music of Wayne Shorter;
Lucio Ferrara (Chitarra, Combos);
Silvia Donati (Canto, Combos);
Greg Burk (Piano, Combos) Masterclass: World Music Air Training;
Marco Panascia (Contrabbasso, Combos) Masterclass: La ritmica e L’interplay;
Luca Santaniello (Batteria, Combo) Masterclass: La ritmica e L’interplay.
Per informazioni sui Seminari e sul festival: www.orsaramusica.it

Podcast - John Abercrombie Live

2010-05-10T22:17:00.004+02:00

Il sito internet della trasmissione radiofonica Jazz Porque Sí dell'emittente Radio Espana Clasica, ha pubblicato recentemente il podcast di un concerto del chitarrista John Abercrombie, accompagnato dalla Hessicher Rundfunk Big Band de Frankfurt diretta da Jim McNeely nell'ottobre del 2009.
Il podcast è suddiviso in due parti dal quale la prima parte può essere scaricata qui mentre la seconda può essere scaricata qui.

Seres di Mai 2010 ad Artegna (Ud)

2010-05-10T19:21:00.001+02:00

Al via l’edizione 2010 della rassegna “Seres di Mai”, iniziativa organizzata dall’associazione “Amici del Teatro” di Artegna e giunta alla 14ma edizione. Contenitore culturale che ogni anno offre al pubblico eventi di grande respiro valorizzando produzioni, artisti e interpreti friulani di diversi generi, dimostrando una particolare sensibilità per le radici, la storia, la tradizione e il patrimonio del territorio, “Seres di Mai” propone tre appuntamenti (con alcune proposte inedite) tra musica, teatro e multimedialità. Linguaggi diversi, che attraverso le loro espressioni, interpreteranno il tema di fondo di questa edizione: l’uomo e il suo incontro con se stesso, con gli altri, con Dio. Questo sarà, infatti, il filo conduttore delle serate in programma al Nuovo Teatro Monsignor Lavaroni (piazza Marnico 20, Artegna), realizzate con il sostegno della Provincia di Udine, il patrocinio dell’Ert (Ente regionale teatrale del Fvg) e il supporto degli sponsor: Iob Silvano & C., Eurotech e Cignini arredamenti. Oggi (martedì 4 maggio), nella sede dell’Ert Fvg, a Udine, la presentazione ufficiale del cartellone da parte del presidente degli “Amici del Teatro” Mauro Facini, dell’assessore alla cultura del comune di Artegna, Giuseppina Cozzutti e Renato Manzoni, direttore dell’Ert Fvg, il circuito teatrale regionale del quale fa parte la struttura arteniese e l’associazione Amici del Teatro che ne gestisce l’attività con risultati lusinghieri, specie per quel che riguarda il coinvolgimento dei giovani e del territorio. Alla presentazione sono intervenuti anche il maestro Cristiano Dell’Oste (per il Coro Fvg), Antonella Maurizio e Maria Rosa Loffreda per il secondo e terzo spettacolo in programma.
La “prima” di “Seres di Mai” 2010 è per lunedì 10 maggio alle 20.45. Il Nuovo Teatro Monsignor Lavaroni ospiterà un concerto in cui s’intrecceranno musica classica e jazz. Numerosi gli interpreti coinvolti: dalla Big Band Bulgara “Brazz Association”, al Coro del Friuli Venezia Giulia (direttore il maestro Cristiano Dell’Oste), dai tre solisti Claudio Mansutti (clarinetto), Maximiliano Naselli (pianoforte), Marta Raviglia (voce) al maestro Paolo Paroni, elemento unificante delle diverse componenti, al quale è affidata la direzione dell’intera performance che si aprirà con “Prelude, Fugue and Riffs”, brano in tre movimenti di Leonard Bernstein.
Il momento clou della serata coinciderà con l’esecuzione dei “Sacred Concerts” di Duke Ellington. Una proposta musicale suggestiva e coinvolgente che verrà riproposto il giorno successivo (11 maggio) al Musik Verein di Klangenfurt e per il 2011 sono previste repliche a Trieste e a Tel Aviv.
La rassegna prosegue giovedì 20 maggio (ore. 20.45) con lo spettacolo multimediale “Croseris Vitae”, ideato dal fotografo gemonese Claudio Tuti e dal gruppo musicale “¿Cuinon?” che, recentemente, ha pubblicato l’album “Marcjadant di storis”. Quattro temi, stessa trama: l’incrocio come possibilità di scegliere, di cogliere al volo nuove opportunità per cambiare, d’incontrare persone (anche diverse da noi) e, soprattutto di dare un significato alla vita.
Con il terzo appuntamento, in programma giovedì 27 maggio (ore 20.45), si chiude la rassegna primaverile di Artegna. Nel terzo atto della manifestazione verrà presentata, per la prima volta in regione, “Il caffè delle due”, nuova produzione del Teatro al Quadrato realizzata in collaborazione con Teatri in movimento- Forum teatro di Carpi. Il testo della commedia teatrale è scritto da Claudio Mariotti e interpretato da Maria Giulia Campioli e Gaia Davolio. Le protagoniste del testo dell’autore-regista tarcentino, sono due donne che, con vite differenti e autonome, condividono lo stesso spazio e hanno un unico momento in cui s’incontrano: il caffè delle due. Che per entrambe rappresenta un piccolo spazio per confrontarsi, scontrarsi, ridere e piangere della propria vita ma anche per guardarsi dentro e affrontare questioni che spesso, per mancanza di tempo ma anche volutamente, vengono tralasciate.
Il teatro Monsignor Lavaroni, inoltre, venerdì 14 maggio, alle 20.30 ospiterà la presentazione del libro “U.T. Gandhi – Diario di un’autodidatta”. Un excursus sulla storia del jazz degli ultimi 30 anni scritta da Matteo Bellotto e raccontata da uno tra gli interpreti friulani più noti: U.T. Gandhi.

Ancora su Lena Horne

2010-05-10T19:12:00.003+02:00

Anche il sito del New York Times ha pubblicato un degno ricordo di Lena Horne.
Eccone un estratto:
Ms. Horne’s voice was not particularly powerful, but it was extremely expressive. She reached her listeners emotionally by acting as well as singing the romantic standards like “The Man I Love” and “Moon River” that dominated her repertory. The person she always credited as her main influence was not another singer but a pianist and composer, Duke Ellington’s longtime associate Billy Strayhorn.
“I wasn’t born a singer,” she told Strayhorn’s biographer, David Hajdu. “I had to learn a lot. Billy rehearsed me. He stretched me vocally.” Strayhorn occasionally worked as her accompanist and, she said, “taught me the basics of music, because I didn’t know anything.”
Strayhorn was also, she said, “the only man I ever loved,” but Strayhorn was openly gay, and their close friendship never became a romance. “He was just everything that I wanted in a man,” she told Mr. Hajdu, “except he wasn’t interested in me sexually.”
Lena Calhoun Horne was born in Brooklyn on June 30, 1917. All four of her grandparents were industrious members of Brooklyn’s black middle class. Her paternal grandparents, Edwin and Cora Horne, were early members of the National Association for the Advancement of Colored People, and in October 1919, at the age of 2, Lena was the cover girl for the organization’s monthly bulletin.
By then the marriage of her parents, Edna and Teddy Horne, was in trouble. “She was spoiled and badly educated and he was fickle,” Ms. Horne’s daughter, Gail Lumet Buckley, wrote in her family history, “The Hornes.” By 1920 Teddy had left his job with the New York Department of Labor and fled to Seattle, and Edna had fled to a life on the stage in Harlem. Ms. Horne was raised by her paternal grandparents until her mother took her back four years later.
When she was 16, her mother abruptly pulled her out of school to audition for the dance chorus at the Cotton Club, the famous Harlem nightclub where the customers were white, the barely dressed dancers were light-skinned blacks, Duke Ellington was the star of the show and the proprietors were gangsters. A year after joining the Cotton Club chorus she made her Broadway debut, performing a voodoo dance in the short-lived show “Dance With Your Gods” in 1934.
At 19, Ms. Horne married the first man she had ever dated, 28-year-old Louis Jones, and became a conventional middle-class Pittsburgh wife. Her daughter Gail was born in 1937 and a son, Teddy, in 1940. The marriage ended soon afterward. Ms. Horne kept Gail, but Mr. Jones refused to give up Teddy, although he did allow the boy long visits with his mother.
In 1938, Ms. Horne starred in a quickie black musical film, “The Duke Is Tops,” for which she was never paid. Her return to movies was on a grander scale.
She had been singing at the Manhattan nightclub Café Society when the impresario Felix Young chose her to star at the Trocadero, a nightclub he was planning to open in Hollywood in the fall of 1941. In 1990, Ms. Horne reminisced: “My only friends were the group of New Yorkers who sort of stuck with their own group — like Vincente, Gene Kelly, Yip Harburg and Harold Arlen, and Richard Whorf — the sort of hip New Yorkers who allowed Paul Robeson and me in their houses.”
Since blacks were not allowed to live in Hollywood, “Felix Young, a white man, signed for the house as if he was going to rent it,” Ms. Horne said. “When the neighbors found out, Humphrey Bogart, who lived right across the street from me, raised hell with them for passing around a petition to get rid of me.” Bogart, she said, “sent word over to the house that if anybody bothered me, please let him know.”
Roger Edens, the composer and musical arranger who had been Judy Garland’s chief protector at MGM, had heard the elegant Ms. Horne sing at Café Society and also went to hear her at the Little Troc (the war had scaled Mr. Young’s ambitions down to a small club with a gambling den on the second floor). He insisted that Arthur Freed, the producer of MGM’s lavish musicals, listen to Ms. Horne sing. Then Freed insisted that Louis B. Mayer, who ran the studio, hear her, too. He did, and soon she had signed a seven-year contract with MGM.
The N.A.A.C.P. celebrated that contract as a weapon in its war to get better movie roles for black performers. Her father weighed in, too. In a 1997 PBS interview, she recalled: “My father said, ‘I can get a maid for my daughter. I don’t want her in the movies playing maids.’ ”
Looking back at the age of 80, Ms. Horne said: “My identity is very clear to me now. I am a black woman. I’m free. I no longer have to be a ‘credit.’ I don’t have to be a symbol to anybody; I don’t have to be a first to anybody. I don’t have to be an imitation of a white woman that Hollywood sort of hoped I’d become. I’m me, and I’m like nobody else.”
A questo link si può leggere l'articolo integrale.

Ecco il video di The Man I Love, uno dei suoi brani simbolo.

George Lewis all'Auditorium Parco della Musica

2010-05-10T19:03:00.002+02:00

Giovedì 27/05/2010 alle ore 21 presso la Sala Petrassi dell'Auditorium Parco della Musica di Roma, George Lewis conducts PMJO "A Power Stronger Than Itself".
Un incontro straordinario che vedrà protagonisti la PMJO Parco della Musica Jazz Orchestra e due grandi musicisti esponenti di spicco della musica improvvisata: il trombonista e compositore George E. Lewis e la compositrice e virtuosa di Koto, la cetra giapponese a diciassette corde, Miya Masaoka. In programma le composizioni più recenti di Lewis.
George E. Lewis insegna musica americana alla Columbia University ed è compositore residente nel 2010 all’Accademia Americana a Roma. Ha studiato composizione con Muhal Richard Abrams alla AACM School of Music e trombone con Dean Hey. Membro della AACM Association for the Advancement of Creative Musicians dal 1971, ha lavorato come compositore e improvvisatore registrando oltre 130 dischi. Ha collaborato con alcuni dei maggiori musicisti contemporanei come Anthony Braxton, Count Basie, David Behrman, David Murray, Gil Evans e Michel Portal. Miya Masaoka è musicista, compositrice, sound artist, virtuosa di Koto celebre per le sua tecnica improvvisativa e per la sensibilità musicale. Ha scritto lavori per koto ed elettronica, Koto Laser, laptop, orchestre, orchestre da camera e cori misti. Nei suoi lavori indaga il suono e il movimento degli insetti così come la risposta fisiologica delle piante, il cervello umano e il suo stesso corpo.

E' morta Lena Horne

2010-05-10T18:43:00.004+02:00

Un'altro grandissimo personaggio del mondo del jazz ci lascia; si è spenta oggi all'età di 92 anni la meravigliosa Lena Horne.
Fra gli innumerevoli articoli di tributo alla leggendaria cantante dai siti e dai giornali di tutto il mondo, vorrei segnalare un magnifico articolo pubblicato sul The Huffington Post, di cui prendo un estratto:
Lena Horne, the enchanting jazz singer and actress known for her plaintive signature song "Stormy Weather" and for her triumph over the bigotry that allowed her to entertain white audiences but not socialize with them, has died. She was 92.
Horne died Sunday at NewYork-Presbyterian Hospital, according to hospital spokeswoman Gloria Chin. Chin would not release any other details.
Horne, whose striking beauty and magnetic sex appeal often overshadowed her talent and artistry, was remarkably candid about the underlying reason for her success: "I was unique in that I was a kind of black that white people could accept," she once said. "I was their daydream. I had the worst kind of acceptance because it was never for how great I was or what I contributed. It was because of the way I looked."
"I knew her from the time I was born, and whenever I needed anything she was there. She was funny, sophisticated and truly one of a kind. We lost an original. Thank you Lena," Liza Minnelli said Monday. Her father, director Vincente Minnelli, brought Horne to Hollywood to star in "Cabin in the Sky."
In the 1940s, Horne was one of the first black performers hired to sing with a major white band, the first to play the Copacabana nightclub in New York City and when she signed with MGM, she was among a handful of black actors to have a contract with a major Hollywood studio.
In 1943, MGM Studios loaned her to 20th Century-Fox to play the role of Selina Rogers in the all-black movie musical "Stormy Weather." Her rendition of the title song became a major hit and her most famous tune.
On screen, on recordings and in nightclubs and concert halls, Horne was at home vocally with a wide musical range, from blues and jazz to the sophistication of Rodgers and Hart in such songs as "The Lady Is a Tramp" and "Bewitched, Bothered and Bewildered." In 1942's "Panama Hattie," her first movie with MGM, she sang Cole Porter's "Just One of Those Things," winning critical acclaim.
In her first big Broadway success, as the star of "Jamaica" in 1957, reviewer Richard Watts Jr. called her "one of the incomparable performers of our time." Songwriter Buddy de Sylva dubbed her "the best female singer of songs."
But Horne was perpetually frustrated with the public humiliation of racism.
"I was always battling the system to try to get to be with my people. Finally, I wouldn't work for places that kept us out. ... It was a damn fight everywhere I was, every place I worked, in New York, in Hollywood, all over the world," she said in Brian Lanker's book "I Dream a World: Portraits of Black Women Who Changed America."
Per leggere il resto dell'articolo visitate questo indirizzo.

Ecco il video di una meravigliosa versione di Stormy Weather, tratta dall'omonimo film del 1943

I concerti della settimana

2010-05-10T18:30:00.004+02:00

Lunedì 10/5/2010
ore 20,30
WAYNE HORVITZ “Sweeter than the day” Registrazione effettuata all’hotel Emilia, Collina di Portonovo, Ancona il 3.6.2009
MATTHEW SHIPP “Harmonic Disorder” Registrato a S.Anna Arresi il 2.9.2009 (link)

ore 21,00
HILTON RUIZ - Live at Jazz Unité - 1981 (link)

ore 21,05
ANDY EMLER MEGAOCTET München, 13. März 2010 (link)

Martedì 11/5/2010
ore 19,30
CECILIA STALIN "Coltrane Away" 23/3/2010, Studio 7, Radiohuset, Malmö (link)

ore 21,00
Deutschen Jazzfestival Frankfurt
DAVE LIEBMAN / ELLERY ESKELIN QUARTET
ANTHONY BRAXTON TRIO (link)

ore 22,40
TOM HARRELL & DADO MORONI Rec. 3-6/4/2007 (link)

Mercoledì 12/5/2010
ore 22,00
RONALD BAKER JAZZ GROUP en direct du Caveau de la Huchette (link)

ore 22,40
JOHN ZORN BAR KOKHBA - Willisau 2008 (link)

Giovedì 13/5/2010
ore 20,05
NILS LANDGREN DUOS - meet VLADISLAV SENDECKI und PAT METHENY (link)

ore 22,02
MIGUEL ZENÓN QUARTET Jazz Baltica 5 juli 2009 (link)

Venerdì 14/5/2010
ore 17,45
JONATHAN CROSSLEY ELECTRIC BAND JAZZ Cernošice 2009 (link)

ore 21,00
Jim Hall & Ron Carter - NYC - 1972 (link)

ore 22,00
URI CAINE ENSEMBLE "Plays Mozart" 27/4/2010, Uppsala Konsert & Kongress. (link)

ore 22,02
TONEJAZZ FESTIVAL
Franz von Chossy Trio / Erik Truffaz & Malcolm Braff / Tuur Florizoone Tricycle / Nils Wogram Septet / Barnicle Bill / Ray Anderson’s Pocket Brass Band (link)

ore 22,30
CHRIS POTTER QUARTET enregistré le 11 mai 2010 au New Morning à Paris (link)

ore 22,40
SHELLY MANNE & HIS MEN - Complete Live at the Blackhawk (link)

ore 23,05
MARIA DE FATIMA QUARTET BMW Welt Jazz Awards 2010 "Voices in Jazz" (link)

Sabato 15/5/2010
ore 0,00
JAMES TAYLOR QUARTET Estival 2009 Mendrisio - 27 giugno 2009 (link)

ore 15,00
LESTER YOUNG QUARTET 1950-1951 (link)

ore 19,00
CTI ALL STARS BAND 2009 Montreux Jazz Festival, Juli 2009
feat. Airto Moreira, Flora Purim, Hubert Laws, Randy Brecker, Bill Evans, Russell Malone, Mark Egan, Jeff Tain Watts & Nils Lan Doky; “SMV“: Stanley Clarke / Marcus Miller / Victor Wooten (link)

Domenica 16/5/2010
ore 0,00
HANK JONES en solo (link)

ore 22,00
NDR BIGBAND feat. JACKY TERRASSON "Tribute To Horace Silver" (link)

ore 22,40
BILLY COBHAM en live au Studio 15 (link)

Mary Lou Williams Centennial a Jazz at Lincoln Center

2010-05-09T12:53:00.002+02:00

Un secolo dopo la sua nascita, i pianisti Geri Allen, Geoffrey Keezer e Dan Nimmer si uniscono alla Jazz at Lincoln Center Orchestra per onorare la perennemente contemporanea First Lady del Jazz nell'ultima puntata della trasmissione radiofonica Jazz at Lincoln Center.
Per ascoltare questa puntata di JALC, clicca qui.

Mary Lou Williams, Perpetually Contemporary

2010-05-09T12:04:00.004+02:00

Ancora la Npr, mette a disposizione un eccellente podcast di pezzi celebri di Mary Lou Williams, dal titolo Perpetually Contemporary.
A questo indirizzo si può leggere la playlist della canzoni presenti nel podcast.
Per scaricare il podcast in formato Mp3 clicca qui.

Mary Lou Williams Women in Jazz Festival

2010-05-09T11:36:00.004+02:00

Dal 20 al 22 maggio, il Kennedy Center di Washington presenta l'annuale Mary Lou Williams Women in Jazz Festival, giunto quest'anno alla 15a edizione.
Quest'anno in onore del 100° anniversario della nascita di Mary Lou Williams, questa edizione del Women in Jazz Festival mette in evidenza le composizioni e gli arrangiamenti della stessa Williams. Il gruppo vocale della Howard University "Afro Blue", aprirà il concerto di ogni serata con un lavoro vocale di Mary Lou Williams, organizzato dal direttore artistico, Connaître Miller.
Dee Dee Bridgewater e la batterista Terri Lyne Carrington presenteranno ogni sera dei concerti che metteranno in mostra musicisti di sesso femminile che seguono le orme della sublime Mary Lou Williams. I concerti saranno registrati e trasmessi nella trasmissione radiofonica della Npr, JazzSet.
Il concerto di apertura giovedi, 20 maggio, presenta un quintetto di all-star composto da Dee Dee Bridgewater, Geri Allen, Terri Lyne Carrington, Esperanza Spalding, e Grace Kelly, più un concerto della vincitrice del concorso Women in Jazz Competition del 2009, la pianista Carmen Staaf.
Venerdì, 21 maggio, la cantante Catherine Russell ritorna al Terrace Theater dopo la standing ovation che ricevette durante il Festival del 2007. Quindi Sherrie Maricle e DIVA riprendono alcune delle più famose composizioni della Williams.
Sabato 22 maggio, La big band femminile californiana Ann Patterson's Maiden Voyage esegue set che include alcune delle composizioni scritte da Mary Lou Williams per la Duke Ellington Orchestra. Mentre la sassofonista Virginia Mayhew ritorna al Festival dopo un'assenza di dieci anni, con piccolo gruppo per omaggiare la divina signora Williams.
Il culmine del Festival è la Mary Lou Williams Collective con la pianista Geri Allen, direttore musicale, la vocalist Carmen Lundy, e gli Afro Blue che eseguono i capolavori jazz di Mary Lou Williams.
Secondo il Washington Post il festival "la dice lunga sul contributo delle donne hanno dato - e continuano a dare - al jazz sia qui che all'estero".

Sul sito del Kennedy Center è presente un bell'articolo intitolato Mary Lou Williams: First Lady of the Jazz Keyboard di cui pubblichiamo un estratto:
When Mary Lou Williams appeared at St. Paul’s College in Lawrenceville, Virginia, in April 1978, I drove down and had my first meeting with someone I had long admired. Following her concert, I approached her about participating in a program in Richmond for which I was Artist-in-Residence, funded through the Special Arts Project of the Emergency School Aid Act (ESAA).
Mary Lou Williams with the Andy Kirk Band The selection of participants was my responsibility as Artist-in-Residence; I wanted to bring to Richmond the very best, and to have them interact with students, faculty, and the community. During Mary Lou’s first visit, on December 4 and 5, 1979, she offered one public concert, two youth concerts, and a master class for teachers in the Richmond public schools. For the December 4 concert, a Baldwin piano was to be sent over to John Marshall High School (the evening’s concert venue) by the local music store. While Mary Lou and Father Peter O’Brien (a Jesuit priest and jazz historian, and her manager) were en route to Richmond, a telephone call alerted me to the fact that the piano had been dropped, and that there was absolutely nothing that could be done about sending over a replacement.
A relatively decent grand piano was located in the high school’s choir room, and we moved this piano into the auditorium. I arrived at Mary Lou’s hotel long before our appointed hour, and when she and Father O’Brien arrived I suggested that she go over to the auditorium ahead of schedule, allowing her sufficient time to test and become familiar with the piano. Mary Lou responded, "I don’t need to test the piano. During my sixty-plus years of playing, doing all those one-nighters, I’ve had to play on all kinds of pianos. If a few keys aren’t working, you merely make the necessary changes. It makes you a better musician, having to transpose to different keys. [Art] Tatum played his best when keys were missing."
Such was my first formal introduction to "the lady with the amazing talent."
Mary Lou visited again in April 1980, as Resident Eminent Scholar at Virginia State University in Petersburg, and presented one formal concert, two master classes, and several consultations and advising sessions. The next month she led two sessions in improvisation for teachers in the Richmond Public Schools.
Over a period of five months, Mary Lou and I enjoyed many hours of good conversation—while driving from place to place, or between activities— which resulted in a "Conversation" published in The Black Perspective in Music (Fall 1980) as well as a profile of Mary Lou in my book, Black Women in American Bands and Orchestras (Scarecrow Press, 1981). I delivered the book to her personally, three weeks prior to her death in Durham, North Carolina. A bedridden Mary Lou was pretty much out of it, but my vivid remembrances of that visit are a telephone call from Dizzy and Lorraine Gillespie (who Mary Lou said called regularly, as did bassist/vocalist Carline Ray) and a steadily moving right foot, keeping rhythm to whatever tune was running through her head.
Si può leggere il resto dell'articolo a questo indirizzo.

Mary Lou Williams a Piano Jazz

2010-05-09T11:19:00.004+02:00

Ancora le Npr ripropone in questi giorni una puntata storica del suo celebre programma Piano Jazz presentato da Marian McPartland, perchè ripropone la prima trasmissione mai registrata nel 1978 con ospite appunto Mary Lou Williams, in una session con il bassista Ronnie Boykins.

Per ascoltare quella celebre trasmissione clicca qui

Black Christ Of The Andes - Mary Lou Williams

2010-05-09T11:03:00.005+02:00

Black Christ Of The Andes è uno dei più importanti lavori discografici di Mary Lou Williams.
Black Christ Of The Andes si può considerare un album stilisticamente eclettico. Condito spiritualmente con pezzi corali a cappella, l'album viaggia attraverso la storia della musica moderna. Sofisticate interpretazioni di brani noti (tra cui un fumoso It Ain't Necessarily So) si alternano agli originali della Williams. Il fratturato, "avant-classical" A Fungus A Mungus, per esempio, lascia il posto al divertimento di Koolbonga, prima della chiusura con il meraviglioso Praise the Lord.
L'abilità al pianoforte dell'artista è pienamente mostrata qui, ed i suoi assolo mostrano le sue radici come pianista stride, ma viene anche mostrata la sua dimestichezza con il post-bop ed il suono modale. Per la sua gamma musicale e l'ampiezza di vedute, Black Christ Of The Andes è un risultato sorprendente e singolare.
L'album è stato ristampato nel 2004 dall'etichetta Smithsonian Folkways aggiungendo quattro inediti bonus tracks ed un bellissimo booklet annotato con note su tutti i pezzi e fotografie di accompagnamento.
Per acquistare l'album dal sito CdUniverse, visita questo indirizzo

Si può vedere il video di Praise the Lord, tratto dall'album.

Mary Lou Williams. '78. Norman Granz Jazz in Montreux

2010-05-09T10:40:00.005+02:00

Questo Dvd riprende l'ultima registrazione di Mary Lou Williams (eseguita tre anni prima della sua morte) e dà una retrospettiva forte della sua carriera. Questo concerto per piano solo al Jazz Festival di Montreux 1978 è composto da un medley che comprende spirituals, ragtime, blues e swing e da importanti rifacimenti di "Tea for Two", "Honeysuckle Rose" e di sue due composizioni "Little Joe di Chicago" e "What's Your Story Morning Glory"
Per acquistare il Dvd sul sito Internet Book Shop visitare questo indirizzo

Ecco il video di The Man I Love e Honeysuckle Rose tratto dal Dvd

Mary Lou Williams a Jazz Set

2010-05-09T10:09:00.004+02:00

La celebre trasmissione radiofonica della Npr, Jazz Set condotta da Dee Dee Bridgewater ha trasmesso due performance di Mary Lou Williams, registrate nel 1976 e nel 1978, per piano solo, duo e trio.

Qui si può ascoltare la trasmissione

Il centenario di Mary Lou Williams

2010-05-09T06:59:00.003+02:00

Oggi la leggendaria pianista, compositrice ed arrangiatrice Mary Lou Williams avrebbe compiuto cent'anni. Per festeggiare questa importante anniversario il blog di Jazz in rete ha deciso di dedicare l'intera giornata di oggi a questo grande personaggio, ricercando il meglio di ciò che la rete propone per onorare questa importante celebrazione.
Per cominciare ecco una sua biografia tratta da Wikipedia.
Mary Lou Williams (8 maggio 1910 - 28 Maggio 1981) è stata una pianista, compositrice ed arrangiatrice di jazz americana. Ha scritto centinaia di composizioni e arrangiamenti, e registrato più di un centinaio di album (a 78 e 45 giri, e le versioni LP). Williams ha scritto e arrangiato per bandleaders famosi come Duke Ellington e Benny Goodman, ed fu amica, mentore, ed l'insegnante di Thelonious Monk, Charlie Parker e Dizzy Gillespie.
Nata Maria Elfrieda Scruggs ad Atlanta, in Georgia, ma cresciuta nel quartiere di East Liberty di Pittsburgh, in Pennsylvania, era una di undici figli. Da bambina imparò a suonare il pianoforte da autodidatta e divenne un musicista professionista durante gli anni dell'adolescenza. Ella cita Lovie Austin come sua più grande influenza. All'età di sei anni la Williams già contribuiva al sostentamento dei suoi dieci fratelli suonando nelle feste. Iniziò ad esibirsi in pubblico all'età di sette anni, quando lei divenne nota con ammirazione a Pittsburgh come "the little piano girl of East Liberty".
Nel 1924, all'età di 14 anni fu portata nel circuito Orpheum. L'anno successivo suonò con Duke Ellington e la sua prima band, i Washingtonians. Un primo riconoscimento al suo talento venne quando aveva solo 15 anni. Una mattina alle 3 mentre stata suonando con McKinney's Cotton Pickers al Rhythm Club di Harlem, il grande Louis Armstrong entrò nella stanza e si fermò ad ascoltarla. Mary Lou racconta timidamente quello che successe: "Louis mi sollevò e mi baciò."
Nel 1927 sposò il sassofonista John Williams. Lo aveva incontrato in una performance a Cleveland dove stava dirigendo il suo gruppo, i Syncopators, e si trasferì con lui a Memphis, Tennessee. John assemblò una band di Memphis, che comprendeva Mary Lou al pianoforte. Nel 1929 John accettò l'invito ad unirsi a Andy Kirk per uno spettacolo ad Oklahoma City, lasciando la 19enne Mary Lou a capo della band di Memphis per le restanti date del tour. La Williams poi si riunì con il marito ad Oklahoma City, ma non suonò nella band. Il gruppo, conosciuto come Andy Kirk's "Twelve Clouds of Joy", si trasferì a Tulsa, Oklahoma, dove la Williams passava il suo tempo libero trasportando cadaveri per un becchino. Quando i Clouds of Joy accettarono un impiego di lunga durata a Kansas City, Missouri, la Williams si unì al marito e cominciò a suonare con la band, oltre ad essere anche arrangiatore e compositore. In quel periodo compose celebri canzoni come Walkin' and Swingin', Twinklin', Cloudy, Little Joe from Chicago ed altre.
Nei primi dischi che Kirk registrò a Kansas City, la Williams era pianista ed arrangiatore. (6 dischi furono registrati a Kansas City nel 1929 mentre gli altri 17 lati furono registrati a Chicago nel 1930, ed altri 2 a New York nel 1930.) Durante uno di questi viaggi a Chicago nel 1930, Williams registrò Drag 'Em e Night Life, al piano solo. La Williams prese il nome di Mary Lou, su suggerimento di Brunswick Jack Kapp. Il disco vendette molto, catapultando la Williams alla fama nazionale. Subito dopo la sessione di registrazione fu assunta come seconda pianista con Kirk, suonando da solista e lavorando come arrangiatore freelance per alcuni grandi artisti come Earl Hines, Benny Goodman, e Tommy Dorsey. Nel 1937 produsse In the Groove (Brunswick), una collaborazione con Dick Wilson, e Benny Goodman le chiese di scrivere un blues per la sua band. Il risultato fu Roll 'Em, un pezzo boogie-woogie basato sul blues, a cui seguì il suo successo Camel-Hop, colonna sonora dello show radiofonico di Goodman sponsorizzato dalle sigarette Camel. Goodman cercò di mettere sotto contratto la Williams per farla scrivere solo per lui, ma lei rifiutò, preferendo rimanere freelance. La Williams era diventata uno dei musicisti più ricercati della Swing Era.
Nel 1942, la Williams, che aveva divorziato dal marito, lasciò i Twelve Clouds of Joy, tornando di nuovo a Pittsburgh. Si unì al suo compagno di band Harold "Shorty" Baker, con il quale aveva formato un ensemble di sei persone che comprendeva Art Blakey alla batteria. Dopo un lungo impegno a Cleveland, Baker abbandonò la band per unirsi all'orchestra di Duke Ellington. La Williams si unì alla band a New York, e poi si trasferì a Baltimora, dove si sposò con Baker. Quindi andò in tourneè con Ellington e arrangiò diversi pezzi per lui, tra cui Trumpets No End (1946), e una versione di Blue Skies di Irving Berlin, ma un anno dopo lasciò Baker ed il gruppo e tornò a New York.
Williams accettò una regolare assunzione al Downtown Café Society, ed avviò un show radiofonico settimanale chiamato "Mary Lou Williams Piano Workshop" su WNEW, e diventò mentore e collaboratrice di molti musicisti bebop più giovani, in particolare Dizzy Gillespie e Thelonious Monk. Nel 1945 Williams compose la hit bebop In the Land of Oo-Bla-Dee per Dizzy Gillespie. "Durante questo periodo Monk ed altri venivano a casa mia ogni mattina verso le quattro o a prendermi al Café dopo che avevo finito il mio ultimo spettacolo, e suonavamo e scambiavamo idee fino a mezzogiorno e oltre," ha ricordato la Williams in una intervista al Melody Maker. Benchè strettamente connessa con i musicisti bop durante il suo periodo a New York, la Williams mise in scena anche una riproposizione per orchestra della sua composizione Zodiac Suite alla Town Hall nel 1945, per l'etichetta Folkways, con il bassista Al Lucas ed il batterista Jack "The Bear Parker, e con la New York Philharmonic.
Nel 1952 Williams accettò un offerta per esibirsi in Inghilterra e finì per restare in Europa per due anni. Quando tornò negli Stati Uniti si prese una pausa di riflessione, dedicandosi alla fede cattolica. Le sue energie furono dedicate principalmente alla Bel Canto Foundation, ed iniziò ad aiutare i musicisti tossicodipendenti a tornare a suonare. Due sacerdoti e Dizzy Gillespie la convinsero a tornare a suonare, cosa che fece al Newport Jazz Festival del 1957 con la band di Dizzy. Padre Peter O'Brien divenne il suo più caro amico e personal manager nel 1960. Insieme cercarono nuovi spazi per suonare jazz in un periodo in cui solo due club di Manhattan proponevano jazz a tempo pieno. Oltre suonare nei club ,Mary suonava nei college, costituiva una propria etichetta discografica e società editoriali, costituì il Pittsburgh Jazz Festival e fece apparizioni televisive. Per tutto il 1960 le sue composizioni si incentrarono sulla musica sacra - inni e le messe. Una delle messe, Music for Peace, fu coreografata e interpretata da Alvin Ailey Dance Theater con titolo Mary Lou's Mass. Quindì suonò una versione revisione della Mary Lou's Mass alla televisione, al Dick Cavett Show nel 1971.
Scrisse ed eseguì musiche religiose jazz come Black Christ of the Andes (1963), un inno in onore di St. Martin de Porres, due opere brevi, Anima Christi and Praise the Lord. In questo periodo mise molto impegno lavorando con i cori giovanili per eseguire le sue opere, tra cui una messa alla Cattedrale di St. Patrick a New York prima di un incontro di oltre tre mila persone. Istituì una organizzazione caritatevole ed aprì dei depositi di risparmio ad Harlem, destinando il ricavato, insieme al dieci per cento del suo reddito personale, ai musicisti in difficoltà. Un articolo del 1964 del Time spiegava, "Mary Lou pensa a se stessa come un musicista dell'"anima " un modo per dire che non si allontana mai dalla melodia e dal blues, ma tratta con parsimonia il ritmo e la armonie del gospel".
"Prego attraverso le mie dita quando suono,' dice.' riesco ad ottenere quel buon "suono dell'anima", e cerco di toccare gli animi". Si è esibita al leggendario Monterey Jazz Festival nel 1965, con un gruppo jazz.
Per tutti gli anni '70 la sua carriera fiorì, pubblicò numerosi album, suonò come pianista solista e da commentatrice registrò The History of Jazz. Tornò al Monterey Jazz Festival nel 1971. Fece una performance per due pianoforti con il pianista Cecil Taylor alla Carnegie Hall nel 1977. Accettò una nomina presso la Duke University come artist-in-residence (dal 1977 al 1981), co-insegnando History of Jazz con Padre Peter O'Brien e diresse il Duke Jazz Ensemble. Con un programma leggero di insegnamento, riuscì a fare numerosi concerti ed apparizioni ai festival, diresse clinics per i giovani, e nel 1978 suonò alla Casa Bianca. Nel 1978 Suonò alla Carnegie Hall per il concerto per il 40° anniversario di Benny Goodman.
La sua registrazione finale fu Solo Recital (Montreux Jazz Festival, 1978), tre anni prima della sua morte che avvenne nel 1981.
Mary Lou Williams morì di cancro alla vescica a Durham, North Carolina, all'età di 71 anni. Fu sepolta nel Roman Catholic Calvary Cemetery nella natia Pittsburgh. Alla fine Mary Lou Williams disse, guardando indietro alla fine della sua vita, "L'ho fatto, no? Attraverso melma e fango."

Ecco il video di Solo Blues Piano

L'indimenticabile Art Pepper e le continue rivoluzioni del jazz

2010-05-08T16:06:00.004+02:00

Sul sito del Sole 24 Ore di oggi è apparso un bel articolo del celebre critico Franco Fayenz su Art Pepper.
I comuni appassionati di musica afro-americana hanno la memoria corta. Tendono a dimenticare il passato con facilità, facendo rischiare l'oblio a musicisti che meritano di essere ricordati, pur senza appartenere all'empireo di Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker e John Coltrane, per citare soltanto i maggiori.
Il fenomeno ha una spiegazione che nel contempo è, in qualche modo, un'attenuante. Fino a pochi decenni or sono il jazz correva in fretta, virando talvolta di prua perfino dopo quattro o cinque anni. Per questa ragione qualcuno ha sostenuto che il jazz ha compiuto in meno di un secolo le mutazioni compiute dalla grande musica europea in ottocento anni. Il paragone è discutibile, ma non può essere approfondito qui perché ci porterebbe troppo lontano. Questo preambolo serve a capire l'entusiasmo con cui viene ora accolto l'arrivo nei negozi specializzati di 18 cd etichettati Poll Winners.
I dischi sono scelti fra quelli giudicati meritevoli, in settant'anni di lavoro della rivista americana Down Beat, delle famose cinque stelle, ovvero della quotazione massima. Si tratta perciò del meglio del meglio: gli «immortali» del jazz ci sono quasi tutti. Mentre scrivo è appena arrivato il cd numero 19 (pare che ce ne saranno alcuni altri), assolutamente degno di un discorso a parte. Il protagonista è il grande sassofonista e clarinettista Art Pepper (1925-1982), uno di quelli che stanno per scivolare nell'oblio. Si intitola Art Pepper + Eleven e contiene molti brani in più rispetto all'lp originale per via della capienza pressoché doppia, volendola utilizzare, dei cd rispetto agli lp.
La prima cosa che colpisce chiunque sia anziano quanto basti per aver seguito Pepper nei momenti più significativi del suo percorso è il suo ritratto che campeggia nella prima di copertina: il bel volto di un trentenne dolce e pulito quale lui era all'epoca. Poi, fra il 1960 e il 1977, Pepper fu quasi inattivo per aver contratto a livelli micidiali il vizio della droga, per cui venne anche imprigionato. E' il triste periodo in cui si sospettò che nell'ambiente del jazz americano l'eroina fosse introdotta apposta per screditarlo, perché molti – troppi – furono i decessi di artisti di valore.
Nel quinquennio che precedette la morte Pepper riuscì di nuovo a suonare e a girare il mondo con piccoli gruppi propri. La voce del cantore era ancora quella; e il fraseggio, la classe, l'originalità erano impeccabili come negli anni migliori e meritarono applausi clamorosi e partecipi. Ma sulla copertina di un disco si vede un suo ritratto, ed è il ritratto di un uomo precocemente invecchiato. La sua sopravvivenza e il ritorno sulla scena si devono all'amore di una donna, la giornalista Laurie Miller che lo aiutò perfino a scrivere un'autobiografia intitolata con nera ironia Straight Life, vita facile, e pubblicò alcuni brani rari oltre a quelli "ufficiali" registrati in studio o dal vivo.
Pepper, per fortuna, ha lasciato parecchi dischi, incisi prima dell'interruzione come il Poll Winner. Ma è il caso di consigliare anche un brano speciale che si chiama come lui, Art Pepper, realizzato durante la felice permanenza nell'orchestra di Stan Kenton negli anni Cinquanta: un capolavoro che basterebbe da solo.

Ecco un video di Art Pepper che presenta una sua composizione originale dal titolo Mambo Koyama

Mehldau e Redman al Parco della Musica di Roma

2010-05-08T15:48:00.006+02:00

Questa sera alla ore 21, presso la Sala Sinopoli dell'Auditorium Parco della Musica di Roma concerto del duo composto dal pianista Brad Mehldau e dal sassofonista Joshua Redman.
Un concerto imperdibile, un incontro straordinario tra uno dei migliori pianisti di oggi, Brad Mehldau e uno dei migliori tenorsassofonisti della scena mondiale, Joshua Redman. Un concerto che si preannuncia come uno degli eventi musicali dell’anno, una serata di grande jazz e molte sorprese.
Il sassofonista Joshua Redman e il pianista Brad Mehldau hanno suonato per la prima volta insieme nel quartetto di Redman negli anni novanta, l’era dei “giovani leoni del jazz”. Negli anni successivi i due musicisti, entrambi nominati ai Grammy, sono cresciuti come leader nei loro rispettivi ensemble, raggiungendo il successo di pubblico e di critica internazionale e facendosi strada come nuove icone del jazz contemporaneo. La forma del duo ridona una nuova dimensione a questi due amici nella quale possono creare musica che connette in profondità con lo spirito.
Negli ultimi anni nessuno ha rivoluzionato il mondo del pianismo jazz come Brad Mehldau. Nessuno come lui riesce a condensare in un unico, inimitabile stile, la raffinatezza armonica, la ricerca introspettiva e la coralità della polifonia. La sua tecnica è formidabile, non si limita al puro accompagnamento, ma offre costantemente un vero e proprio dialogo con la linea melodica principale, creando spunti sempre nuovi che poi prendono vita propria e danno un senso polifonico alla composizione.
Joshua Redman, figlio del famoso sassofonista Dewey Redman, a soli 10 anni imbraccia il sax tenore. Nel 1991 partecipa al Thelonius Monk International Jazz Saxophone Competition, vince la competizione e da allora comincia a registrare con Elvin Jones, Charlie Haden, Jack DeJohnette, Pat Metheny, Roy Hargrove, the Mingus Dynasty and Big Band, Red Rodney, Paul Motian. Oggi è considerato uno dei più importanti tenorsassofonisti del mondo con uno stile e linee melodiche inconfondibili.

Ed ecco un video del duo ripreso allo Skidmore College di Saratoga lo scorso 16 aprile

Fine and Mellow - Billie Holiday

2010-05-08T12:44:00.005+02:00

Voglio segnalare un video storico tratto da una registrazione negli studi della Cbs del 1957, nel quale Billie Holiday interpreta una versione indimenticabile di Fine and Mellow, accompagnata da una leggendaria formazione che presenta alcuni dei più grandi musicisti della storia del jazz, Coleman Hawkins, Lester Young, Ben Webster, Gerry Mulligan, Vic Dickenson e Roy Eldridge.
L'eccezionalità di questo video deriva dal fatto che non capita tutti i giorni l'occasione di veder riunita una simile formazione, ma anche dalla possibilità di vedere in video alcuni grandi jazzisti che solo raramente sono stati ripresi dalle telecamere.

Ed ecco il video di Fine and Mellow

Jaco Pastorius. Trilogue. Live in Berlin 1976

2010-05-08T11:43:00.003+02:00

Il dvd Trilogue – Live in Berlin 1976 offrirà qualcosa di inusuale per i fan del bassista Jaco Pastorius, del trombonista Albert Mangelsdorff e del batterista Alphonse Mouzon. Infatti non troveranno in questo dvd il caratteristico funky di Pastorius, né le improvvisazioni selvagge di Mangelsdorff né lo stile frammentario di Mouzon. Voluto da Mangelsdorff e con un repertorio basato principalmente sulle composizioni del trombonista (a parte la toccante Portrait of Tracy di Pastorius in solo basso), questo concerto è stato un progetto pianificato con cura, in cui tutti e tre i musicisti sono stati profondamente coinvolti. Le loro tre forti personalità hanno dato vita ad un incontro straordinario in cui i tre musicisti si sono messi al servizio uno dell’altro. Registrato alla Filarmonica di Berlino il 6 Novembre 1976, alcuni dei brani di questo concerto sono apparsi su Lp, ma questa è la prima volta che la performance viene presentata in dvd. Inoltre è la prima volta che il concerto viene presentato nella sua interezza.
Per acquistare il Dvd dal sito Internet Book Shop, si può visitare questo indirizzo.

Ecco il video di uno strepitoso assolo di Pastorious tratto dal Dvd

Jazz Inside Magazine

2010-05-08T08:38:00.005+02:00

Jazzinsidemagazine.com è il sito internet di un bella rivista in lingua inglese dedicata esclusivamente alla musica jazz diretta dal vibrafonosta Eric Nemeyer, che presenta notevoli intervista ai grandi protagonisti della musica jazz, recensioni, articoli, notizie, ecc...
Nel sito c'è la possibilità di scaricare, in formato Pdf, i numeri arretrati della rivista, a partire dal mese precedente a quello di pubblicazione.
A questo indirizzo è per esempio possibile scaricare l'edizione di marzo 2010 della rivista, dove è presente una lunga ed interessante intervista al chitarrista Pat Metheny.
Ed ecco un'estratto dell'intervista tratta dalla rivista:
The new CD is magical! The dynamics and nuances in the articulation of the instruments make it all sound so non-mechanical. And the writing and arranging, as always, is beautiful. To you, what is the special significance of this project, one, in terms of its place in the evolution of musical instruments and musical contexts, two, the experience for the performer or controller, three, and for the listening audience?
It does seem to be an idea with a certain pull. People were obviously drawn to this same kind of thing in a fairly extravagant way a hundred years ago. And I don’t really see myself as being that wildly off the grid in general, my impulse with this was that I had been thinking about it since I was nine, and I was honestly amazed as each year went by that no one else had really gone all the way with it as medium in the modern era, using advanced harmony, compositional techniques, as a platform for improvising, etc. The experience of committing to this, then writing music for the instruments, and then preparing for a extensive tour has unbelievably challenging in every way. Besides the huge mass of technical things that I had to formulate and implement, I also had to examine my own views about music from many different angles. Honestly, I am not interested in any music that doesn’t groove or does not reflect spirit and soulfulness. Had I not been able to reconcile my standards of what is contained in those needs with the realities of what this setting offered, I would have bagged it. However, once the instruments came in and I started to figure out what was really possible with them that thought never again crossed my mind. At this point, I have only done a few gigs. But I was very curious to see what the early audience reactions were. What I have really liked is that it gets people talking. Everyone has an opinion and thoughts about this. That has to be a good thing. To me, that is a great byproduct of why we all go out and do the things we do. But what many people have said is that they are intrigued by the “how” of it for about the first ten minutes, and the remaining two hours and twenty minutes, they forget about all that and are just inside the music of it. When I started hearing that from people, I recognized that it had had basically the same trajectory with me – the first few days I was just thrilled with the instruments, then it went away and I was just writing music for a new platform in a different way. The whole thing for me is just that – a new medium to tell stories.
Can you tell me all of the different instruments that made up your Orchestrion?
I counted up the other day and there are around 400 solenoids (if you include each note on both pianos) and 100 or so pneumatics. The functional instrumentation is sort of a large rhythm section meeting a small percussion ensemble. Then there are the bottles in there that functions a little like a woodwind section.
I saw that the bottles had a milky hue to them. Did you put some chemical in there to keep the liquid from evaporating so that they stayed in tune?
It is mineral oil, so that it won’t evaporate. The milky color is some kind of preservative.....

Francesco Bearzatti Tinissima Quartet à l'Europa Jazz Festival

2010-05-08T08:07:00.006+02:00

Questa sera in diretta a partire dalle ore 23,00, il sito web dell'emittente televisiva Arte trasmetterà il concerto del Tinissima Quartet del sassofonista Francesco Bearzatti à Abbaye de l'Epau alle porte di Le Mans, nell'ambito dell'Europa Jazz Festival.

Il Tinissima Quartet è composto da Francesco Bearzatti (sassofono/clarinetto), Giovanni Falzone (tromba), Danilo Gallo (contrebasso), Zeno De Rossi (batteria).

Qui è possibile vedere stasera la diretta del concerto.

The Craig Wuepper Quartet featuring Eric Alexander

2010-05-07T22:18:00.004+02:00

Nel sito del celebre locale newyorkese Smalls Jazz Club è presente una corposa sezione multimediale dove è possibile ascoltare alcuni grandi concerti registrati nel club negli anni passati.
Oggi voglio presentare un magnifico concerto del Craig Wuepper Quartet featuring Eric Alexander registrato il 1 ottobre 2008.
E' possibile ascoltare i due set del concerto in streaming, cliccando qui per ascoltare il primo set, e qui per ascoltare il secondo set.
La formazione era costituita da Craig Wuepper - batteria, Eric Alexander - tenor sax, Paul Odeh - piano, Paul Gill - contrabbasso.

Mediterraneo Jazz Festival Isola d’Elba contest

2010-05-07T21:59:00.002+02:00

Approda alla 2° edizione il prestigioso contest che si terrà a Marciana Marina (Isola d’Elba) dal 24 giugno al 4 luglio, con la direzione artistica di Luigi Campoccia, musicista e compositore che ha creato, con il contributo delle amministrazioni comunali di Marciana Marina, Marciana Alta e Marina di Campo, nonché il considerevole sostegno di partner economici privati, il Mediterraneo Jazz Festival – Isola d’Elba Contest, che già si attesta tra i più rilevanti in Europa.
La partecipazione al concorso è totalmente gratuita ed è aperta a tutte le formazioni musicali attive sia in Italia che all'estero, senza limiti di età, indipendenti o legate a scuole di musica o istituti di formazione musicale operanti sul territorio.
Visto il successo delle passate edizioni, tutti coloro che supereranno la preselezione e che, quindi, verranno invitati a partecipare al contest, avranno la possibilità, se lo desidereranno, di suonare ogni sera in una location diversa con un soggiorno totalmente gratuito, per l'intera durata della Manifestazione.
Questo regalerà ai fortunati selezionati una bellissima vacanza in un'isola unica al mondo per ospitalità e bellezza, ma soprattutto la straordinaria opportunità di potersi esibire in più concerti godendo della visibilità offerta dal pubblico dell’ intera isola.
Di tutto rispetto anche i premi in denaro:
I° Classificato € 3.000,00
II° Classificato € 2.000,00
III° Classificato € 1.000,00
Miglior solista borsa di studio per l’iscrizione ai prestigiosi seminari estivi 2011 della Fondazione Accademia Siena Jazz.
Ai concorrenti è richiesto un progetto musicale in ambito jazzistico, sia esso improntato su brani originali o standards.
La commissione selezionatrice valuterà la preparazione tecnica e il curriculum dei musicisti, oltre all’originalità del progetto. Sono così ammessi alla selezione gruppi impegnati in un ampio range di generi: dal Jazz tradizionale, fino a progetti caratterizzati da contaminazioni tipo “fusion” (latin jazz, influenze etniche e popolari, soul, funky ecc).
I gruppi che intendano partecipare dovranno inviare all’indirizzo all’indirizzo: Luigi Campoccia, Piazza Della Pace, 9 - 53035 - Monteriggioni - Località Castellina Scalo (Siena), a mezzo Poste Italiane o corriere, entro e non oltre il termine del 31 Maggio 2010, la seguente documentazione:
a) Il modulo di iscrizione completo di liberatoria, allegato al presente regolamento e scaricabile dal sito www.elbamjf.org debitamente compilato e sottoscritto,
b) Tre copie identiche di un CD contenenti almeno 3 brani musicali liberamente scelti, che permetteranno una adeguata valutazione per l’ammissione al concorso.
c) Il nome, dettagli anagrafici e recapiti telefonici, indirizzo mail del responsabile del gruppo o del musicista solista.
d) Un curriculum artistico aggiornato, con materiale fotografico (min. 4 immagini) di buona qualità.
Gli esiti della preselezione saranno comunicati entro il 7 giugno 2010, tramite pubblicazione sul sito www.elbamjf.org e telefonicamente o via mail, ai responsabili dei gruppi selezionati.
Il Concorso avrà durata di 11 giorni e si svolgerà in due fasi: Eliminatorie e Finale e vedrà impegnate diverse giurie formate da giornalisti e critici musicali dell’intero territorio nazionale.
Nei giorni di durata del “Contest” l’organizzazione garantirà l’ospitalità a tutti i partecipanti per il pernottamento relativo alla serata di esibizione. Si ribadisce che per i gruppi che daranno la disponibilità di suonare per l’intera durata del Contest, per esibizioni negli esercizi pubblici locali (club, ristoranti, strutture alberghiere ecc.). e negli spazi pubblici (piazze, ecc.), l’Organizzazione garantirà l’ospitalità per l’intera permanenza.
Per ulteriori informazioni: www.elbamjf.org

Benny Golson a Sarzana (Sp)

2010-05-07T17:40:00.001+02:00

Il grande sassofonista Benny Golson si esibirà venerdì 14 maggio a Sarzana, presso il Loggiato di Gemmi. La serata, organizzata dalla neonata associazione “Spezia in Jazz”, che ha riportato alla vita la vecchia e gloriosa associazione “Amici del Jazz”.
La serata inizierà con la cena, alle 20, e proseguirà con il concerto del sassofonista statunitense e dei tre musicisti che lo accompagnano alle 22. Il prezzo per godere dell'intera serata è di 35 euro.
Il quartetto sarà composto da Benny Golson (sax tenore), Massimo Faraò (pianoforte), Carmelo Leotta (contrabbasso), Carmen Intorre (batteria).
L'appuntamento quindi è fissato per le 20 al civico numero 11 di via Bonaparte, a Sarzana, ma vista la particolarità della serata e il numero di posti limitato è consigliabile prenotare al numero 0187620165.
Benny Golson è nato negli Usa nel 1929 e nell'arco della sua lunga carriera ha suonato John Coltrane, Red Garland, Jimmy Heath, Percy Heath, Philly Joe Jones e Red Rodney. Nel 2004 ha interpretato un importante cameo nel film The Terminal di Steven Spielberg. Nel 2009 è entrato a far parte dell'"International Academy of Jazz Hall of Fame" durante uno spettacolo tenuto alla Carnegie Music Hall nell'ambito della settimana del Jazz organizzare dall'Università di Pittsburgh.

Epica jazz

2010-05-07T12:00:00.006+02:00

Voglio segnalare un bel post, pubblicato da Aldo Lastella sul suo blog Controfagotto con il quale recensisce il recente concerto tenuto da Henry Threadgill a Roma.
Li sentivo arrivare dai quattro angoli del mondo, al galoppo, tutti convergendo verso un solo destino. Mi richiamavano alla mente il meraviglioso incedere dell’esercito russo per la battaglia del Grande Lago Salato nell’Aleksandr Nevskij di Ejsenstein. Chi non l’ha mai visto al cinema non può capire l’emozione di quel campo lunghissimo (mai visti di così lunghi, forse Anghelopulos…), bianco, un infinito piano candido sovrastato da una enorme chiazza di cielo grigio. E in fondo a quel bianco una piccolissima turbolenza nell’orizzonte, come un’alba incipiente, che con il passare dei minuti mangia lo spazio, lo occupa e lo trasforma in corpi e cavalli, la possente cavalleria di Nevskij, i cavalieri dell’Apocalisse sfrenati aggrediscono l’occhio dello spettatore. Altro che il treno dei Lumière, qui c’è da scansarsi sul serio. L’epica si fa cinema. Si avverte il vento al passaggio dei cavalli.
Troppa epica? Sì forse. In fondo stiamo parlando di jazz. Jazz? Sì, della potenza che Henry Threadgill, irriducibile guerriero della musica, sa ancora accendere sul palco. Si è presentato a Roma in quintetto, ma sembrava un esercito. Chitarra acustica elettrificata, uno strano contrabbasso-chitarrone, batteria e basso tuba. Più il leader con i consueti flauto e sassofoni. Ma non è stata semplicemente una seduta di jazz. Non era quella cosa stanca, rutiniera e molle che oggi chiamano jazz. Qui c’erano lancieri che partivano ognuno dal proprio continente: lanciati lungo piste accidentate, desertiche o attraversate da corsi d’acqua, sassose o perfettamente battute. Territori differenti, sentieri diversi, per tutti appuntamento là. Per capire bastavano i pochi minuti del bis concesso da Threadgill e i suoi. Sembravano non doversi mai incontrare le cinque linee ritmico-melodiche, giravano apparentemente impazzite, cozzavano, si avvicinavano, poi all’improvviso scartavano e riprendervano una strada tutt’affatto lontana dalle altre. Poi eccole con un che di sorprendente incontrarsi in un accordo finale che sembrava uscito dallo swing degli anni 40. Come diavolo ci erano arrivati? E’ il miracolo del jazz.
Questo è il concerto degli Zooid di Threadgill, uno degli ultimi grandi del jazz, un musicista che non si accontenta. Capace anche di barare in modo fantastico, truccando le parti scritte come fossero improvvisazioni. E che sappia barare alla grande lo si poteva indovinare dai mezzi sorrisi che sfoderava nel bel mezzo di quel fantastico pulviscolo sonoro del quale si era circondato. Musica che non si può dire. Chi ha le parole per raccontare quella pioggia di colori dominata da Threadgill con la pazienza e la serenità di uno sciamano, un uomo della medicina che sa come farci sentire vivi?
Sul palco con lui José Davila (trombone, basso tuba), Liberty Ellman (chitarrista, un prestigiatore pur così giovane), Stomu Takeishi (contrabbasso), Elliott Kavee.

Ecco un video degli Zooid di Henry Threadgill, che presentano All The Way Light Touch

Note di Corte ad Aversa

2010-05-07T11:56:00.002+02:00

Notizia tratta dal Corriere di Aversa e Giuliano
Sarà il suo quintetto della cantante americana Joy Garrison, una delle voci più eleganti dell'attuale panorama, la cui carriera è indissolubilmente legata ai grandi nomi della musica jazz, da Barney Kessel a Kevin Hubanks, da Hank Johnes a John Scofield, ad inaugurare venerdì 7 maggio la rassegna "Note di Corte" firmata dal jazz club Lennie Tristano di Aversa al Panart Ristosound di Carinaro.
La corte è quella dell'antico Palazzo Ducale del paesino alle porte di Aversa, che ospiterà per i quattro venerdì di maggio una rassegna che mette assieme le note afroamericane di stampo italico con i grandi nomi del jazz internazionale. Alla prima categoria appartengono sicuramente i casertani Avion Travel che al Panart venerdì 14 maggio battezzeranno la loro prima esibizione campana del recentissimo progetto dedicato a Nino Rota. Un'esclusiva assoluta attesissima, per una band che proprio nella storica sede di piazza Marconi del Lennie Tristano ebbe l'imprimatur della svolta jazz dopo gli esordi rock. Il 21 maggio toccherà ai Cluster il gruppo vocale genovese a cappella, noto al grande pubblico per la partecipazione nel 2008 alla prima edizione italiana del fortunato talent show europeo X Factor. Il gruppo composto da tre voci maschili e due femminili: Erik Bosio (baritono), Nicola Nastos (Tenore, Beatboxing), Luca Moretti (Basso), Letizia Poltini (Soprano) e Liwen Magnatta (Alto) si è ritagliato una carriera di ottimi livello partecipando a tutte i festival jazz più importanti, avendo l'onore di aprire l'edizione dell'anno scorso di "Umbria jazz winter". Il 28 maggio chiusura con Lorenzo Hengeller e il suo quartetto. Nome altoatesino, ma napoletano doc, il pianista che ama stupirsi e stupire col suo swing all'italiana, torna ospite del Tristano dopo l'incredibile successo di pubblico ottenuto per il concerto del venticinquennale, affollato da duecento persone in sala e da almeno altre cento che rimasero fuori. Il Panart si trova in via Palazzo a Carinaro, tutti i concerti inizieranno alle ore 21,30.

Enrico Intra e Franco Ambrosetti a Jazz Visions

2010-05-07T11:42:00.003+02:00

Domani 8 maggio per la rassegna Jazz Visions, al Teatro Silvio Pellico di Bagnolo Piemonte (Cn), a partire alle ore 21, concerto dell'Enrico Intra Trio, con la partecipazione del trombettista Franco Ambrosetti.
Il concerto rappresenta l'occasione per l’incontro tra due maestri; Enrico Intra, uno dei padri del jazz italiano, pianista, arrangiatore, direttore musicale della prestigiosa Civica Jazz Band di Milano, e Franco Ambrosetti, che, nella sua carriera, ha collaborato con il gotha della scena internazionale.
Occasione è stata la registrazione di un nuovo lavoro, pubblicato dalla etichetta giapponese Albòre Jazz, intitolato Live in Milan duo, trio, quartet.
Enrico Intra è una figura storica del jazz italiano; è stato tra i primi musicisti ad elaborare un concetto “europeo” di jazz. Le sue composizioni si configurano come vere e proprie sfide a schemi formali ed espressivi consolidati, e spaziano dal blues alla musica sacra. Tra i capolavori realizzati a cavallo tra gli anni ’60 e ’70 si segnalano Archetipo, Messa d’Oggi, To The Victims Of The Vietnam, Nuova Civiltà (incisa con Gerry Mulligan e considerata dalla critica internazionale una delle più importanti opere non da leader del celebre sassofonista e compositore americano). Dalla seconda metà degli anni ’80 sviluppa il progetto Sound Movie, basato sull’improvvisazione totale realizzata in contrappunto alla proiezione di famosi film del cinema muto di matrice espressionista. È stato arrangiatore di successo e direttore d’orchestra in famosi programmi televisivi. Ha fondato e dirige la Civica Jazz Band, protagonista di un’importante stagione al Piccolo Teatro di Milano.
Franco Ambrosetti, musicista svizzero di rilievo mondiale, ha cominciato a suonare giovanissimo, vincendo prestigiosi concorsi internazionali, a cominciare dal Vienna International Jazz Competition del 1966. Nella sua lunga carriera, cominciata nei primi anni ’60, ha suonato con un gran numero di musicisti di alto livello, sia americani sia appartenenti alla scena del vecchio continente. Tra questi, vanno segnalati i sodalizi con George Gruntz, Daniel Humair, J.F. Jenny Clark, Gato Barbieri, Uri Caine (con cui ha recentemente inciso l’album The Wind), Michael Brecker, Mike Stern, Phil Woods, Joe Henderson, Dave Holland, Kenny Barron, John Scofield, Franco Cerri, Antonio Faraò, Enrico Intra, Dado Moroni, Claudio Angeleri, Ron Carter, Don Sebesky, con molti dei quali ha anche preso parte a incisioni discografiche. Ha partecipato a tutti i principali festival jazz internazionali, sia in veste di leader sia come ospite in progetti speciali di altri musicisti, gravitando spesso in Italia, paese al quale ha dedicato pochi anni or sono il progetto Grazie Italia.
Per informazioni: www.jazzvisions.it

Oggi parte New Conversations – Vicenza Jazz

2010-05-07T09:21:00.001+02:00

Sulla scia dell’enorme successo riscosso nel 2009, il festival New Conversations – Vicenza Jazz è pronto a lanciarsi in una nuova edizione, la quindicesima, che si preannuncia altrettanto ricca di sorprese musicali, con un cartellone in cui spiccano produzioni esclusive di grande prestigio e originalità creativa, nomi storici della musica afro-americana e un’ampia carrellata di artisti sia statunitensi che europei tra i più amati dal pubblico.
New Conversations – Vicenza Jazz 2010 si terrà dal 7 al 15 maggio, con un prologo il 6 maggio e un rilevante epilogo il 25 maggio. La presenza di artisti come Elio delle Storie Tese (impegnato come voce recitante in una versione jazz di Pierino e il Lupo), Bobby McFerrin, Richard Galliano (con l’Orchestra del Teatro Olimpico di Vicenza), gli Incognito, Joshua Redman, Brad Mehldau, McCoy Tyner, Gonzalo Rubalcaba, Roy Haynes, per non citarne che alcuni, farà di New Conversations – Vicenza Jazz 2010 una vera sfilata di star e, soprattutto, un’occasione per ascoltare quanto di meglio ci sia sull’attuale scena concertistica jazz e dei generi affini.
Vicenza Jazz è organizzato dal Comune di Vicenza, in collaborazione con la Regione Veneto, il Ministero per i beni e le attività culturali, con l’importante contributo del main sponsor Trivellato – Mercedes Benz e grazie al sostegno di A.I.M., Confcommercio Vicenza, Fondazione Cariverona e Panic Jazz Club.
Come da tradizione, i concerti di Vicenza Jazz si terranno in alcuni dei luoghi architettonici più suggestivi della città palladiana: ben quattro serate si svolgeranno nella cornice mozzafiato del Teatro Olimpico, ma saranno coinvolti anche palazzi antichi (come il Leoni Montanari, dove si esibirà il trio del virtuoso contrabbassista Reanud Garcia-Fons) e vari luoghi all’aperto, come Piazza dei Signori (dove si terrà il concerto a ingresso gratuito degli Incognito).
La quindicesima edizione di Vicenza Jazz avrà per titolo “Allonsanfàn: il jazz di là dalle Alpi” e sarà in gran parte dedicata ai musicisti e alle opere più rappresentativi dalla cultura francese: il festival conferma così la grande attenzione che da sempre concede alle migliori manifestazioni del jazz europeo. Il direttore artistico Riccardo Brazzale è riuscito a coinvolgere nel programma del festival molti fra i maggiori musicisti francesi di ambito jazzistico: dal fisarmonicista Richard Galliano, ai contrabbassisti Renaud Garcia-Fons, Michel Benita ed Henri Texier, sino alla sassofonista Géraldine Laurent e al batterista italofrancese Aldo Romano. Ancor più significativi saranno un paio di progetti italofrancesi che verranno ripresi a Vicenza proprio per l’occasione: l’omaggio multimediale al cinema di Truffaut da parte della pianista Rita Marcotulli e quello alle canzoni di Charles Trenet ideato dalla cantante Barbara Casini.
Le ampie dimensioni di Vicenza Jazz 2010 concederanno ampio spazio anche ai grandi interpreti del panorama jazzistico italiano: Roberto Gatto, Fabrizio Bosso, Danilo Rea, Paolo Damiani, Pietro Tonolo, Paolo Birro… Un progetto importante sarà l’evento di chiusura del festival, che vedrà Elio, popolarmente noto quale leader delle “Storie Tese”, impegnato nel ruolo di voce recitante nel capolavoro di Prokofiev Pierino e il lupo, che verrà proposto in una particolare rivisitazione per orchestra jazz creata in esclusiva per il festival vicentino, arrangiata da Roberto Spadoni ed eseguita dall’Orchestra Jazz dei Conservatori del Veneto.
Di assoluto rilievo sarà poi la programmazione che animerà lo spazio del Teatro Astra, che si trasformerà in un jazz club after hours sotto l’ormai inconfondibile nome di “Panic Jazz Café Trivellato”. La programmazione, curata da Luca Berton, patron del Panic Jazz Club di Marostica, può vantare la presenza di nomi sorprendenti: dal prologo di giovedì 6 maggio con la chitarra di Kurt Rosenwinkel al gran finale di sabato 15 con il sax di Kenny Garrett. In mezzo, tanti protagonisti del jazz italiano (Francesco Cafiso, Nicky Nicolai con Stefano Di Battista…) e, soprattutto, internazionale (da Benny Golson a Eli Degibri con Aaron Goldberg) e tante idee come quella di un trio in residence con il pianista Soren Kjaergaard, Ben Street al basso e Andrew Cyrille alla batteria.
Scorrendo in ordine cronologico il ricco programma di Vicenza Jazz 2010, sin dalla serata inaugurale di venerdì 7 maggio al Teatro Olimpico ci si imbatte in una produzione originale e in esclusiva, con il celebre fisarmonicista francese Richard Galliano che si esibirà con il sontuoso accompagnamento orchestrale fornito dall’Orchestra del Teatro Olimpico di Vicenza diretta da Giancarlo De Lorenzo. Il concerto di Galliano sarà preceduto dall’esibizione del quartetto del contrabbassista Chuck Israels, che è stato un componente fondamentale dei trii di Bill Evans nell’importantissima stagione 1961-66.
Sabato 8 il tradizionale concerto gratuito all’aperto nella cornice di Piazza dei Signori avrà per protagonista la band acid-jazz per antonomasia: gli Incognito, in data unica per l’Italia.
Domenica 9 ci si sposta al Teatro Comunale per un duetto di star: il sassofonista Joshua Redman e il pianista Brad Mehldau, musicisti tra i più rappresentativi del mainstream jazz odierno, amati dalla critica e idolatrati dal pubblico.
Altri mostri sacri della musica afro-americana arriveranno nei due giorni seguenti: lunedì 10 al Teatro Comunale ci sarà il quartetto del pianista McCoy Tyner, una super band tra le più ambite e ammirate. Tyner, lanciato dalla lunga militanza nello storico quartetto di John Coltrane, è, in compagnia del solo Bill Evans, il pianista più influente del jazz moderno. Martedì 11 si ritorna nella monumentale ambientazione del Teatro Olimpico con un doppio appuntamento. Si inizia con una performance in solo di Gonzalo Rubalcaba, pianista dalla tecnica e il suono tra i più sopraffini che si possano ascoltare; poi la Fountain of Youth Band del batterista Roy Haynes darà una dimostrazione del suo jazz pirotecnico: Haynes, in barba ai suoi 85 anni, rimane a tutt’oggi uno dei più dinamici generatori di ritmi afro-americani.
Le tre serate successive vedranno un’alternanza di jazzisti di punta di provenienza italiana e francese. Mercoledì 12 sul palco del Teatro Comunale saliranno ben tre diverse formazioni capitanate dal batterista simbolo del jazz italiano, Roberto Gatto: si potranno così ascoltare uno dopo l’altro il Quintetto di Gatto impegnato nel progetto “Tribute to Shelly Manne”, il duo con il pianista Danilo Rea e la nuova formazione I-Jazz Ensemble 2010, un ottetto creato su impulso dell’associazione i-jazz, che raccoglie alcuni dei principali festival italiani, compreso Vicenza Jazz. Giovedì 13 al Teatro Olimpico si celebrerà il jazz francese: prima con il quartetto all-stars franco-italiano che affianca Aldo Romano (batteria), Fabrizio Bosso (tromba), Géraldine Laurent (sax) ed Henri Texier (contrabbasso), poi con “Formidable!”, l’omaggio alle canzoni di Charles Trenet ad opera del quartetto della cantante Barbara Casini. Due gruppi anche venerdì 14 al Teatro Comunale: si inizia con il duo formato da Danilo Rea e Paolo Damiani, ai quali si unirà anche il sassofonista Pietro Tonolo, mentre nella seconda parte della serata la pianista Rita Marcotulli rispolvererà il progetto multimediale "La femme d’à côté", ispirato al film La signora della porta accanto di François Truffaut.
L’espressione “gran finale” è quanto mai pertinente per l’ultima serata del festival: sabato 15 al Teatro Olimpico Elio delle Storie Tese sarà la star di una produzione musicale in esclusiva per Vicenza Jazz: Pierino e il Lupo. Si tratterà naturalmente di una versione jazz della favola in musica di Prokofiev, eseguita dall’Orchestra Jazz dei Conservatori del Veneto diretta da Roberto Spadoni, che è autore anche del nuovo arrangiamento. La serata finale del festival prevede inoltre in apertura l’esibizione dell’eccitante trio del batterista Jeff Ballard.
Infine, quest’anno Vicenza Jazz avrà anche un epilogo, un appuntamento il cui prestigio musicale corona perfettamente l’elevato livello della programmazione della quindicesima edizione del festival. Martedì 25 maggio al Teatro Comunale Bobby McFerrin, icona della musica vocale capace di trascendere i generi, si esibirà in una delle sue memorabili performance in solo.
Numerose altre iniziative arricchiranno il programma della quindicesima edizione di Vicenza Jazz: due messe musicali (tra cui la Messa Jazz di Jacques Loussier) eseguite dal Coro e Orchestra di Vicenza sotto la direzione di Giuliano Fracasso, numerose proiezioni cinematografiche, un workshop di canto, un seminario e diverse attività concertistiche presso il Conservatorio “Pedrollo”, una mostra dedicata alla musica futurista al LAMeC (Basilica Palladiana) e l’apertura sino alla mezzanotte e con ingresso libero di numerose mostre e musei cittadini.

UnoJazz - Festival Internazionale della Musica Jazz

2010-05-06T21:28:00.002+02:00

Nell’affollato panorama delle manifestazioni estive dedicate alla musica di ogni genere, Unojazz Festival nasce con l’esigenza di ritagliarsi uno spazio inedito.
Solitamente, infatti, tutti i festival propongono musicisti che, oltre ad un’indiscussa levatura artistica, godono comunque di una certa notorietà presso il grande pubblico, spesso frutto di adeguate promozioni da parte di case discografiche ed impresari.
La storia del jazz però ci insegna che i personaggi storici, quelli che hanno contribuito in modo fondamentale allo sviluppo di questo genere, hanno avuto riconoscimenti tardivi, se non addirittura postumi.
Ancora oggi musicisti di fondamentale importanza sono estranei agli schemi dello show bussines e sconosciuti al di fuori della ristretta cerchia degli appassionati.
Presentando Karin Krog – probabilmente la più raffinata interprete vocale nell’attuale panorama jazzistico mondiale – con Tony Coe – celebre per essere il sax solista del “Pink Panther Theme” ma da oltre 40 anni anche audace sperimentatore sempre all’avanguardia - Unojazz Festival riporta in Italia in esclusiva due mitici personaggi, che hanno ricevuto prestigiosi riconoscimenti dalla critica specializzata internazionale ma mancano di esibirsi nel nostro paese da parecchi lustri.
In un contesto musicale dove da sempre i musicisti americani godono di maggiore popolarità, Unojazz Festival alla prima edizione presenta 6 concerti con solisti esclusivamente europei.
Si tratta comunque di stelle di prima grandezza, come i belgi David Linx e Biederik Wissels, il sensazionale contrabbassista svedese Lars Danielsson, gli stupefacenti pianisti dell’est Alperin e Mozdzer, la superstar britannica Andy Sheppard. Tutti presentano un programma specificamente realizzato per l’occasione, che si ispira ad una loro opera discografica fra le più rappresentative, per questo è sembrato opportuno dare ad ogni concerto il titolo dell’opera stessa.
Unojazz Festival, inoltre, non dimentica le preziose realtà musicali italiane, quali il trio di Mario Piacentini e la Ambassador Jazz Orchestra.
Si tratta quindi di un festival che nasce con caratteristiche al di fuori degli schemi consueti, già proiettato con lo stesso entusiasmo verso le edizioni future.
Il Festival si terrà ad Arma Di Taggia (Im), Via Lungomare Zona Darsena.
Per informazioni www.unojazz.it